Et si votre famille cachait un secret magique ? Billie, une adolescente rebelle et impulsive, voit son quotidien bouleversé lorsqu’elle découvre qu’elle possède d’étranges pouvoirs. Sa quête la mène à Hexe, un monde mystérieux peuplé de sorcières, où elle part avec sa mère, Alice, sur les traces de leurs origines. Mais quels secrets se cachent derrière leur lien avec cet univers surnaturel ?

Voilà comment on peut résumer Billie: À la Croisée des Mondes, dont la sortie est prévue le 25 novembre prochain. Au cœur du récit, on retrouve la relation familiale unissant Billie à sa mère, Alice. Une histoire qui parle de mensonges, de secrets de famille, mais aussi de rédemption, de pardon et de travail d’équipe. Ici, mère et fille se déchire pour mieux se retrouver et affronter, ensemble, l’adversité dans un monde étrange.

Un premier trailer avait été dévoilé à la mi-juin de cette année, suscitant de nombreuses interrogations chez les fans, mais aussi de vives polémiques autour de l’affiche révélée simultanément. De nombreux internautes estimaient en effet que cette dernière s’inspirait un peu trop ouvertement de l’univers de Harry Potter, tandis que d’autres critiquaient le rendu de l’animation. Publiée à la mi-octobre, cette nouvelle vidéo adopte une approche différente en mettant davantage l’accent sur la narration et les messages véhiculés par le film.

Quid du casting ?

Billie: À la Croisée des Mondes est un film d’animation produit par Disney. On trouve Fawn Veerasunthorn et Jason Hand à la réalisation, avec Josie Trinidad en coréalisation. La production a, quant à elle, été confiée à Roy Conli et Yvett Merino.

Côté voix, le casting est tout aussi solide avec :

• Hailee Steinfeld : Billie ;
• Rashida Jones : Alice, la mère de Billie ;
• Jodie Foster : la reine Celeste ;
• Tracey Ullman : Madame Quill, la plume enchantée ;
• Stephen Fry : Elias Quire, le journal magique ;
• Walton Goggins : un chat vert à trois yeux, solitaire et magique.

Enfin, Henry Winkler et Dan Stevens complètent la distribution. Par contre, les voix françaises ne sont pas encore connues à ce jour.

Lilo & Scratch, le court-métrage surprise

Annoncé le 26 juin dernier, à l’occasion du « 626 Day », le court-métrage Lilo & Scratch sera projeté en exclusivité avant Billie: À la Croisée des Mondes. L’occasion de revoir Stitch pendant quelques minutes. Celui-ci y rencontre Scratch, un chat espiègle avec qui l’aventure tournera vite à la catastrophe. On sait déjà que Chris Sanders reprend son rôle de Stitch tandis que Maia Kealoha revient en Lilo. Voilà des nouvelles qui raviront les fans de la petite mascotte bleue.

Pour le reste, rendez-vous donc le 25 novembre prochain pour découvrir, au cinéma, Billie: À la Croisée des Mondes. Le film débarquera ensuite sur Disney+ à une date encore indéterminée.

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N’ayant pas grandi avec les mangas ou les animes, je n’avais jusqu’à présent jamais vu un seul épisode. Il y a quelques semaines, j’ai été invité par Bandai Namco pour tester leurs futurs jeux. Parmi eux, Dragon Ball: Sparking Zero. En y jouant, je me suis dit : « C’est quand même dommage d’être passé à côté de cette saga. » En rentrant chez moi, j’ai donc décidé de me lancer dans l’aventure.

Pour des raisons budgétaires évidentes, j’ai opté pour l’anime plutôt que le manga. Après un début un peu difficile, j’ai finalement accroché, et je dois le dire : quelle saga !

Dragon Ball : un anime qui met du temps à démarrer !

Tout commence avec le premier anime, nommé Dragon Ball ! Adaptée du manga éponyme du maître Akira Toriyama, cette série télévisée est arrivée en France en février 1986. Les épisodes ont été diffusés sur plusieurs chaînes, mais les plus anciens d’entre nous se souviennent sûrement du Club Dorothé sur TF1.

Dans cette série, nous suivons Son Goku, un enfant vivant seul dans la forêt suite à la perte de son grand-père. Le bambin est un peu limité d’esprit et à cause de sa vie d’ermite, il ne connaît pas grand-chose du reste du monde. Il fait alors la rencontre de Bulma, une jeune femme en quête des dragon ball. Des pierres magiques qui une fois réunis (sept au total) font apparaître Shenron un dragon, qui peut réaliser l’un de vos souhaits.

Ça tombe bien Goku en a une, le dernier objet que lui a légué son grand-père, la dragon ball numéro 4. Ensemble, ils partent alors en quête des autres pierres, en rencontrant d’autres personnages qui deviendront les protagonistes principaux de la saga. Tortue Génial, Krilin, Yamcha, etc.

L’anime est composé de sept arcs narratifs :

Arc Son Goku,

Arc 21e Tenkaichi Budokai

Arc Armée du Red Ribon,

Arc Baba la voyante,

Arc Ten Shin Han,

Arc Roi Démon Piccolo,

Arc Piccolo,

Très honnêtement, je trouve que les événements mettent un peu de temps à arriver. Durant une bonne partie de la série, on regarde Goku s’entraîner, participer à des tournois pour tenter de devenir un meilleur combattant et de chercher les Dragon Ball pour x ou y raison. Je trouve qu’il n’y a pas de réels enjeux jusqu’à l’avant-dernier arc Roi Démon Piccolo.

L’arrivée de cet antagoniste bascule complètement l’histoire premièrement, car il est très puissant. Deuxièmement, il veut prendre le contrôle de la terre et la plonger dans les ténèbres. Il y a donc un véritable enjeu à partir de ce moment-là. Alors cela ne fait pas non plus du début de manga quelque chose d’horrible, mais c’est juste un peu compliqué de comprendre où veut en venir l’auteur. Il y quand même de très bonnes choses dans le début du manga et des arcs assez intéressant comme l’armée du Red Ribon.

Surtout, on découvre tour à tour les personnages et on plonge dans l’univers en découvrant le lore du manga. Même si j’ai eu un peu de mal à accrocher au début, Dragon Ball reste une excellente découverte et le meilleur reste à venir avec Dragon Ball Z

Dragon Ball Z on plonge direct dans le bain !

Cette série débarque dix ans plus tard sur les chaînes de télévision française. C’est donc en 1996 que le public français découvre cette suite de l’anime. 

Contrairement à sa grande sœur, DBZ nous plonge directement dans une intrigue captivante. On retrouve notre cher Goku quelques années plus tard avant les événements de la première série. Ce dernier est devenu un jeune homme et se rend à la Kame House pour présenter à ses amis, Gohan, son fils. C’est alors que débarque Raditz qui vient gâcher la réunion de famille. Venu d’une autre planète, il s’agit d’un Saiyen, il est venu chercher son petit frère, Goku. Voilà entre gros guillemets le début de l’intrigue de la série.

Ce qui est intéressant avec Dragon Ball Z, c’est que des ennemis très puissants font leurs apparitions dès le premier acte et surtout, on en apprend plus sur les origines du héros. Il se passe énormément de choses dès le début de l’anime et les événements ne vont pas se calmer en avançant dans l’histoire. Je n’étais vraiment pas prêt à ce que j’allais découvrir !

Si dans la première série, on découvrait les personnages principaux qui forgeront les bases de la saga. DBZ n’est pas en reste et nous fait découvrir de nouveaux personnages qui deviendront à leur tour emblématiques voir légendaires pour certains. Vegeta, Freezer, C17, Boo, Cell et j’en passe DBZ forgent son univers et marquent les esprits dans le cœur des fans encore des années plus tard avec des combats épiques.

Si l’histoire de Dragon Ball se déroulait seulement sur terre, celle de Dragon Ball Z nous fait voyager jusqu’au confins de l’espace au travers de neuf arcs narratifs :

Arc Saiyens,

Arc Namek,

Arc Freezer,

Arc Cyborgs,

Arc Cell,

Arc Cell Game,

Arc Great Saiyaman,

Arc Babidi et Boo,

Arc Boo,

Dragon Ball Z ne nous laisse pas respirer, les arcs s’enchaînent en allant crescendo. Les ennemis toujours plus puissants, les enjeux toujours plus gros. C’est vraiment agréable et on ne décroche pas d’un fil durant quasi toute la série. Effectivement, petit bémol pour l’arc Great Saiyaman qui nous décroche un peu avec un ton plus léger. Cependant, l’anime revient en puissance juste après avec l’arrivée de Boo.

Dragon Ball Super, un coup de frais sur la saga

Le premier épisode de Dragon Ball Super a été diffusé en 2015, des années après les premiers épisodes de DBZ, l’animation reçoit vraiment un coup de fraîcheur !

Les dessins sont splendides, les animations magnifiques et les combats impressionnants ! Cela fait vraiment du bien après deux séries dont les animations étaient encore passables mais commençait à dater. 

L’anime Super reprend juste après la défaite de Boo ! On retrouve Goku en train de s’activer à la ferme, Chichi ne veux plus qu’il s’entraîne, pour ramener de l’argent à la maison.

Cependant, tout ne va pas se dérouler comme prévu, dans une galaxie lointaine, très lointaine, un chat violet sort de son sommeil. Son nom Beerus, il a deux passions dans la vie, la nourriture et détruire des planètes.

Étant l’un des êtres les plus forts de l’univers, il est à la recherche du Super Sayen Divin. Il arrive donc sur terre et rencontre la bande de Goku qui vont passer un sale quart d’heure.

Cette partie nous donnera l’un des passages les plus mythique de la culture geek avec le fameux : Comment oses-tu frapper ma Bulma ?!

Cet anime est divisé en huit arcs que voici :

Arc Battle of Gods,

Arc Résurrection de Freezer,

Arc Dieu de la Destruction Champa,

Arc Trunks du futur,

Arc Survie de l’univers,

Film Broly,

Dragon Ball Super Hero,

Super Dragon Ball Heroes (HS)

Une nouvelle fois, la série introduit de nouveaux personnages toujours plus puissants et l’on suit l’évolution de Goku et Vegeta qui deviennent eux aussi plus balèze. 

