Selon Ankama, la chaîne Krosmoz rassemblera les contenus de l’univers partagé du studio et offrira au public mondial un espace pour en découvrir les histoires, personnages et mondes. Julith en est le premier film.

Le studio le présente comme une porte d’entrée pour les néophytes, et comme une occasion de revoir gratuitement le premier long-métrage situé dans le monde de DOFUS pour les fans de la première heure.

Le film suit Joris, jeune garçon qui vit dans la cité de Bonta auprès de son père adoptif, Kerub Crépin, un vieil homme-chat. Sa vie bascule le jour où il désobéit pour tenter de rencontrer son idole, Khan Karkass, superstar du Boufbowl.

Un doublage anglais inédit

Ankama Animations a enregistré un doublage anglais, qui permet au public anglophone de découvrir le film avec un casting vocal dédié. Il réunit des comédien·nes issu·es de l’anime, de l’animation et du jeu vidéo :

• Chuck Huber (C-17 et Pilaf dans Dragon Ball) : Dardondakal ;
• Kyle Phillips (Denki Kaminari dans My Hero Academia, Marco dans One Piece) : Khan Karkass ;
• Sara Secora (Final Fantasy VII Rebirth, Warframe) : Julith ;
• Christina Costello (Collei dans Genshin Impact) : Lilotte ;
• Rosana Smith (Evangelyne dans la saison 4 de WAKFU) : Joris ;
• Crystal Lopez (Yugo dans la saison 4 de WAKFU) : Bakara.

Les versions espagnole et portugaise complètent ce lancement. Le communiqué ne détaille pas leur distribution.

Pour Anthony Roux, alias ToT, PDG d’Ankama, coréalisateur et coscénariste du film :

« Chez Ankama, le jeu vidéo et l’animation n’ont jamais vécu dans des mondes séparés. La chaîne Krosmoz est notre façon de partager cette philosophie avec le monde entier : on peut regarder une histoire, explorer son univers, suivre un indice et rapporter quelque chose de cette expérience dans le jeu. Rendre DOFUS – Livre 1 : Julith accessible gratuitement partout dans le monde est la meilleure façon d’ouvrir cette porte. Pour ceux qui nous connaissent déjà, c’est un nouveau lieu de rendez-vous avec des univers qu’ils aiment depuis des années. Pour tous les autres, c’est une invitation à les découvrir. »

Une récompense à débloquer en jeu

Dès le 16 octobre, les spectateur·rices peuvent obtenir la Clochette de Lilotte, une coiffe cérémonielle inspirée du personnage. Le code se trouve dans la description de la vidéo YouTube et fonctionne dans DOFUS sur PC comme dans DOFUS Touch sur mobile.

Ankama annonce que les prochaines sorties de la chaîne iront plus loin, avec des chasses au trésor faites d’indices et de récompenses en jeu.

Une préquelle à Welsh & Shedar

Le film est une préquelle de Welsh & Shedar, la nouvelle série animée d’Ankama Animations, dont l’action se déroule 30 ans après les événements du film. Dévoilée il y a quelques mois, la série a récemment commencé sa diffusion au Japon et arrivera en novembre dans le reste du monde.

Entre la mise en ligne gratuite du film, un doublage anglais inédit et la série Welsh & Shedar en approche, Ankama accélère sa stratégie internationale autour du Krosmoz. Reste à voir quels seront les prochains contenus de la chaîne et à quoi ressembleront ces chasses au trésor interactives.

Sources

• Communiqué de presse Ankama Animations, « DOFUS – Livre 1 : Julith disponible gratuitement sur YouTube dès le 16 octobre », Paris, 13 octobre 2026

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Et si votre famille cachait un secret magique ? Billie, une adolescente rebelle et impulsive, voit son quotidien bouleversé lorsqu’elle découvre qu’elle possède d’étranges pouvoirs. Sa quête la mène à Hexe, un monde mystérieux peuplé de sorcières, où elle part avec sa mère, Alice, sur les traces de leurs origines. Mais quels secrets se cachent derrière leur lien avec cet univers surnaturel ?