Dragon Ball Super ne bénéficie pas seulement d’un coup de frais en termes de graphismes, l’histoire tient la route ! Comme dans DBZ, on ne s’ennuie pas une seconde jusqu’à l’arc final et le tournoi ou Goku passe en Ultra Instinct ! Une série qui continue donc sur sa lancée avec des personnages haut en couleur, un scénario à la hauteur et surtout une bande son toujours au rendez-vous !

Dragon Ball Super : Broly : la dernière claque

Après la super série Super, pardonnez-moi le jeu de mots un peu nul ! Il restait encore deux films canons, Dragon Ball Super : Broly et Dragon Ball Super : Super Hero. Je ne vais pas m’attarder sur le deuxième film qui a ses qualités et ses défauts. En revanche, nous devons parler du premier, le film sur Broly.

Pour commencer, le prologue du scénario nous en apprend un peu plus sur les familles de Vegeta et Goku. Ce qui est pour le coup assez intéressant, car on ne sait que très peu de choses (en visionnant seulement les anime) sur leurs parents. Ici, ce n’est pas le scénario qui nous met une claque, mais l’animation et le sound design.

Le film sur Broly est une prouesse en termes d’animation, les combats sont spectaculaires, c’est rapide, fluide et joli. J’avais pris une première claque avec la série, le film est arrivé et m’en a mis une deuxième. Honnêtement, même si vous n’avez pas vu Dragon Ball, c’est un film à voir tant la réalisation est splendide.

Des personnages légendaires…

Cette saga fête ses quarante ans cette année, comprend bien plus de films et de séries animées que celles citées plus haut. Cependant, ces derniers n’étant pas canons, je ne suis pas penché sur le sujet. Ceci dit, cela n’enlève rien à l’ampleur de Dragon Ball et sa multitude de personnages principaux comme secondaire qu’elle introduit.

À côté de ces nouveaux personnages introduits, on suit la bande de héros et leur évolution. Goku, Piccolo, Bulma, Krilin, tous changent au fur et à mesure de l’aventure que ce soit physiquement ou encore mentalement. Il est intéressant de découvrir ces changements qui surviennent après certains événements.

Les héros évoluent tout comme les méchants, c’est ce qui je trouve est d’autant plus intéressant dans la saga. Cependant, nous nous attarderons sur ce point un peu plus tard dans l’article. 

… parfois gâchés

Malgré ces belles évolutions, il y a tout de même des gâchis et des gros. En fait, le problème ce ne sont pas les personnages, mais Goku. Si certains personnages comme Gohan, sont gâchés via le biais d’un mauvais choix scénaristique. D’autres sont gâchés, car ils ne peuvent malheureusement rien faire. Goku a une marge de progression quasi illimitée contrairement à ses camarades.

Alors ces derniers ne sont pas inutiles loin de là, mais c’est dommage de ne pas les voir plus évoluer en termes de puissance. Je ne dis pas qu’il devrait atteindre ou talonner Goku comme le ferait Vegeta, mais d’être un peu moins loin derrière.

Mon plus gros regret reste Gohan, en le découvrant dans Dragon Ball Z, je m’attendais vraiment à le voir dépasser son père par la suite. Ce n’est malheureusement pas le cas et le sort qui lui est réservé dans Super, n’est pas très beau à voir. Cependant, ce revirement est expliqué dans l’animé et il est très plausible. Cela reste tout de même assez déceptif…

Cependant, il revient sur le devant de la scène dans le film Dragon Ball Super : Super Hero. Il est vraiment badass dans le long-métrage de Toei Animation et cela fait plaisir de voir un Gohan en forme et surtout en Gohan Beast. Je tiens à préciser que je base mon avis sur l’anime et seulement l’anime. Je ne sais pas ce qu’il se passe par la suite et je le découvrirai quand celle-ci sortira.

Des morts sans réel impact

C’est pour moi le gros point faible de l’anime, les morts ne sont pas de gros impacts émotionnels. En fait, avec les Dragon Ball, ils peuvent faire revenir une personne à la vie, une seule fois. Cependant, il trouve toujours un moyen de faire revenir les morts et c’est assez prévisible en réalité. On sait très bien que les personnages reviendront, peu importe l’arc où ils décèdent.

Alors le problème, c’est que ces personnages desservent le bien de l’histoire dans le futur donc compliqué de les faire partir. Cependant, ce choix scénaristique enlève beaucoup de moments avec un impact émotionnel. On voit des personnages mourir, mais sans être triste, car on sait qu’ils finiront par revenir tôt ou tard. C’est assez dommage et c’est ma plus grosse déception dans cet anime.

En revanche, je dois tout de même souligner que Dragon Ball, nous réserve un tas d’émotions avec des scènes vraiment touchantes. Je pense notamment à la relation entre Goku et Vegeta. Ou encore celles qu’ils entretiennent avec leurs enfants. Beaucoup de discours dans l’anime sont de beaux concepts et de belles visions que nous devrions prendre en compte.

Une bande son incroyable

C’est un point qu’on ne peut pas oublier, la bande son et le sound design sont vraiment incroyables. On va commencer par les openings, celui de Dragon Ball et le premier de Dragon Ball Z sont devenu tellement mythique que je les connaissais déjà avant même de les regarder. Les autres sont un peu moins bien, mais se laissent écouter. Je pense que ce sont les deux premiers qui ont forgé la base de fan devant leur téléviseur dans les années 90 2000, c’est ainsi qu’ils sont rentrés dans la légende !

L’OST de la saga n’est pas en reste. Je suis un grand fan d’Original SoundTrack, pour moi s’il n’y a pas de bons morceaux composés pour un film, une série, un jeu, etc. Cela n’aura pas autant d’impact !

Nombre de sagas ont leurs classiques musicaux, la marche impériale, la scène des portails, le retour des Autobots pour la bataille de Chicago, la charge des Rohirrim aux champs du Pelennor et j’en passe. Dragon Ball à ses classiques en termes d’OST lui aussi. La musique est vraiment incroyable et l’on peut remercier Chiho Kiyooka, Shunsuke Kikuchi ou encore Norihito Sumitomo, des compositrices et compositeurs de renom.

Parmi les scènes les plus marquantes musicalement parlant, on peut retenir hormis les deux openings cités plus haut. Attention au spoil ! Le combat contre Freezer quand ce dernier fait exploser la planète Namek. Il y a une scène légendaire que beaucoup de gens connaissent sans même avoir regardé l’anime. COMMENT OSES-TU FRAPPER MA BULMA ?! Cette scène est mythique et la musique qui l’accompagne l’est tout autant.

Enfin, pour citer un dernier moment, même si beaucoup devraient être notés, je vais parler du film Broly, une nouvelle fois. Oui, l’animation m’a mis une claque, mais l’OST aussi ! La scène du combat final est accompagnée d’une musique complètement épique. Une composition qui sublime la scène, le combat et l’animation, un chef d’œuvre.

Les messages de Toriyama

À travers son œuvre qui a marqué plus d’une génération, Akira Toriyama nous parle et nous adresse plusieurs messages. En regardant attentivement, j’ai remarqué trois thèmes qui revenaient assez souvent, la rigueur, la vulnérabilité et le pardon.

Malgré la puissance de certains personnages, on les sent tout de même vulnérables. Notamment Goku qui est en quête pour devenir l’être le plus puissant de l’univers, lorsqu’il se retrouve face à plus puissant que lui. On le voit alors vulnérable comme un enfant, c’est ce que je trouve touchant chez ce personnage. Malgré le fait qu’il soit très fort et qu’il soit devenu père et grand-père, il garde une grande part enfantine en lui. 

Cette vulnérabilité s’accompagne de la rigueur, car si Goku est vulnérable, c’est qu’il n’est pas assez fort. Il doit donc s’entraîner et redoubler d’efforts pour devenir sans cesse meilleur. Ne jamais abandonner, ne jamais baisser les bras, toujours croire en soi et en ses capacités. C’est ce qu’essaie de nous faire comprendre Akira Toriyama. Goku finit toujours par se relever, il a soif de combat et est toujours prêt à relever des défis.

Enfin, le pardon occupe une place centrale dans la saga, et j’ai trouvé cela très intéressant. Souvent, dans les histoires, les groupes de héros se forment naturellement entre « gentils », et bien qu’il puisse y avoir des querelles entre eux, ils ne sont pas ennemis à l’origine. Dans Dragon Ball, c’est différent. Goku n’a au départ que des ennemis : Bulma fait équipe avec lui, mais elle se sert de lui pour récupérer les Dragon Balls. Yamcha, Ten Shin Han, Piccolo, Vegeta, tous sont à la base des adversaires de Goku.

Ce dernier finit par les affronter, les vaincre, puis leur tendre la main. Ces ennemis deviennent alors des alliés. C’est l’un des plus beaux messages de la saga : Goku tend souvent la main, quitte à parfois se prendre des coups dans le dos. C’est une belle leçon que le créateur de Dragon Ball nous fait passer, car, en fin de compte, Goku a le cœur pur. Il n’est ni rongé par les remords, ni par la haine, et il n’est pas dans le déni de ses émotions. Il accorde son pardon, même si certaines choses semblent impardonnables.

Dragon Ball est une sacrée claque, en trois semaines, j’ai rattrapé quarante ans de créations. Une saga transgénérationnelle qui a su marquer petits et grands. Des enfants qui ont grandi avec les héros de Toriyama, ce qui fait de son œuvre, une saga légendaire. Malgré des débuts compliqués, j’ai fini par adorer Dragon Ball ! Je me suis penché seulement sur les univers canons, si l’article vous plaît je pourrais pencher plus tard sur les univers non canon et surtout sur le jeu vidéo. Dragon Ball a eu un énorme impact dans l’univers du jeu vidéo depuis ses débuts dans les années 80 à nos jours, il y a de quoi dire !

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Un film devenu pilier de l’univers post-apocalyptique

Gerry Lane (interprété par Brad Pitt), ancien enquêteur, se retrouve pris au piège avec sa famille dans le centre-ville de New York. La ville voit un virus s’étendre, contaminant toute la population sur son passage. Les tensions montent et les infectés deviennent violents. Tout le monde cherche à s’approvisionner et les magasins subissent de nombreux dégâts. Gerry reçoit un appel : un ancien collègue souhaite les rapatrier, lui et sa famille. Cherchant un refuge dans un immeuble, ils tombent nez-à-nez avec une autre famille. Ces derniers les accueillent, mais ne souhaitent pas prendre part au périple. Le lendemain, l’hélicoptère les embarque. Malheureusement, la famille restée sur place est attaquée par une horde de morts-vivants et seul le petit garçon en réchappe.