Voilà comment on peut résumer Billie: À la Croisée des Mondes, dont la sortie est prévue le 25 novembre prochain. Au cœur du récit, on retrouve la relation familiale unissant Billie à sa mère, Alice. Une histoire qui parle de mensonges, de secrets de famille, mais aussi de rédemption, de pardon et de travail d’équipe. Ici, mère et fille se déchire pour mieux se retrouver et affronter, ensemble, l’adversité dans un monde étrange.

Un premier trailer avait été dévoilé à la mi-juin de cette année, suscitant de nombreuses interrogations chez les fans, mais aussi de vives polémiques autour de l’affiche révélée simultanément. De nombreux internautes estimaient en effet que cette dernière s’inspirait un peu trop ouvertement de l’univers de Harry Potter, tandis que d’autres critiquaient le rendu de l’animation. Publiée à la mi-octobre, cette nouvelle vidéo adopte une approche différente en mettant davantage l’accent sur la narration et les messages véhiculés par le film.

Quid du casting ?

Billie: À la Croisée des Mondes est un film d’animation produit par Disney. On trouve Fawn Veerasunthorn et Jason Hand à la réalisation, avec Josie Trinidad en coréalisation. La production a, quant à elle, été confiée à Roy Conli et Yvett Merino.

Côté voix, le casting est tout aussi solide avec :

• Hailee Steinfeld : Billie ;
• Rashida Jones : Alice, la mère de Billie ;
• Jodie Foster : la reine Celeste ;
• Tracey Ullman : Madame Quill, la plume enchantée ;
• Stephen Fry : Elias Quire, le journal magique ;
• Walton Goggins : un chat vert à trois yeux, solitaire et magique.

Enfin, Henry Winkler et Dan Stevens complètent la distribution. Par contre, les voix françaises ne sont pas encore connues à ce jour.

Lilo & Scratch, le court-métrage surprise

Annoncé le 26 juin dernier, à l’occasion du « 626 Day », le court-métrage Lilo & Scratch sera projeté en exclusivité avant Billie: À la Croisée des Mondes. L’occasion de revoir Stitch pendant quelques minutes. Celui-ci y rencontre Scratch, un chat espiègle avec qui l’aventure tournera vite à la catastrophe. On sait déjà que Chris Sanders reprend son rôle de Stitch tandis que Maia Kealoha revient en Lilo. Voilà des nouvelles qui raviront les fans de la petite mascotte bleue.

Pour le reste, rendez-vous donc le 25 novembre prochain pour découvrir, au cinéma, Billie: À la Croisée des Mondes. Le film débarquera ensuite sur Disney+ à une date encore indéterminée.

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Le 11 décembre 2025, Netflix a officialisé un accord définitif pour l’acquisition de Warner Bros. Discovery, dans une transaction mixte (actions + numéraire) valorisée à 82,7 milliards de dollars, soit environ 72 milliards de dollars en valeur equity. Si cette manœuvre est évidemment stratégique pour le streaming et les franchises ciné-séries (Harry Potter, Game of Thrones, DC Universe…), c’est surtout son impact sur l’industrie du jeu vidéo qui retient l’attention.

Warner Bros. Games est inclus dans le périmètre de l’acquisition. Cette branche regroupe des studios mondialement reconnus, notamment :

• NetherRealm Studios (Mortal Kombat)

• Rocksteady Studios (Batman Arkham, Suicide Squad)

• TT Games (série LEGO Games)

• Avalanche Software (Hogwarts Legacy)

• Monolith Productions (Shadow of Mordor)

Un porte-parole de Warner Bros. Discovery a confirmé à GameDeveloper que l’ensemble de la division jeux vidéo rejoindra Netflix. Il ne s’agit donc pas d’un simple rachat de licences, mais bien de la prise de contrôle d’une structure complète, avec ses studios, ses talents, et son potentiel de production AAA.

De l’expérimentation mobile à un acteur majeur du jeu vidéo

Jusqu’ici, la présence de Netflix dans le jeu vidéo restait modeste : quelques titres mobiles accessibles via l’abonnement, sans ambition AAA ni distribution massive. Avec cette acquisition, le géant du streaming bascule dans une autre dimension.

Grâce à Warner Bros. Games, Netflix met la main sur :

• des licences puissantes et déjà établies, comme Harry Potter, DC, Mortal Kombat, ou LEGO ;

• des studios de développement AAA expérimentés ;

• une capacité de production interne capable de rivaliser avec Sony, Microsoft ou Tencent.

C’est un changement de paradigme total : Netflix ne se contente plus d’adapter ses franchises au format interactif (comme avec Bandersnatch ou Carmen Sandiego), mais se positionne désormais comme un éditeur de jeux vidéo à part entière, avec des ambitions qui dépassent le mobile.

Quels impacts pour l’industrie et les joueuses et joueurs ?

Cette acquisition soulève de nombreuses questions à court et moyen terme. Si Netflix reste discret sur sa feuille de route, quelques hypothèses se dessinent :

• Quel modèle économique pour les jeux Warner ? Netflix ne vend pas de jeux à l’unité, mais propose des expériences incluses dans l’abonnement. Faut-il s’attendre à une mutation vers un Game Pass à la Netflix ?

• Quid des productions en cours ? Des projets très attendus sont en développement : Mortal Kombat 13, de nouveaux jeux LEGO, ou encore des projets autour de DC ou de Harry Potter. Netflix soutiendra-t-il ces projets tels quels ? Ou va-t-il les adapter à ses standards ?

• Fusion des univers : verra-t-on des croisements entre les univers Netflix et ceux de Warner ? Des projets interactifs ou cross-média pourraient émerger, dans la lignée des Stranger Things: Puzzle Tales ou des expériences interactives de Love, Death + Robots.

• Impact sur la concurrence : ce rachat pourrait pousser Disney, Amazon ou Apple à renforcer leur présence dans le jeu vidéo, par crainte de laisser Netflix dominer ce nouveau segment.

Une restructuration progressive, mais un avenir incertain

Selon les documents financiers, les opérations cinéma et TV de Warner continueront comme avant, mais une intégration progressive au modèle Netflix est prévue pour les équipes. Le groupe anticipe entre 2 et 3 milliards de dollars d’économies annuelles dans les trois ans, principalement via :

• la mutualisation des infrastructures techniques,

• la réduction des doublons dans les services,

• et une optimisation des productions (jeux, séries, films).

Cependant, la transaction reste conditionnée à l’approbation des régulateurs et des actionnaires de Warner Bros. Discovery. La finalisation est estimée dans 12 à 18 mois.

En mettant la main sur Warner Bros. Discovery, Netflix fait bien plus que grossir son catalogue : il change de statut. D’acteur expérimental du jeu mobile, la plateforme devient un géant potentiel du jeu vidéo AAA, avec un arsenal de licences inégalé, une base d’abonné·es massive, et une volonté claire d’en faire un pilier de sa stratégie. Reste à voir si Netflix saura concilier son ADN « streaming » avec les impératifs du développement vidéoludique, bien plus complexes et exigeants en ressources humaines, créativité et délais. Une chose est sûre : le paysage du jeu vidéo mondial vient de changer à jamais.

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Naissance d’un traumatisme, origine d’une obsession

Le film s’ouvre sur un laboratoire où l’on découvre un scientifique absorbé par ses recherches, accompagné de sa fille alors encore enfant. L’homme souffre d’une malformation visible sur le visage, une tache rouge marquante, et consacre son travail à trouver un traitement capable de la faire disparaître, ainsi que de corriger les malformations congénitales en général.

Mais sa première expérience tourne au drame : l’essai est un échec, et le scientifique meurt brutalement sous les yeux de sa fille, impuissante et traumatisée.

Quelques années plus tard, l’enfant a grandi. On retrouve Wei, devenue une brillante jeune femme d’origine chinoise qui part s’installer en Nouvelle-Zélande pour y poursuivre ses études. Elle est hébergée par sa tante et sa cousine Angela, tout en continuant discrètement les recherches inachevées de son père. Elle-même porte les traces de la même maladie génétique que lui, ce qui la pousse à mettre au point un sérum de beauté capable de changer sa vie… mais à quel prix ?