Tout le petit monde se réfugie sur un porte-avions militaire de l’ONU, entouré d’autres familles de militaires. Mais leur refuge n’est pas éternel : si Gerry ne part pas au combat, lui, sa femme et ses enfants seront redirigés vers les États-Unis, au milieu de l’épidémie. Ici, tout le monde doit avoir une utilité. Contraint, Gerry repart en mission afin de découvrir l’origine du virus. Les morts-vivants sont désormais qualifiés de “zombies”. L’enquêteur entretient un long et difficile périple dans différentes nations : Corée du Sud, Jérusalem et Pays de Galles. La dernière destination est décisive puisqu’elle abrite le laboratoire de l’OMS. Les chercheurs se mobilisent et Gerry comprend dès lors comment remédier à cette contagion.

En observant chaque vague d’épidémie, il remarque que les infectés ne s’attaquent pas aux personnes gravement malades. Leur faiblesse est en réalité celle des Hommes : la peur de la mort. En contaminant toute la population d’une grave maladie, il est possible de gagner du temps et d’envoyer plus de troupes militaires. Mais un problème persiste : tous les échantillons de maladies mortelles se trouvent dans une aile complètement infectée du laboratoire. Accompagné d’un chercheur et d’une militaire, il se rend au laboratoire et teste sa théorie. Il s’injecte une maladie et revient avec le reste des flacons. Sur le chemin, les zombies l’ignorent et ne cherchent même pas à s’approcher de lui. C’est une première victoire. Une bataille a été gagnée, mais pas la guerre.

Un film tragique mais révolutionnaire

Côté casting, on nous propose du lourd. Brad Pitt en tant qu’acteur principal, accompagné de Mireille Enos et Daniella Kertesz, Marc Forster a signé des grosses têtes. L’acteur français Grégory Fitoussi obtient également son rôle, après sa prestation dans la série Engrenages (2005). Contrairement à ce qui est dit dans le film, toutes les scènes à Jérusalem ont, en réalité, été tournées à Malte en juillet 2011. Certaines scènes ont même été filmées en octobre 2011 en Hongrie.

Côté musique, le groupe de rock-alternatif Muse a annoncé sur sa chaîne YouTube officielle avoir contribué aux musiques du film. En effet, le groupe est l’auteur de deux titres : Follow Me et Isolated System, issues de leur album The 2nd Law. La musique du film a, quant à elle, été composée par Marco Beltrami, célèbre compositeur de bande originale.

L’accueil a été plutôt favorable même si certaines critiques ont fusé. Certains pensent que le film a tout d’un blockbuster, familial et à la portée de chacun, d’autres le voient comme une vision relativement adoucie du monde post-apocalyptique. Mais, tous s’accordent à dire que les graphismes et les bandes-sons sont époustouflantes.

Un jeu de zombie ambitieux

World War Z est un jeu de tir à la troisième personne (FPS) développé par Saber Interactive et publié par Focus Home Interactive. Il est sorti en avril 2019 sur PlayStation 4, Xbox One et Microsoft Windows. Inspiré par le film de 2013, le jeu met l’accent sur la coopération multijoueur et les combats contre des hordes de zombies. Le jeu se déroule dans plusieurs pays à travers le monde, incluant New York, Jérusalem, Moscou et Tokyo. Les joueurs et les joueuses incarnent des survivants ordinaires confrontés à une apocalypse zombie. Chaque pays possède une équipe de quatre personnages différents jouables, chacun ayant sa propre histoire et ses compétences uniques.

L’objectif principal du jeu est de survivre aux multiples vagues de zombies tout en accomplissant diverses missions, telles que protéger des civils, sécuriser des zones ou encore récupérer des ressources. Le jeu se distingue par ses mécaniques de gameplay coopératifs, où les joueurs/joueuses doivent travailler ensemble pour réussir. Les zombies du jeu sont particulièrement redoutables car connus pour leur capacité à former des « pyramides/amas » afin de grimper sur des obstacles, caractéristique notable dans le film. Pour y parvenir, les survivants ont différents matériels de défense à disposition, comme des grillages électriques ou des tourelles automatiques.

Les joueurs ou joueuses peuvent choisir parmi huit classes de personnages : Fantassin, Artificier, Infirmier, Agent D’appui, Surineur, Exterminateur, Dronemaster et Vanguard. Chaque classe possède des armes et des compétences spécifiques, ce qui permet une personnalisation de l’arme et des stratégies variées. Le jeu propose également un système de progression où les joueurs peuvent améliorer leurs armes et compétences au fil du temps.

Un jeu excellent malgré quelques incohérences

En plus des campagnes coopératives, World War Z inclut plusieurs modes de jeu compétitifs, où les équipes de joueurs et/ou joueuses s’affrontent tout en faisant face à des attaques de zombies. Ces modes ajoutent une dimension supplémentaire de défi.

Le jeu a été bien accueilli pour ses séquences d’action intenses, son gameplay coopératif engageant et ses hordes de zombies impressionnants. Bien qu’il ne suive pas strictement l’intrigue du film ou du livre, par exemple les musiques du jeu ne sont pas du tout les mêmes que dans le film, le jeu reste néanmoins une aventure à la hauteur de ses ambitions. Les réalisateurs du jeu n’ont pas refait appel au compositeur Marco Beltrami ou au groupe Muse pour faire la bande son. Malgré tout, World War Z réussit à capturer la nature de la lutte pour la survie dans un monde envahi par les morts-vivants.

Un jeu pas forcément représentatif du film 

Dans le film, ceux qui deviennent violents et s’attaquent aux autres humains ne sont pas réellement morts, contrairement au jeu où ils sont représentés comme des zombies ou des morts-vivants. Avec ces éléments, on aurait pu imaginer une autre boucle de gameplay, qui aurait mieux représenté le film, notamment en intégrant le concept de « maladie » lié à l’infection. Par ailleurs, il y a un zombie spécial dans le jeu appelé “l’infecté” pouvant envoyer un crachat du virus sur les joueurs. Ce dernier nous infecte et nous fera se transformer en zombie si on ne se décontamine pas rapidement.

Certains lieux présents dans le film, comme Jérusalem ou New York, se retrouvent dans le jeu. Par exemple, le premier chapitre du jeu, se déroulant à New York, ne suit pas le même déroulement que le film. Dans le jeu, la première mission, « Descente », a pour objectif de descendre d’un immeuble pour se réfugier dans le métro et fuir la ville. À l’inverse, dans le film, la première scène d’action montre Brad Pitt et sa famille montant un immeuble pour s’échapper en hélicoptère, illustrant une opposition totale entre les deux œuvres.

À l’inverse, certaines scènes ne sont pas présents dans le jeu, comme la scène de ravitaillement en Corée du Sud, où un communiqué mentionnant le mot « zombie » avait été écrit. En revanche, à la fin du film, on voit diverses méthodes pour tuer les zombies, comme une scène dans un stade de football où des appâts sonores les attirent pour être bombardés par des avions. Bien que ces scènes de fin n’aient pas un impact majeur sur le film, elles auraient pu être utilisées dans le jeu pour enrichir l’histoire, même avec des modifications nécessaires pour garantir une expérience de jeu durable et plus représentative du film.

On remarque également que les développeurs n’ont pas intégré de personnages du film dans le jeu, ce qui aurait pu attirer davantage de joueurs et de joueuses. Bien que l’inclusion du personnage de Brad Pitt aurait été complexe, d’autres personnages ayant eu un impact dans le film auraient pu être ajoutés pour enrichir l’expérience de jeu. Je pense notamment à un personnage que j’ai beaucoup apprécié, la militaire accompagnant Gerry depuis Jérusalem. D’autres personnages ont également apporté leur contribution que ce soit par leurs connaissances ou compétences, mais n’ont pas été mis en avant.

World War Z reste pour autant un jeu incroyable et je ne peux que vous le conseiller. Il est disponible sur toutes les plateformes et dispose du cross-plateforme. De quoi passer de bonnes soirées entre amis !

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Les origines de Monarch

L’histoire de Monarch : Legacy of Monsters prend place entre deux timeline. La première dans les années 50, et la deuxième en 2015, après le jour G, l’attaque de San Francisco. Nous allons suivre deux groupes de personnages dans deux époques différentes, et c’est plutôt sympa, explication.

Dans le présent, on va suivre une jeune femme d’origine asiatique, natif américaine. Cate Randa, elle se rend au Japon, pour enquêter sur la disparition de son père. Ces seules informations, un trousseau de clé et une adresse. Arrivée sur place, elle ne trouve pas un appartement vide, mais occupé par un jeune homme nommé Kentaro et sa maman. Cate découvre alors des photos de son père dans cet appartement et comprend que celui-ci menait une double vie. 

Cependant, cela ne résout pas la mystérieuse disparition de son paternel, après diverses actions dans le scénario , les deux jeunes gens vont comprendre que leur père faisait des recherches sur les MUTO et étaient en étroit lien avec Monarch. 

Dans les années 70, nous allons suivre, Keiko, une scientifique japonaise, qui après qu’un avion de reconnaissance ait détecté des radioisotope au-dessus de la mer des Philippines, partent enquêter sur le phénomène. Les radioisotopes sont un composant de la bombe nucléaire. Elle sera escortée par le lieutenant Lee Shaw. Durant leur exploration à Manille, ils feront la rencontre de Bill Randa, un cryptozoologiste. Il est sur place pour étudier les animaux imaginaires. Très vite, ils feront une rencontre qui va changer leurs visions de la vie sur terre. Ensemble et avec le soutien financier de l’armée, ils créeront Monarch, une organisation secrète qui cherche à tuer les MUTO (lors de leur création).