Une équipe talentueuse portée par de jeunes actrices néo-zélandaises

À la tête de Grafted, on retrouve Sasha Rainbow, une réalisatrice néo-zélandaise qui signe ici son premier long-métrage de fiction. Elle s’est fait remarquer en 2018 avec le court documentaire Kamali, consacré à une jeune skateuse indienne de 7 ans. Le film a été salué à l’international, présélectionné aux Oscars et nommé aux BAFTA.

Sasha Rainbow coécrit Grafted aux côtés de Hweiling Ow, à l’origine du récit, et de Mia Maramara. Ensemble, elles livrent un film engagé qui mêle body horror et critique sociale. « Ce film nous confronte à ce que nous préférons souvent ignorer : la cruauté sociale et la façon dont elle fabrique ses propres monstres », explique la réalisatrice.

Le rôle principal de Wei est incarné par Joyena Sun, jeune actrice néo-zélandaise encore étudiante au Marist College. Elle avait été remarquée en 2016 pour son interprétation dans le court-métrage Wait, qui avait remporté le prix du meilleur court-métrage néo-zélandais au Festival international du film de Nouvelle-Zélande. Grafted marque sa première apparition dans un long-métrage.

À ses côtés, on retrouve Jess Hong, également néeo-zélandaise d’origine chinoise, déjà connue du public pour ses rôles dans les séries The Brokenwood Mysteries (2021) et Le Problème à trois corps (The Three-Body Problem, Netflix, 2024). Elle incarne ici Angela, la cousine de Wei, personnage ambivalent tiraillé entre ses racines et son rejet de l’“autre”.

Un body horror maîtrisé et glaçant

Dès sa première scène, Grafted nous plonge directement dans l’ambiance glaçante du film. On se retrouve aux côtés de Wei, impuissante face à la mort brutale de son père. Cette entrée en matière brutale et émotionnelle donne le ton : on est ici dans une horreur viscérale, au plus près du traumatisme.

Visuellement dérangeant, le film s’inscrit pleinement dans la tradition du body horror, avec de nombreuses scènes de mutilation et de torture. Les gros plans sur les visages déformés accentuent la douleur physique et psychologique des personnages. À cela s’ajoute un sound design particulièrement réussi, où chaque bruit de découpe ou de transformation corporelle participe à l’inconfort du spectateur ou de la spectatrice.

Cependant, Grafted ne sombre jamais dans la surenchère gratuite. La violence visuelle reste maîtrisée, justement pour ne pas éclipser le cœur du propos : le culte toxique de la beauté et les discriminations raciales.

Grafted est en effet une œuvre engagée et résolument féministe. En arrivant en Nouvelle-Zélande, Wei se confronte rapidement à l’hostilité des locaux, notamment envers les étudiants étrangers. Même sa cousine Angela, pourtant née sur place mais d’origine chinoise elle aussi, rejette ses origines, ses coutumes et son accent. Le film aborde ainsi avec force les tensions identitaires, l’auto-rejet et la violence du racisme intériorisé, tout en tissant un récit d’émancipation personnelle.

Beauté toxique et identité brisée : une critique sociale sous la peau

Wei est obsédée par sa malformation. Elle tente de la dissimuler tant bien que mal, en cachant son visage derrière une écharpe ou ses cheveux. Son obsession ne fait que s’intensifier au contact d’une société où le culte de la beauté est omniprésent. Entourée de jeunes étudiantes qu’elle juge toutes plus belles les unes que les autres, confrontée à des panneaux publicitaires glorifiant la perfection physique, Wei intériorise peu à peu l’idée qu’elle doit effacer ce qui la rend différente.

C’est justement cette pression insidieuse que Grafted choisit de dénoncer. Le film est une comédie noire née de l’expérience personnelle de Hweiling Ow, l’une des scénaristes, qui a voulu écrire une histoire d’horreur initiatique abordant à la fois le racisme vécu par les personnes immigrées et les injonctions normatives liées à l’apparence physique.