Suivre ces deux timelines est un grand plus pour la série, cette manière d’amener le scénario permet de ne pas avoir de lenteur dans celui-ci. Effectivement, on est sans cesse en train d’apprendre de nouvelles choses que ce soit dans le passé ou dans le présent. À chaque fois qu’un temps fort arrive dans une des deux timelines on switch sur l’autre. Sur une séquence moins forte qui fait redescendre un peu la tension, mais elle remonte directement et on switch une nouvelle fois sur une autre timeline. 

Un monde cohérent

Ce qui est très appréciable dans Monarch, c’est que nous avons à faire à un monde cohérent. Le scénario se passe après la première bataille contre Godzilla et les deux MUTO à San Francisco. Un an après, précisément, on voit que cet événement à ravager la ville et à toucher la population. Déjà, la ville n’est pas reconstruite, très honnêtement, ils n’étaient pas obligés de laisser ce genre de détail. Il aurait très bien pu dire qu‘ils avaient tout reconstruit même si c’était un peu gros. Ils ont préféré partir sur quelque chose de plus cohérent, et ce n’est pas pour nous déplaire. 

Ici, on retrouve un San Francisco, complètement détruit, le pont est toujours coupé en deux. Le centre-ville est totalement en ruine et est divisé en deux parties, la zone de reconstruction et la zone rouge. Dans la zone de reconstruction, des employés s’affairent à déblayer les décombres et reconstruire ce qui peut l’être. Quant à la zone rouge, elle est interdite au public et est contrôlée par l’armée. 

On peut voir aussi que la population a été relogée dans des quartiers défavorisés et que les gens vivent quasiment entassés les uns sur les autres. On peut aussi remarquer sur les murs et les affiches publicitaires de la ville, des centaines voire des milliers d’avis de recherche. Un an après, certaines personnes n’ont toujours pas été retrouvées. Cette scène on l’on découvre ce San Francisco sens dessus dessous m’a beaucoup fait penser à la scène d’Avengers Endgame, on l’on découvre le monde avec le claquement de doigt de Thanos. 

Il y a même des théories du complot ! Par exemple, au Japon, la population est persuadée que les images de l’attaque sont fausses et que ce sont des images de synthèse. J’ai trouvé cela très marrant, car c’est clairement le genre de conversation qu’on pourrait entendre dans la vie réelle si un tel événement se produisait. 

Un casting qui fonctionne

Dans Monarch : Legacy of Monsters on retrouve un super casting. Cate Randa est interprétée par Anna Sawai, une actrice et chanteuse néo-zélandaise que l’on a pu voir dans Fast & Furious 9. Son demi-frère Kentaro est campé par Ren Watabe qui joue dans sa première grosse production et c’est une excellente découverte. 

On retrouve aussi Mari Yamamoto dans le rôle de Keiko, j’ai trouvé le personnage et l’actrice vraiment convaincants. Bill Randa est interprété par Anders Holm, qui a joué dans plusieurs comédies américaines comme Nos pire voisins 2, enfin Lee est campé par l’excellent Wyatt Russell que l’on a pu voir dans plusieurs productions américaines et notamment la série Falcon et le Soldat de l’hiver.

On retrouve aussi le père de Wyatt, Kurt Russell (The Thing), Kiersey Clemons (The Flash), Elisa Lasowski (Versailles) et enfin Joe Tippett (Waitress : The Musical).

Des visuels toujours aussi bluffant

C’est un des énormes points forts du Monsterverse, on peut dire ce que l’on veut des films bourrés de CGI. Visuellement, les productions sont bluffantes, les combats sont incroyables et les réalisateurs arrivent bien à retransmettre l’immensité des MUTO. La série ne déroge pas à la règle et on a eu le droit à des plans vraiment magnifique. 

Je pense notamment au moment où Godzilla arrive dans l’atoll de Bikini. Ce sont les îles où ont été effectués les premiers essais nucléaires. Et encore une fois, on retrouve, un scénario qui tente d’expliquer des événements de la vie réelle dans son scénario (coucou The Lazarus Project). Dans cette scène, on voit Godzilla sortir de l’eau, on le voit sortir petit à petit et la caméra passe entre ses écailles, c’est vraiment impressionnant. 

On aura le droit de voir d’autres MUTO dans la série que nous n’avons encore jamais vu dans le Monsterverse, là aussi leur design est vraiment réussi et à l’écran, ils sont bluffant de réalisme. 

De plus on voyage beaucoup dans cette série, alors on peut voir plusieurs plans au Japon qui font écho forcément aux origines de cet univers. Mais on a aussi pu voyager à Hawaï pour le prologue et une bonne partie des scènes tournés dans les années 50. Les Philippines ont aussi été un lieu de tournage notamment pour la scène où l’armée découvre Godzilla pour la première fois. 

Pour conclure, une grande partie de la série a été tournée en Colombie-Britannique. La diversité des paysages a pu servir de doublage pour les scènes en Alaska et au Kazakhstan.

Le futur du Monsterverse

Pour ce qui est de la suite des aventures de Godzilla et des autres MUTO, nous aurons probablement droit à une suite pour la série Monarch : Legacy of Monsters. Le producteur Chris Black s’est confié sur le sujet : 

« Nous n’avons pas encore de commande pour la saison 2. Maintenant, je sais que la saison 1 a très bien fonctionné. Donc nous sommes optimistes et enthousiastes. Nous pensons que nous avons plus d’histoire à raconter. »

Ils pourraient totalement faire une saison 2 après les événements de King of the Monster et partir à la recherche des différents Kaijus éparpillées à travers le monde. En-tout-cas pour cette année 2024, nous pourrons visionner un nouveau film, Godzilla x Kong: The New Empire, qui sortira en France le 10 avril prochain.

Pari réussi pour Chris Black et son équipe, la série Monarch est un succès. La préparation d’une deuxième saison n’est pas encore lancée. Il se pourrait qu’elle voie le jour, cependant le développement d’une série de science-fiction telle que Monarch demande beaucoup de moyens financiers. Pour le moment, la saison est disponible sur l’Apple TV. 

L’article Monarch : Une réussite pour la première série du Monsterverse est apparu en premier sur LaRevueD'Geek.

Voyage dans le temps et fin du monde 

Comme dit dans le chapô les deux thèmes principaux sont la fin du monde et le voyage dans le temps. Pour faire une analyse complète de cette série, je vais devoir spoiler une partie du scénario. 

Dans The Lazarus Project on suit George incarné par Paapa Essiedu. George est un jeune britannique, il vit avec sa femme, on le retrouve un matin, un grand jour pour lui. Il a rendez-vous à la banque afin de débloquer un prêt pour développer son application. Il réussit son entretien, et développe ainsi son entreprise. Les mois passent, il demande sa femme en mariage, quelques mois plus tard cette dernière tombe enceinte. On suit pour le moment la vie d’une personne lambda, on se projette facilement dans sa vie.

Durant tout ce temps, on peut voir où entendre aux informations l’arrivée d’un nouveau virus, ce qui au début est une information dérisoire, devient quelque chose de bien plus grave et effrayant. En même temps que la vie de George évolue, le virus évolue lui aussi et devient même plus mortel que le Covid 19. Sa femme finit par attraper le virus, c’est de plus en plus compliqué et avant l’instant fatal. George se réveille, ce fameux matin où il a rendez-vous à la banque. 

George va alors vivre ces quelques mois en boucles, jusqu’à ce qu’il soit contacté par Archie, incarné par Anjli Mohindra. Cette femme, arrive elle aussi à voyager dans le temps et va lui présenter le fameux projet Lazare. Une organisation secrète qui lutte contre la fin du monde grâce aux voyages dans le temps. Ils ont développé un sérum qui permet de voyager à travers le temps, toutes les personnes travaillant pour l’organisation ont bénéficié de ce sérum sauf certains. Appelés mutant, ils ont développé ce don tout seul, à l’instar de George. Certains ont réussi à le développer plus tôt que d’autres, mais à chaque fois, ils ont fini par être contactés par le projet Lazare. 

Des règles du temps propre à la série

Ce que j’ai beaucoup aimé c’est que la série adopte ses propres règles par rapport au voyage dans le temps. En plus de cela, The Lazarus Project explique certains phénomènes de notre monde grâce à cette organisation. 

Pour commencer, ici, on ne voyage pas dans le temps comme on le pourrait voir dans d’autres films ou séries. Ici, l’organisation possède une machine qui permet de faire une sauvegarde du monde dans lequel nous vivons. Chaque premier juillet, une sauvegarde à lieu, s’il y a un problème dans le monde qui n’est pas réglé avant cette date, alors on revient au premier juillet de l’année précédente. C’est plus un retour dans le temps qu’un réel voyage dans le temps, on ne voyagera pas dans les années 80, au moyen age ou même encore plus loin comme le font d’autres médiums. 

Ce qui est intéressant dans cette série, c’est que certains événements de notre monde sont expliqués à travers celle-ci. Différents conflits géopolitiques arrivés des années auparavant par exemple. Pour reprendre un exemple, plus récent et qui parlera sûrement à tout le monde, nous allons parler de ce fameux COVID 19. La première fois que George remonte le temps, c’est à cause d’un virus mortel. Plus tard, il se posera la question alors si l’organisation avait aidé lors de la période sanitaire de l’année 2019 car il y avait eu beaucoup de décès. Les têtes pensantes lui répondent alors : comment tu penses que les scientifiques ont trouvé un vaccin en quelques mois. C’est une des raisons qui avait lancé beaucoup de théories du complot qui est ainsi expliqué ici via le Lazarus Project. 

J’adore quand un film ou une série explique des événements de la vie réel pour y incorporer leurs scénarios. On peut citer beaucoup d’exemples à travers divers films ou séries, mais le premier qui me vient en tête est celui de Transformers 3 : La face cachée de la lune. Dans ce film, on nous explique que la conquête spatiale a été lancée, car les grandes organisations de notre monde avaient été mises au courant qu’un objet avait percuté la lune. Je trouve ça intéressant de mêler un événement réel à un scénario fictif. C’est une manière intelligente de renforcer le scénario. 

Ce n’est pas tout, il y aussi un moment que j’ai apprécié, dans un épisode de la série, on revient quelques années en arrière. On suit alors Archi et un autre membre de l’organisation qui tente d’empêcher un conflit militaire qui mènera alors à la fin du monde. Pendant ce temps, George, qui n’est pas encore au courant de ces pouvoirs, est à une soirée, celle où il rencontrera sa femme. Cependant, la résolution du conflit prend plusieurs timelaps. C’est la terre entière qui reset à chaque premier juillet si l’organisation le décide. 