Avec Grafted, Sasha Rainbow bouscule les codes du cinéma de genre et s’inscrit dans la lignée des réalisatrices de la body horror féministe. Elle livre un récit hybride et puissant, à la croisée du film d’émancipation, du cinéma engagé et de la critique sociale acerbe.

Avec Grafted, Sasha Rainbow signe un premier long-métrage saisissant, à la fois viscéral et profondément politique. En mêlant body horror graphique et critique sociale acérée, le film met en lumière la violence invisible des normes de beauté, tout en offrant un regard nuancé sur les blessures de l’exil, du racisme et de l’identité fracturée. Porté par une mise en scène percutante, une interprétation juste et touchante de Joyena Sun, et une vision engagée de ses créatrices, Grafted s’inscrit dans la lignée des œuvres féministes qui utilisent le genre pour questionner notre rapport au corps, à la différence et à l’appartenance. Un film aussi dérangeant que nécessaire, qui ne se contente pas de faire frissonner, mais qui laisse une trace durable sous la peau.

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Un nouveau départ loin de la Terre-616

Ce 37e long-métrage de Marvel Studios apporte un vent de fraîcheur bienvenu sur le MCU. En effet, adieu la Terre-616, là où se déroulaient jusqu’ici les principaux événements de l’univers Marvel. Nous sommes désormais dans les années 60, sur la Terre-828, un monde parallèle à l’esthétique rétrofuturiste, résolument différent de ce que le MCU nous avait proposé jusqu’à présent.

Alors qu’ils s’apprêtent à accueillir leur fils Franklin, Reed Richards et Sue Storm voient leur paisible quotidien basculer : Shalla-Bal, alias la Surfeuse d’Argent, descend des cieux pour annoncer l’arrivée imminente de Galactus, une entité cosmique qui s’apprête à dévorer leur planète. Conscients de la menace, les Quatre Fantastiques se lancent dans une course contre la montre pour tenter de sauver leur monde.

Contrairement aux films de 2005 et 2015, cette nouvelle version ne reprend pas l’origin story classique. L’histoire se déroule quatre ans après l’acquisition de leurs pouvoirs, mais pas d’inquiétude pour les néophytes : Matt Shakman, le réalisateur, a pensé à tout. Le film s’ouvre sur une brillante séquence d’introduction façon émission télé des années soixante, qui résume les événements passés tout en nous présentant les quatre premières années de l’équipe. C’est aussi l’occasion de croiser quelques figures emblématiques de leur univers, comme l’Homme-Taupe, leur tout premier adversaire dans les comics.

Les Quatre Fantastiques nous captivent dès les premières minutes. La tension monte immédiatement, au fur et à mesure que l’on découvre cet univers alternatif riche, coloré et intrigant. C’est un excellent point, car cela permet à la fois aux novices de plonger facilement dans l’histoire et aux fans de longue date d’y retrouver des clins d’œil savoureux.

Un soin visuel à la hauteur de la légende

Il faut rendre hommage aux équipes en charge des décors et des effets spéciaux, car elles accomplissent un travail remarquable. Le film nous plonge dans un univers rétrofuturiste des années 60 avec un niveau de détail bluffant : vêtements, véhicules, infrastructures urbaines… tout est minutieusement pensé pour créer une ambiance fidèle à l’esthétique des comics originaux, et notamment au style graphique de Jack Kirby.

Très honnêtement, j’étais plutôt sceptique au départ sur le design de La Chose. Malgré sa fidélité au personnage de 1961, il me semblait un peu rigide dans les bandes-annonces. Finalement, le rendu passe très bien à l’écran. On s’habitue vite à cette apparence minérale, accentuée ici par une barbe stylisée inspirée d’un arc narratif bien connu des fans (Fantastic Four by Jonathan Hickman), qui donne à Ben Grimm une présence visuelle forte et singulière.