Seules les personnes possédant le pouvoir se souviennent de ce qu’il s’est passé dans les timelaps précédentes. Cependant, les autres humains revivent aussi les événements sans le savoir. Mais à chaque fois, voyage dans le temps oblige, il y a des changements à chaque fois. Ce qui intéressant dans cet épisode, c’est que la série explique un phénomène que nous avons tous déjà vécu, les fameuses impressions de déjà vu. C’est une toute petite chose dans ce scénario, mais j’ai trouvé cela intéressant d’avoir pensé à cela. 

Un scénario bien ficelé

Le gros point fort de The Lazarus Project c’est son scénario. Ici, George tente par tous les moyens de sauver les gens qu’il aime au détriment de la mort de milliers de personnes parfois. Au fur et à mesure de la première saison, on va donc le suivre et s’enfoncer de plus en plus loin dans les problèmes. On pourrait comparer cela à certains films comiques ou le personnage principal s’enfonce toujours de plus en plus. Sauf qu’ici ce ne sont pas des futilités, mais des intérêts mondiaux. C’est ainsi que la série nous happe, on a envie de savoir comme il va se sortir de chaque situation. 

On peut aussi parler des personnages tous sont travaillés notamment le héros principal qui même s’il comprend les enjeux qui se jouent. Il ne peut s’empêcher d’être égoïste et de sauver les siens, mais qui serait prêt à sacrifier les gens qu’il aime pour sauver le plus grand nombre ? Il y aussi Rebrov, un de mes personnages préférés qui, ici, est l’antagoniste principal de la série, incarné par Tom Burke. Je ne vais pas plus vous spoiler, mais le personnage est tiraillé lui aussi entre le bien et le mal. Malgré tout le bien qu’il a réussi à faire, les différentes timelaps finiront par le plonger dans le côté obscur. 

Une saison 3 ?

La saison étant finie, je vous ferai une analyse de celle-ci très prochainement. Une question reste en suspens pour le moment. Il, y aura-t-il une saison 3 ? Pour répondre à cette question, Paapa Essiedu s’est confié à Radio Times, un magazine culturel britannique. Il a déclaré que la fin de la deuxième saison « invite l’histoire à continuer ». Il a ensuite ajouté : 

« Le voyage que nous entreprenons dans la deuxième série est tout aussi sauvage, inattendu et sinueux que la première série, sinon plus. J’ai hâte de voir comment les gens réagiront en voyant ce huitième épisode. »

Je vous conseille très honnêtement si vous aimez la science-fiction, de plonger dans The Lazarus Project. Cette série britannique possède de multiples qualités et la deuxième saison est sortie l’année dernière. La série est disponible sur OCS, qu’il est possible d’avoir via Canal +. La saison 2 est finie, mais en France, elle n’est disponible que jusqu’à l’épisode 4. 

L’article The Lazarus Project : Peut-on sacrifier les siens pour sauver le plus grand nombre ? est apparu en premier sur LaRevueD'Geek.

Bad Boys 4

Nous n’avons encore aucune information au sujet du film, mis à part une sortie potentiel pour juin 2024. La bande-annonce n’est pas encore sortie.

Genre : Action

Réalisateur : Adil El Arbi et Bilall Fallah

Date de sortie : 12 juin 2024

Blue Giant

Dai Miyamoto est en terminale. Il fait partie de l’équipe de basket, travaille à mi-temps dans une station service, et vit seul avec son père et sa petite soeur. Surtout, il s’est pris de passion pour le jazz depuis le collège. À tel point qu’il joue tous les jours sur les berges de la rivière, peu importe les conditions météo.

Qu’il pleuve, qu’il vente ou que la canicule soit au rendez-vous, il joue. Il veut être un géant du jazz et reste persuadé qu’il peut y arriver. Seulement, pour cela, il va devoir se confronter à la réalité : entre les explications aux amis, les premières représentations chaotiques et les rencontres diverses, la détermination de Dai va être mise à rude épreuve…

Genre : Animation, musique

Réalisateur : Yuzuru Tachikawa

Date de sortie : 6 mars 2024

Borderlands

L’adaptation du jeu vidéo Borderlands, soit ça passe, soit ça casse. Sorti en 2009 et développé par le studio texan Gearbox, Borderlands était un jeu mélangeant le jeu de rôle et tir à la première personne, dans lequel quatre aventuriers badass et charismatiques se lançaient à la recherche d’une fameuse Arche sur une planète du nom de Pandore, supposée renfermer tous les trésors de l’univers. Nous n’avons pas encore de bande-annonce pour le moment.

Genre : Science-fiction

Réalisateur : Eli Roth

Date de sortie : 7 août 2024

Civil War

Dans un futur proche où les États-Unis sont au bord de l’effondrement et où des journalistes embarqués courent pour raconter la plus grande histoire de leur vie : La fin de l’Amérique telle que nous la connaissons.

Genre : Action, Science-fiction

Réalisateur : Alex Garland

Date de sortie : 24 avril 2024

Dans la forêt sombre et mystérieuse

Angelo, jeune apprenti aventurier féru de zoologie, prend la route en famille pour rendre visite à sa mémé géniale qui est très malade. Mais sur l’aire d’autoroute où ils s’arrêtent, ses parents l’oublient et repartent sans lui! Terrorisé, Angelo décide de couper à travers la forêt, où il se perd tout à fait… Ses rencontres avec de fascinantes créatures — de la luciole obèse à l’ogre terrifiant — vont faire de son singulier périple une aventure fantastique.

Genre : Animation, fantastique

Réalisateur : Vincent Paronnaud et Alexis Ducord

Date de sortie : 23 octobre 2024

Deadpool 3

Deadpool 3 sera le seul film signé Marvel Studios pour cette année 2024. D’habitude nous avons le droit à au moins trois films par an, cette année sera avare avec les fans de Marvel. Cependant, même si nous n’avons encore que peu d’informations sur le film, encore une fois, pas de bande-annonce. Mais nous savons que Deadpool 3 signe le retour de Hugh Jackman dans la peau de Wolverine !

Genre : Super-héros, Science-fiction, Marvel

Réalisateur : Shawn Levy

Date de sortie : 24 juillet 2024

Dune : Deuxième Partie

Dans Dune : deuxième partie, Paul Atreides s’unit à Chani et aux Fremen pour mener la révolte contre ceux qui ont anéanti sa famille. Hanté par de sombres prémonitions, il se trouve confronté au plus grand des dilemmes : choisir entre l’amour de sa vie et le destin de l’univers.

Genre : Science-fiction

Réalisateur : Denis Villeneuve

Date de sortie : 28 février 2024

Furiosa

Alors que le monde s’écroule, la jeune Furiosa tombe entre les mains d’une horde de motards dirigée par le seigneur de la guerre Dementus. En traversant le Wasteland, ils tombent sur la Citadelle présidée par l’Immortan Joe. Alors que les deux tyrans se battent pour la domination, Furiosa doit survivre à de nombreuses épreuves pour trouver le moyen de rentrer chez elle.

Genre : Science-fiction

Réalisateur : George Miller

Date de sortie : 22 mai 2024

Garfield : Héros malgré lui

Garfield, le célèbre chat d’intérieur, amateur de lasagnes et qui déteste les lundis, est sur le point d’être embarqué dans une folle aventure ! Après avoir retrouvé son père disparu, Vic, un chat des rues mal peigné, Garfield et son ami le chien Odie sont forcés de quitter leur vie faite de confort pour aider Vic à accomplir un cambriolage aussi risqué qu’hilarant.

Genre : Animation, comédie

Réalisateur : Mark Dindal

Date de sortie : 17 juillet 2024

Gladiator 2

L’histoire de Lucius, le fils de Lucilla (Connie Nielsen dans Gladiator) et neveu de Commode (Joaquin Phoenix). Lucius est très admiratif du parcours de Maximus et devrait suivre ses traces.

Genre : Action

Réalisateur : Ridley Scott

Date de sortie : 20 novembre 2024

Godzilla x Kong : Le Nouvel Empire

La suite direct de Godzilla VS Kong sorti en 2021, l’univers du Monsterverse s’agrandit de nouveau.

Genre : Science-fiction

Réalisateur : Adam Wingard

Date de sortie : 3 avril 2024

Horrorscope

Après avoir lu leur horoscope, un groupe d’étudiants commencent à mourir les uns après les autres. Peuvent-ils modifier ce qu’ont prédit les astres ?

Genre : Épouvante, Horreur

Réalisateur : Anna Halberg et Spenser Cohen

Date de sortie : 8 mai 2024

Imaginary

Lorsque Jessica retourne dans sa maison d’enfance avec sa famille, sa plus jeune belle-fille Alice développe un attachement étrange pour un ours en peluche qu’elle a trouvé dans le sous-sol et nommé Chauncey. Tout commence par des jeux innocents, mais le comportement d’Alice devient de plus en plus inquiétant. Jessica comprend alors que Chauncey est bien plus qu’un simple jouet…

Genre : Épouvante, Horreur

Réalisateur : Jeff Wadlow

Date de sortie : 6 mars 2024

Joker : Folie à Deux

La suite directe du film Joker sortie en 2019. Cette fois, on retrouvera l’ennemi juré de Batman avec sa charmante compagne, Harley Queen.

Genre : Action, DC

Réalisateur : Todd Phillips

Date de sortie : 2 octobre 2024

Kraven le Chasseur

Genre : Action, Fantastique, Marvel

Réalisateur : J.C. Chandor

Date de sortie : 28 août 2024

Krisha et le Maître de la forêt

Genre : Aventure, animation

Réalisateur : Jaebeom Park

Date de sortie : 17 janvier 2024

La Planète des Singes : Nouveau Royaume

Plusieurs générations après le règne de César, les singes ont définitivement pris le pouvoir. Les humains, quant à eux, ont régressé à l’état sauvage et vivent en retrait. Alors qu’un nouveau chef tyrannique construit peu à peu son empire, un jeune singe entreprend un périlleux voyage qui l’amènera à questionner tout ce qu’il sait du passé et à faire des choix qui définiront l’avenir des singes et des humains…

Genre : Science-fiction, action 

Réalisateur : Wes Ball

Date de sortie : 22 mai 2024

Largo Winch : Le prix de l’argent

Dévasté par le récent enlèvement de son fils de 15 ans, Largo Winch assiste, impuissant, au suicide de son partenaire commercial lors d’une conférence de presse en direct. Alors que tout se retourne contre lui, que son empire commercial commence à s’effondrer, il découvre que les deux événements sont peut-être liés : s’il retrouve les criminels responsables, il reverra peut-être son fils. Du Canada à la Birmanie en passant par Bangkok… Largo ne sait pas encore que sa quête le mènera droit en enfer…

Genre : Action

Réalisateur : Olivier Masset-Depasse

Date de sortie : 7 août 2024

Léo, la fabuleuse histoire de Léonard de Vinci

Genre : Animation

Réalisateur : Jim Capobianco et Pierre-Luc Granjon

Date de sortie : 31 janvier 2024

Le royaume de Kensuke

L’incroyable histoire de Michael, 11 ans, parti faire un tour du monde à la voile avec ses parents, avant qu’une terrible tempête ne le propulse par-dessus bord avec sa chienne Stella. Échoués sur une île déserte, comment survivre ? Un mystérieux inconnu vient alors à leur secours en leur offrant à boire et à manger. C’est Kensuké, un ancien soldat japonais vivant seul sur l’île avec ses amis les orangs-outans depuis la guerre. Il ouvre à Michael les portes de son royaume et lorsque des trafiquants de singes tentent d’envahir l’île, c’est ensemble qu’ils uniront leurs forces pour sauver ce paradis…

Genre : Animation, aventure

Réalisateur : Neil Boyle, Kirk Hendry

Date de sortie : 7 février 2024

Le royaume des abysses

Shenxiu, une fillette de 10 ans, est aspirée dans les profondeurs marines durant une croisière familiale. Elle découvre l’univers fantastique des abysses, un monde inconnu peuplé d’incroyables créatures. Dans ce lieu mystérieux émerge le Restaurant des abysses, dirigé par l’emblématique Capitaine Nanhe. Poursuivis par le Fantôme Rouge, leur route sera semée d’épreuves et de nombreux secrets. Leur odyssée sous-marine ne fait que commencer.

Genre : Animation, aventure, fantastique

Réalisateur : Tian Xiaopeng

Date de sortie : 21 février 2024

Les derniers hommes

9 mars 1945. L’armée japonaise lance un assaut foudroyant contre les troupes françaises en Indochine. Traquée par l’ennemi, une colonne de légionnaires déjà affaiblis s’élance au cœur de la jungle pour rallier les bases alliées à plus de 300 km.

Genre : Historique

Réalisateur : David Oelhoffen

Date de sortie : 21 février 2024

Madame Web

Cassandra Web est une ambulancière de Manhattan qui serait capable de voir dans le futur. Forcée de faire face à des révélations sur son passé, elle noue une relation avec trois jeunes femmes destinées à un avenir hors du commun… si toutefois elles parviennent à survivre à un présent mortel.

Genre : Science-fiction, Marvel, fantastique

Réalisateur : S.J. Clarkson

Date de sortie : 14 février 2024

Moi, moche et méchant 4

Le quatrième volet des aventures de Gru.

Genre : Animation, aventure

Réalisateur : Chris Renaud, Patrick Delage

Date de sortie : 3 juillet 2024

Monolith

Genre : Science-fiction

Réalisateur : Matthew Vesely

Date de sortie : 17 juillet 2024

Mufasa : Le Roi Lion

Mufasa: le roi lion se présentera sous forme de flashbacks. Rafiki, Timon et Pumbaa raconteront à un jeune lionceau l’histoire et l’ascension d’un des plus grands rois que la Terre des Lions n’ait jamais portés.

Genre : Animation, aventure

Réalisateur : Barry Jenkins

Date de sortie : 18 décembre 2024

Genre : Action, animation

Réalisateur : Kazuyoshi Takeuchi

Date de sortie : 24 janvier 2024

Rebel Moon Partie 2 : L’Entailleuse

Kora et son groupe de guerriers sont prêts à tout sacrifier pour se battre aux côtés du peuple de Veldt. Ils sont déterminés à défendre courageusement un village autrefois paisible, nouvelle patrie de ceux qui ont perdu les leurs dans la lutte contre le Monde-Mère. À la veille de la bataille, les guerriers se confrontent à la vérité de leur propre passé, chacun révélant les raisons de son ralliement à la cause. Alors que la force d’un royaume entier s’abat sur une rébellion émergente, des liens indestructibles se forgent, des héros sont révélés et des légendes naissent.

Genre : Science-fiction, fantastique, action

Réalisateur : Zack Snyder

Date de sortie : 19 avril 2024 sur Netflix

Roqya

Réalisateur : Saïd Belktibia

Date de sortie : 1 mai 2024

Sans un bruit : jour 1

Sans un bruit : jour 1 est un spin-off de la duologie de film éponyme sortie en 2018 et 2020.

Genre : Épouvante, horreur

Réalisateur : Michael Sarnoski 

Date de sortie : 26 juin 2024

Sleep

La vie d’un jeune couple est bouleversée quand le mari devient somnambule et se transforme en quelqu’un d’autre la nuit tombée. Sa femme, submergée par la peur qu’il fasse du mal à leur nouveau-né, ne trouve alors plus le sommeil….

Genre : Épouvante, horreur

Réalisateur : Jason Yu

Date de sortie : 21 février 2024

Smile 2

Genre : Épouvante, horreur

Réalisateur : Parker Finn 

Date de sortie : 16 octobre 2024

Sonic 3

Il s’agit du troisièmes volet des aventures du hérisson bleu le plus rapide de l’univers du jeu vidéo.

Genre : Aventure, adaptation

Réalisateur : Jeff Fowler 

Date de sortie : 25 décembre 2024

Super Lion

Evie, 11 ans, n’est pas une fille ordinaire ! Elle jongle entre l’école, ses amis, et sa passion pour les jeux vidéo. Mais chut ! Elle a un incroyable secret : son papa est Super Lion, le super-héros le plus cool de l’univers… Ce sera bientôt à son tour de montrer ses pouvoirs et de plonger dans l’aventure la plus folle de sa vie. Préparez-vous, Super Evie arrive !

Genre : Animation, aventure

Réalisateur : Rasmus A. Sivertsen et Jean-Luc Julien

Date de sortie : 8 mai 2024

The Lord of the Rings : The War of the Rohirrim

Film d’animation qui se concentrera sur le puissant roi de Rohan, Helm Hammerhand, et sur une bataille légendaire qui a contribué à façonner la Terre du Milieu. L’action se déroulera environ 250 ans avant la trilogie du Seigneur des Anneaux de Peter Jackson.

Genre : Animation, fantastique

Réalisateur : Kenji Kamiyama

Date de sortie : 11 décembre 2024

Transformers One

Un prequel animé de la saga « Transformers » centré sur la planète Cybertron.

Genre : Animation, science-fiction

Réalisateur : Josh Cooley

Date de sortie : 23 octobre 2024

Vice Versa 2

Fraichement diplômée, Riley est désormais une adolescente, ce qui n’est pas sans déclencher un chamboulement majeur au sein du quartier général qui doit faire face à quelque chose d’inattendu : l’arrivée de nouvelles émotions ! Joie, Tristesse, Colère, Peur et Dégoût – qui ont longtemps fonctionné avec succès – ne savent pas trop comment réagir lorsqu’Anxiété débarque. Et il semble qu’elle ne soit pas la seule…

Genre : Animation, aventure

Réalisateur : Kelsey Mann

Date de sortie : 19 juin 2024

C’était notre liste des films les plus attendus de 2024. Dites-nous en commentaire, quel film vous attendez le plus cette année !

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Une maison vivante 

The House nous plonge dans les années 90, au sein d’une maison dans laquelle vit une famille. Les parents ont deux enfants, un garçon et une fille en bas âge. Une nuit, les enfants se réveillent et constatent que leurs parents ne sont plus là. Mais ce n’est pas tout, les fenêtres et les portes de la maison ont elles aussi disparues. La maison se transforme alors en labyrinthe cauchemardesque. 

Pour information, Kyle Edward Ball, le réalisateur, a pris le parti de ne pas filmer ses personnages. Du moins les enfants, durant tout le long-métrage, les plans de caméra seront centrés vers le sol, le plafond, les murs ou bien alors en caméra embarquée à travers les yeux des bambins. Les seuls personnages que nous apercevront sont les parents, durant la scène où ils disparaissent qui d’ailleurs est exceptionnelle mais nous en parlerons un plus tard. 

Une originalité au niveau de la réalisation, malheureusement, le film est parfois (souvent) incompréhensible.

ON COMPREND RIEN !

C’est le gros point négatif du film, autant ne pas filmer ses personnages est original, autant, on ne comprend absolument rien à ce qu’il se passe. Par exemple sur mon premier visionnage, on aperçoit à un moment une porte apparaître et disparaître avec un bruitage qui nous fait comprendre que quelque chose d’anormal se passe. Je me dis alors que le film commence, que les parents ont disparu et que la maison est en train de se transformer.

Mais il y a une chose que je ne comprends pas, cela n’inquiète pas les enfants, ils jouent aux Lego et regardent des dessins animés, en pleine nuit. Chose que je n’arrive pas à comprendre, premièrement, car si j’avais fait ça, j’aurai été privé de télé et de jouer pendant quelques jours. Et deuxièmement, si les parents ont mystérieusement disparu pourquoi cela n’inquiète pas leur progéniture. 

C’est lors de mon deuxième visionnage que j’ai compris que les parents n’avaient pas encore disparu, car j’ai vu la scène en question. Cela arrive quasiment à la moitié du film, le film met donc beaucoup de temps à se lancer. Trop, et avec le parti-pris à la réalisation cela ne colle pas. 

Une ambiance oppressante

C’est le point exceptionnel du film, son ambiance. Autant au montage que dans les décors, on plonge vraiment dans les années 90. Côté montage, du grain et de la neige ont été ajoutés à l’image, ce qui donne au film un côté ancien. Pour l’ambiance dans le film, on retrouve des vieux jouets, les dessins animés de l’époque et une décoration assez datée.