Malgré les très bons effets spéciaux globaux, quelques limites se font sentir dans la représentation de Galactus. Visuellement, il est très bien retranscrit, mais le rapport d’échelle, essentiel pour incarner sa démesure cosmique, n’est pas toujours maîtrisé. Si la première rencontre dans l’espace fonctionne grâce à une mise en scène oppressante, les séquences sur Terre manquent parfois de perspective. À l’instar du Godzilla de Gareth Edwards (2014), on aurait aimé des plans plus audacieux pour souligner l’impact physique et psychologique qu’un tel être provoque. Des plongées ou contre-plongées serrées auraient pu renforcer le vertige de sa présence.

Un casting solide porté par une Sue Storm magistrale

Parlons maintenant du casting. Le quatuor de super-héros est incarné par Pedro Pascal (The Last of Us) dans le rôle de Reed Richards, Vanessa Kirby (Fast & Furious: Hobbs & Shaw) en Sue Storm, Joseph Quinn (Sans un bruit : Jour 1) dans la peau de Johnny Storm, et enfin Ebon Moss-Bachrach (The Bear) pour Ben Grimm, alias La Chose. Une équipe taillée sur mesure pour porter cette nouvelle version de la « première famille de Marvel ».

Les prestations sont globalement homogènes, chacun·e trouvant sa place et interagissant avec une belle fluidité. Le quatuor fonctionne bien, transmet des émotions sincères et donne vie à une véritable dynamique familiale, crédible et touchante. Mais s’il faut désigner une figure marquante, Vanessa Kirby sort incontestablement du lot.

Dans le rôle de Sue Storm, elle est tout simplement impressionnante. Elle incarne une femme puissante, déchirée entre la protection de son enfant à naître et le devoir de sauver la planète entière. La scène d’accouchement dans le vaisseau, doublée d’un affrontement titanesque contre Galactus, est d’une intensité rare. On peut lire sur son visage la peur, le courage, l’épuisement, la détermination — tout ce qui fait de Sue le cœur émotionnel du film.

Côté antagonistes, Ralph Ineson campe un Galactus inquiétant et imposant, tandis que Julia Garner (Ozark) interprète Shalla-Bal, la Surfeuse d’Argent. Et si l’annonce de ce choix avait fait grincer des dents (certain·es regrettant la version masculine classique), il faut reconnaître que cette version féminine fonctionne parfaitement. Non seulement le scénario justifie ce choix, mais Julia Garner offre une interprétation nuancée et charismatique. Comme souvent, il aurait été préférable d’attendre le résultat final avant de crier au scandale.

 Il y a tout de même un petit bémol. 

Un format un peu trop resserré pour tout développer

Avec une durée de 1h55, Les Quatre Fantastiques : Premier Pas se situe légèrement en dessous de la moyenne des productions Marvel, souvent plus proches des 2h15 à 2h40. Si ce rythme plus compact a le mérite de rendre le récit dynamique et sans temps mort, il impacte tout de même certains aspects du scénario.

On ressent par moments une précipitation dans certaines séquences, qui auraient mérité plus de développement narratif ou émotionnel. C’est particulièrement vrai pour la Surfeuse d’Argent (Shalla-Bal), un personnage pourtant central à l’intrigue.

Son passé et ses motivations ne sont qu’effleurés à travers une courte scène, alors même que son histoire personnelle dans les comics est riche et poignante. Le film manque ici l’occasion d’exploiter pleinement la dualité entre sa mission destructrice et son humanité refoulée, ce qui aurait pu la rendre encore plus marquante. Un traitement plus approfondi aurait permis d’accentuer l’impact de ses choix dans la dernière partie du récit.

Espérons que les suites ou futurs projets du MCU prendront le temps d’explorer davantage le potentiel de ce personnage, qui mérite clairement plus qu’un rôle de messagère cosmique.

Doctor Doom entre en scène : une première apparition pleine de promesses

On s’y attendait, et Marvel l’a fait : Doctor Doom apparaît bel et bien dans la première scène post-générique de Les Quatre Fantastiques : Premier Pas. Dans cette séquence située quatre ans après les événements du film, on retrouve Sue Storm en pleine lecture avec son fils Franklin, désormais plus âgé. L’ambiance paisible bascule soudainement lorsqu’elle s’absente pour chercher un nouveau livre… et découvre que Franklin a disparu. En état d’alerte, elle active ses pouvoirs, prête à agir.