Cependant, ce n’est pas ça qui donne une ambiance oppressante et anxiogène au film. C’est d’un côté sa manière d’être tourné, mais nous y reviendront plus tard. Ce qui nous plonge vraiment dans l’ambiance, c’est que le film est tourné entièrement dans le noir. Mais le réalisateur n’utilise pas de caméra nightshot à la Paranormal Activity. Nan, ici, nous sommes plongés dans la pénombre, alors certes, ça n’aide pas à la compréhension. En revanche, c’est oppressant, on ne voit rien, des formes se dessinent dans l’obscurité. Sont elles réelles ou est ce le fruit de notre imagination. C’est un point très fort du film, car il ne nous impose pas de screamer (entre 5 et 10 à tout casser). Nan, ici, on se fait peur tout seul, on imagine, on angoisse.   

L’ambiance sonore est elle aussi au rendez-vous, et elle nous plonge, elle aussi, dans un moment oppressant. On entend des bruits, mais on ne sait pas ce que c’est, on ne voit rien, donc encore une fois, le film laisse place à notre imagination. On entend des voix, celles-ci sont assez caverneuses et paraissent venir d’outre-tombe. 

Des supers plans …

The House, est super bien filmé, le parti prit de ne pas montrer les personnages est original, certes, on ne comprend rien au scénario. En revanche, on arrive à se situer dans la maison. On retrouve les plans qui sont souvent utilisés dans les films d’horreur, des longs plans séquences et des travellings lent. C’est ce qui va nous plonger dans l’ambiance, mais vous verrez plus tard, c’est aussi ce qui rend le film soporifique. 

Les longs plans séquences permettent d’instaurer une tension, ou de nous faire traverser une action avec un suivi de perso par exemple. Ici, ils servent surtout à instaurer une ambiance par le son, car on ne voit pas grand-chose, des pans de murs, des plafonds, le sol, c’est en grande partie par le son que se déroule le film. 

En revanche, il y a une scène que j’ai trouvé incroyable et dont je vais vous parler dans les moindres détails, attention spoiler. Il s’agit du moment où les parents disparaissent. Pour commencer, la scène est un long plan séquence de quelques minutes, la caméra n’est pas posée dans un coin. Le réalisateur nous embarque caméra à l’épaule à travers les yeux du fils. C’est un premier bon point, on se retrouve à taille enfant, il y a donc un sentiment d’impuissance et de fragilité, tout paraît grand. L’enfant entre dans la chambre de ses parents, tous deux sont assis aux bords d’un côté du lit. 

Il s’approche de son père, celui-ci lui demande de regarder sous le lit, traumatisme d’enfance ! La caméra se penche, on regarde sous le lit, il fait noir, on ne voit rien, on imagine, on angoisse. La caméra se relève, le père est toujours là. Il nous demande une deuxième fois de regarder sous le lit. Et lorsque la caméra se relève, il disparaît. 

Nous voyons alors la mère dans le fond, à l’opposé du lit, elle nous parle. Un bruit sourd provient de la porte de la chambre, travelling lent jusqu’à la porte. Rien, à nouveau un travelling lent pour revenir sur la mère, elle n’est plus là.

Tout cela se déroule sur un seul plan, pas un seul cut ! Une tension qui monte, grâce à l’obscurité, les bruits et les mouvements de caméra. Cette scène est juste géniale, dommage qu’elle soit dans un film qu’il ne le soit pas.

… mais qui ne colle pas avec le film

Alors certes, on trouve des plans géniaux et surtout ce qui fait un film d’horreur. Malheureusement, ici, ça ne prend pas. D’une part, à cause du manque de screamer qui est censé venir avec des travellings lents par exemple. Comme je l’ai dit plus haut pendant plus de trente minutes, il ne se passe absolument rien, malgré le fait que The House arrive à nous plonger dans une certaine ambiance. 

Utiliser des longs plans séquences et des travellings sans rien présenter derrière, un screamer ou une action par exemple. Cela donne une lenteur insupportable au film. C’est bien dommage, car pour une fois, un film d’horreur était original. 

Pour certains, The House sera un chef d’œuvre, pour d’autres un film sans saveur et lent. Pour moi, c’est un parfait exemple d’un mélange d’idées géniales et mauvaises à la fois. Malheureusement, le mauvais l’emporte sur le bon, à cause de lenteur et d’un scénario qui met du temps à démarrer. Rappelons que The House est un film à petit budget, 15 000 dollars en tout et quatre acteurs qui sont tous dans leur premier rôle. Très honnêtement, j’ai tout de même hâte de revoir le réalisateur canadien, avec du budget, je suis persuadé qu’il pourrait faire d’excellentes productions. Je vous conseille tout de même de vous faire un avis par vous-même sur le film, il vaut le détour ne serait-ce que pour la réalisation et son originalité. 

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Aux origines

Le studio Ghibli a vu le jour en 1985 au Japon. Il est le fruit de la collaboration de deux hommes, considérés aujourd’hui comme des icônes de l’animation japonaise : Hayao Miyazaki et Isao Takahata. Ces deux maîtres de l’animation, après avoir travaillé ensemble chez Toei Animation, décident de créer leur propre studio afin de donner vie à leurs univers artistiques uniques, et de poursuivre leurs idéaux.

Hayao Miyazaki, né en 1941, est souvent considéré comme l’un des plus grands réalisateurs d’animation de tous les temps. Son amour pour l’animation a commencé dès son plus jeune âge, et il a été particulièrement influencé par l’œuvre Astroboy de Osamu Tezuka, qui l’inspirera énormément. Il finira cependant par brûler tous ces projets, car il trouvait qu’il ne faisait qu’imiter son idole. Ayant vécu les ravages de la guerre dans son enfance, il sera très engagé contre, élément que l’on retrouvera dans ses œuvres. Son style distinctif, caractérisé par des thèmes écologiques, des protagonistes féminines fortes et une attention méticuleuse aux détails, a été développé au fil de sa carrière chez Toei Animation et a continué à évoluer au sein du Studio Ghibli.

Isao Takahata, né en 1935 et décédé en 2018, était un réalisateur, scénariste et producteur d’animation japonais. Connu pour sa capacité à raconter des histoires émouvantes et profondes, Takahata a apporté une profondeur émotionnelle et une complexité narrative à l’animation qui ont contribué à élever le genre à un niveau d’art.

Les deux hommes travailleront ensemble durant de nombreuses années, notamment pour la première œuvre qu’ils créeront ensemble, avec l’équipe qui deviendra l’année suivante les membres d’origine du Studio Ghibli : « Nausicaa de la vallée du vent« . Ce film est le premier long-métrage original des deux hommes, et sort au japon en 1984. Il est considéré comme étant le premier Ghibli, bien qu’à ce moment, le studio ne soit pas encore né.

Le début du Succès

Lors de la création du studio en 1985, les animations qui marchent le mieux au Japon sont les séries d’animation manga et les moyens métrages. Cependant, ce qui intéresse les fondateurs du studio, ce sont les longs-métrages. Ils prennent ainsi un énorme risque en allant à contre-courant. Ainsi, les équipes de productions ne sont engagées que pour la production d’un film, et seront réengagé si ce film est un succès. C’est de ce succès dont dépends le futur du studio.

Malgré tout, le premier film « officiel » du studio sort en 1986 et est un succès énorme au Japon, enregistrant environ 800.000 entrées dans les salles. « Le Château dans le Ciel » assure ainsi la continuité du studio, ainsi que l’intérêt du public pour les long-métrages d’animation. Ce film a immédiatement posé les bases de ce qui allait devenir la marque de fabrique de Ghibli : des histoires captivantes, des personnages profonds et une animation à couper le souffle.

L’histoire suit la jeune Sheeta et son ami Pazu dans leur quête pour découvrir le mystère du château volant de Laputa. Avec des pirates de l’air, des agents secrets et une technologie ancienne, le film est un mélange d’aventure, de science-fiction et de fantaisie qui a captivé le public.

L’ère d’or du studio

Le studio Ghibli a continué les années suivantes à produire des films, souvent avec plusieurs lignes de lecture, permettant à des personnes de tout âge d’apprécier ces œuvres. « Mon Voisin Totoro » eu un tel succès que Totoro, personnage imaginaire et gardien des forêts, devint la mascotte du studio. C’est en 2001 au Japon que sort « Le Voyage de Chihiro », critique adroite de la société de consommation, et enregistre tellement d’entrées en salle de cinéma qu’il détrône le film « Titanic ».

Le studio a su créer un univers unique, mélangeant le fantastique, le réalisme et une critique sociale subtile, le tout enveloppé dans une esthétique visuelle époustouflante, au travers des films qui ont non seulement conquis le box-office, mais ont aussi remporté de nombreux prix internationaux. Pour n’en citer que quelques-uns :

• « Mon Voisin Totoro » (1988) : ce film raconte l’histoire de deux jeunes filles qui emménagent avec leur père dans une nouvelle maison à la campagne pour être plus proches de leur mère hospitalisée. Elles découvrent rapidement que leur maison et les bois environnants sont habités par des créatures surnaturelles. Le film est une célébration de la nature et de l’innocence de l’enfance, avec une attention particulière portée à la représentation détaillée de la vie rurale japonaise. « Mon Voisin Totoro » a été salué pour sa beauté visuelle, son histoire captivante et son exploration de thèmes tels que l’amour familial et le respect de la nature. Il a remporté le prix du film Mainichi pour le meilleur film en 1988 et est souvent cité comme l’un des meilleurs films d’animation de tous les temps.

• « Princesse Mononoké » (1997) : ce film se déroule dans le Japon médiéval (ère Muromachi) et met en scène un jeune prince, Ashitaka, frappé d’une malédiction après avoir tué un dieu sanglier devenu démon. Pour lever la malédiction, il doit se rendre à l’ouest où il se retrouve pris dans un conflit entre les habitants d’Irontown, une ville minière, et les dieux de la forêt.

• « Le Voyage de Chihiro » (2001) : ce film est l’histoire de Chihiro, une fillette de dix ans qui, alors qu’elle se rend en famille vers sa nouvelle maison, entre dans le monde des esprits. Après la transformation de ses parents en porcs par la sorcière Yubaba, Chihiro prend un emploi dans l’établissement de bains de la sorcière pour retrouver ses parents et regagner le monde des humains.

Isao Takahata, en particulier, a laissé une empreinte indélébile dans l’histoire de l’animation avec des films tels que « Le Tombeau des lucioles », une histoire déchirante sur deux enfants essayant de survivre à la Seconde Guerre mondiale, et « Le Conte de la princesse Kaguya », qui a été nominé pour l’Oscar du meilleur film d’animation.

Défis et évolutions

Dès 1994, le studio décide d’évoluer. C’est ainsi que certaines scènes de « Pompoko » par Isao Takahata sont produite en CGI (Computer-Generated Imagery). La CGI est une technologie qui permet de créer des images et des animations à l’aide d’ordinateurs, offrant une plus grande flexibilité et des possibilités infinies en termes de design et d’effets visuels. Il faudra cependant attendre 2020 pour voir le premier Ghibli entièrement en image de synthèse, avec « Aya et la Sorcière ».

Mais ce n’est pas la seule évolution. En effet, d’autres réalisateurs commencent à créer leurs propres longs métrages. On peut citer Kaoru Nakamura avec « Je peux entendre l’océan« , Yoshifumi Kondo avec « Si tu tends l’oreille« , ou encore Goro Miyazaki, fils de Hayao Miyazaki, avec « Les contes de Terremer« .

C’est en 2018 qu’une terrible tragédie frappa le studio, et le monde de l’animation tout entier. Isao Takahata, co-fondateur du studio et légende de l’animation japonaise, décéda. Ce fut une période très dure pour le studio, et encore plus pour Hayao Miyazaki, car il venait de perdre son ami de longue date, son collègue, celui avec qui il avait tant partagé. On apprit à cette occasion que c’est sa rencontre avec Isao Takahata qui avait inspiré à Hayao Miyazaki cette scène mythique de mon voisin Totoro, de rencontre sous la pluie à un arrêt de bus.

Après le départ à la retraite de Hayao Miyazaki en 2013, le Studio Ghibli a connu une période de transition. Cependant, il est important de noter que Miyazaki est sorti de sa retraite à plusieurs reprises pour continuer à travailler sur de nouveaux projets. Son dernier projet est d’ailleurs sorti ce 14 juillet au Japon et c’est un carton. Nous n’avons que peu d’information sur ce film, car l’information est très contrôlée et aucune promotion n’a été faite. La seule information que nous avons est que ce film, nommé Kimi-tachi wa Dō Ikiru ka en japonais, est basé sur un roman de 1937 de Genzaburo Yoshino intitulé « How Do You Live? ».

Bien que tout le monde ne connaisse pas le studio Ghibli, il a impacté énormément aussi bien le monde de l’animation que la pop-culture, marquant au passage toute une génération d’un rêve, celui de deux hommes, le rêve d’un monde meilleur.

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Un rêve de longue date

En effet, le jeune réalisateur a attendu 10 ans avant de pouvoir réaliser son film de cœur. Lorsqu’il en parla à la Warner, la compagnie jugea qu’il manquait d’expérience. Il n’était pas sage de lui confier les commandes d’un projet aussi ambitieux. Ironiquement, au lieu de son projet, il s’est retrouvé propulsé à la tête du reboot de la saga cinématographique Batman. Habitué jusqu’alors aux productions modèstes et conscient de ses limites, il s’entoura des bonnes personnes pour palier à ses faiblaisses. Il fit de même fâce à son manque de connaissances sur la mythologie Batman. Et, comme vous le savez sûrement, ce fut un immense succès. En particulier lors de la sortie du deuxième volet en 2008.

Maintenant que sa crédibilité était établie, il était temps de la mettre à l’épreuve. Christopher Nolan revint donc proposer son film à la Warner. Voyant désormais en ses dernières productions le parfait mélange entre film d’auteur ravissant les critiques et blockbuster grand public, le studio accepta avec joie de le financer.

Une production XXL

L’une des raisons pour lesquelles on lui avait initialement refusé un financement était l’ambition du projet. Comprenez par là que les producteurs étaient rétissents à l’idée de confier des dizaines de millions de dollars à un réalisateur indépendant inconnu du grand public. Les années n’ayant pas eu raison de son ambition, la production d’Inception entre donc dans la catégorie des blockbusters (films à gros budget). Ceci étant principalement du à la préférence de son réalisateur pour les effets pratiques et non numériques. Des décors entiers furent construits pour une seule scène. Ce qui était déjà très rare à l’époque, mais davantage de nos jours.

Le salaire du casting représente également une part significative du budget. Et là encore, Christopher Nolan affiche son ambition. Les rôles principaux ont été confiés à Leonardo DiCaprio, Ellen Paige, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Cillian Murphy, Marion Cotillard, Tom Hardy et son acteur fétiche Michael Caine. Ces cinq derniers figureront également au casting du troisième volet de la trilogie Batman de Christopher Nolan deux ans plus tard.

Une intrigue par étage

Comme à son habitude, Christopher Nolan a choisi une narration segmentée qui a donné des migraines à bien des spectateurs. En effet, rares sont ceux qui ont tout compris au premier visionnage. Cependant, lorsque l’on finit enfin par s’y retrouver, on ne peut qu’apprécier la richesse de la narration, pourtant basée sur une formule éclusée: un braqueur qui réalise son dernier coup avant la retraite. Soulignons d’ailleurs la participation de Jonathan Nolan, frère de Christopher en tant que scénariste. De plus, même si Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) reste le personnage principal, ils sont tous mis en valeur. En somme, le film présente des personnages très bien écrits, sublimés par des acteurs en pleine forme.

Inception, un bonheur pour les yeux

Un bon scénario c’est bien, mais sans mise en scène, c’est du théâtre. Et à ce propos, l’expérience acquise par Chrisptopher Nolan en 10 ans se ressent dans chaque seconde d’Inception. Le film regorge d’idées de mise en scène, notamment concernant les paradoxes, la gestion du temps (un autre élément central chez Christopher Nolan) ou encore la gestion de la gravité. Les scènes d’action sont sensationnelles. De plus, les effets partiques, si chèrs à Christopher Nolan, font vraiment toute la différence.

Et quoi d’autre pour magnifier cette mise en scène que le talent d’Hans Zimmer, en charge de la bande son d’Inception. Il illustre les scènes d’action avec des musiques puissantes empreintes de fortes percussion mais propose aussi des sons calmes qui accompagnent à merveille les scènes plus intimistes du film. La symbiose entre les deux est telle qu’on en vient même à se demander si Hans Zimmer fait des musiques pour les films de Christopher Nolan ou bien l’inverse.

Des défauts justifiés ?

Cependant, bien que le film soit excellent, il n’est pas parfait. En effet, même si l’enrobage narratif est des plus qualitatifs, l’intrigue reste basique. Et bien que les acteurs soient bons de même que l’écriture, certains personnages sont assez clichés. Il est même possible de déceler certaines incohérences dans le scénario. Cependant, Christopher Nolan a déclaré avoir fait ce film pour que l’on continue à en parler même dix ans après sa sortie. Et il a atteint cet objectif. En effet, il existe aujourd’hui énormément de théories sur le film qui justifient la plupart des défauts mentionnés. Et il y a tellement de détails qui viennent coroborer ces théories que l’on se pose encore la question: ces erreurs sont-elles volontaires ?

Inception reste un film incroyable à voir et à revoir. Il regorge de secrets, de mystères et de théories. Il marque également la consécration du rêve de l’un des plus grands réalisateurs de l’histoire. On espère vous avoir donné envie de le voir. Et c’est avec impatience que nous attendons Hoppenheimer, le prochain film de Christopher Nolan.

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Les projets déjà connus

Comme nous le savons depuis avril 2022, Lionsgate a officialisé un projet de spin-off nommé « Ballerina« . Le projet, dirigé par Len Wiseman, met en scène une assassin incarnée par Ana de Armas. Celle-ci cherchera à se venger de l’assassinat de sa famille. Un scénario rudimentaire, mais la franchise n’a jamais brillé par son scénario et elle en a conscience. Profitons-en d’ailleurs pour préciser que Ian McShane (Winston), Keanu Reeves et Norman Reedus (« The walking Dead », « Death Stranding ») sont confirmés au casting. Lionsgate Television a également annoncé en 2018 une série centrée sur le continental. L’hôtel devenu culte et central dans la franchise. Cette série se présente comme un prologue à la saga John Wick, se déroulant dans les années 70 et compte, entre autres, Mel Gibson au casting. La saga a donc pour vocation de se développer sur plusieurs médias dont le jeu vidéo. Comme nous le prouve la sortie de John Wick Hex en 2020.

Quel avenir pour la franchise ?

John Wick: Chapitre 4 ayant rapporté plus de 429 millions de dollars, il a permit à la franchise de franchir le milliard de dollars de bénéfices. Il était donc évident que Lionsgate allait développer la franchise. En effet, Joe Drake a annoncé plusieurs nouveaux projets dont John Wick:            Chapitre 5. Une annonce surprenante aux vues de la fin du quatrième opus. Joe Drake répond:

Nous explorons maintenant d’autres horizons pour cette franchise, pas seulement dans le domaine du jeu vidéo, mais en regardant à quelle cadence on pourrait faire des spin-off, de la télévision, pour continuer à étendre cet univers, au fil d’une cadence constante qui serait toujours capable de générer de l’intérêt de la part du public.

Une réponse qui n’est pas des plus détaillées, vous en conviendrez. Cependant, il reste une dernière annonce digne d’intérêt: Lionsgate a manifesté son envie de développer « un grand jeu AAA » dans l’Univers de la saga. Le dernier appel aux résultats de Lionsgate a révélé qu’ils n’avaient encore entrepris aucune action dans ce sens. Mais le succès de John Wick Hex ainsi que les déclarations de Joe Drake laissent penser que Lionsgate croit réellement en ce projet.

Vous l’aurez compris, la franchise est loin d’avoir dit son dernier mot. Jeux, films, séries, John Wick n’est pas près de déserter nos écrans. Pour le meilleur ou pour le pire, on vous laisse juge. Quoiqu’il en soit, vous pouvez compter sur nous pour vous tenir au courant de l’actualité de la franchise.

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