C’est alors que le public découvre un homme de dos, capuche verte sur les épaules, tenant un masque argenté dans ses mains. Les lecteurs et lectrices de comics l’auront reconnu sans mal : il s’agit de Victor Von Doom, alias Doctor Doom (ou Docteur Fatalis en VF), l’un des antagonistes les plus emblématiques de l’univers Marvel. 

Autre petite déception : la scène post-générique, qui avait été tournée sur le plateau de Avengers: Doomsday, manque d’impact visuel. On aurait aimé un plan plus affirmé, un teaser plus spectaculaire.

Plus légère et pleine de nostalgie, la seconde scène post-générique rend un bel hommage à l’univers rétrofuturiste du film et à son héritage comique. Présentée sous la forme d’un dessin animé old-school façon années 60, elle retrace de manière exagérément enthousiaste les exploits des Quatre Fantastiques, avec une voix-off digne des cartoons d’époque. On y retrouve même La Chose lâchant son fameux cri de guerre, dans une version un peu détournée : « Ça va chauffer ! ».
Au-delà du clin d’œil fun, c’est aussi un hommage appuyé à Jack Kirby, créateur des Quatre Fantastiques, dont la date de naissance – le 28 août – est à l’origine du nom de la Terre 828. Une touche finale malicieuse et pleine de cœur, parfaite pour refermer cette aventure avec le sourire.

Les Quatre Fantastiques : Premier Pas réussit là où tant d’autres productions récentes du MCU ont échoué : poser un univers fort, cohérent, émouvant et visuellement marquant, sans sombrer dans l’humour forcé ni la surcharge d’effets numériques. Malgré quelques limites, notamment liées à une durée un peu courte et à la sous-exploitation de certains personnages secondaires, le film parvient à captiver, émouvoir, et surtout donner envie de voir la suite. Avec une Vanessa Kirby impériale, une ambiance unique et l’entrée en scène de Doctor Doom, ce premier pas est prometteur — et ouvre la voie vers un avenir où les Quatre Fantastiques pourraient devenir les nouveaux visages majeurs du MCU.

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Pouvez-vous nous raconter votre parcours avant votre premier long-métrage ? Comment en êtes-vous venu à faire du cinéma ?

J’ai fait une école de cinéma à Paris et un an à New York. Ça a duré 4 ans. Il faut préciser que ce n’est pas parce que tu fais une école de cinéma que tu as la garantie de faire des films un jour. Il y a des gens qui n’ont pas fait d’école de cinéma et qui font des films. Moi, c’était quelque chose dont j’étais sûr que j’avais envie de faire. J’ai choisi une école qui était particulièrement technique car j’avais tout de suite envie de tourner des films. Je ne voulais pas être dans la théorie mais plus dans la pratique. 

Après, entre le moment où je suis sorti de l’école et aujourd’hui où je sors mon premier film, il s’est passé 18 ans. Avant, j’ai fait des documentaires, des courts-métrages, dont un qui s’appelle The Nine Billion Names of God, qui est adapté d’une nouvelle d’Arthur C. Clarke. On a eu la chance de faire un peu le tour du monde avec ; il a été sélectionné dans plein de festivals à travers le monde car on l’a tourné en anglais.

Vous avez souvent travaillé sur des documentaires. Qu’est-ce qui vous a donné envie, cette fois-ci, de réaliser un film de fiction ?

Cela faisait très longtemps que j’avais envie de faire une fiction. Pas forcément sur Valensole, il y avait l’envie de faire un film pour le cinéma depuis un moment. C’est d’ailleurs pour ça que j’ai fait une école de cinéma, plus que pour faire des documentaires, même si j’adore faire des documentaires. Ces derniers ont été une très belle manière de commencer et de continuer de m’intéresser à des sujets qui nourrissent ma créativité. Puis de rencontrer des gens extraordinaires !

Faire une fiction, c’est quelque chose que j’ai toujours souhaité faire depuis longtemps. Je pense que c’était la meilleure manière de retransmettre les émotions de Maurice Masse. J’aimais vraiment l’idée de faire un film sur une histoire vraie extraordinaire. Je crois, à ma connaissance, que dans le cinéma français, cela n’a jamais été fait. Je suis heureux d’apporter cette originalité au cinéma, à savoir une histoire vraie extraordinaire. Dans le cinéma français, on fait des histoires vraies, mais en général ce sont souvent des histoires horribles, de meurtres, de faits divers.

Dans toutes vos productions, on retrouve cette fascination pour les mystères de notre monde et de l’univers. D’où vous vient cette passion ? Il y a eu un déclic, un événement marquant ?

J’aime profondément le mystère, car je pense que c’est la source de toute création. C’est ce qui, moi, me permet encore de rêver. J’aime l’idée que tout ne soit pas encore expliqué, alors qu’on vit justement dans une société qui veut tout expliquer. Ce qui est très bien ! C’est la science, et cela fait avancer les choses. Mais ce qui est extraordinaire, c’est que la science se retrouve à chaque fois face à de nouvelles énigmes. On le voit très bien en astronomie, par exemple : aujourd’hui, on repose même la question de la théorie du Big Bang. On est en train de se redemander si vraiment l’univers a été créé comme ça ? 

Plus on avance, plus on découvre des mystères. Ça fait partie à la fois de la création, de l’art en général, mais aussi de la science. Ce qui est inexpliqué aujourd’hui sera sûrement expliqué demain. Cela n’empêchera pas qu’il y ait de nouveaux mystères et de nouveaux sujets inexpliqués. C’est ça que je trouve absolument magique, d’une certaine manière !

J’aime transmettre cette énergie du mystère dans mes films, c’est quelque chose de très particulier. Le mystère t’amène à la réflexion et à l’imagination. Il y a justement une phrase très belle d’Einstein qui parle du mystère :

« The most beautiful thing we can experience is the mysterious.
It is the source of all true art and science.« 

La plus belle chose que l’on peut expérimenter, c’est le mystère. Il est la source de tout véritable art et de la science. C’est une phrase qui me parle énormément !

Pourquoi avoir choisi l’affaire de Valensole comme sujet principal de votre nouveau film ? Qu’est-ce qui vous a particulièrement marqué dans ce cas ?

C’est justement ce côté “histoire vraie extraordinaire”, le sujet des OVNIS me passionne particulièrement. J’aime aussi la science-fiction, mais là on n’est pas dans de la SF, on est dans un drame. Moi, je me suis vraiment basé sur les témoignages qu’on a pu me donner. J’ai rencontré la famille de Maurice Masse, on a récupéré toute la presse de l’époque pour voir comment les médias avaient traité le sujet.

Notamment une scène du film qui est vraiment tirée de la réalité. J’encourage les personnes à rester jusqu’à la fin du déroulant pour découvrir cette archive d’époque. Il s’agit de la seule interview sur l’affaire de Valensole, qui n’est pas celle de Maurice, mais celle du patron du café qui était son meilleur ami.

Comment s’est déroulé votre travail de recherche autour de l’affaire de Valensole ? Avez-vous été sur place, et comment cette immersion a-t-elle nourri votre approche du film ?

C’était assez passionnant, c’était un peu comme une enquête policière. J’avais un peu l’impression d’être un détective privé de l’affaire de Valensole. C’est génial, car tu plonges vraiment au cœur d’une histoire vraie, et rencontrer les gens qui ont été directement touchés par cette affaire, ça la rend vraiment palpable. C’est à partir de ce moment-là où je me suis dit : ça vaut vraiment le coup d’en faire un film. C’est à cet instant que j’ai vraiment ressenti l’émotion des gens qui avaient été touchés par cette histoire. Que ce soit des simples villageois ou des personnes proches de Maurice Masse. C’était important pour moi de ressentir les émotions des personnes qui ont vécu cette histoire de près.

Ensuite, on a rassemblé toute la presse de l’époque, que certains ufologues collectionnaient, comme mon ami Egon Kragel, qui a pratiquement récupéré toutes les archives d’époque et me les a gentiment transmises. J’ai aussi passé pas mal de temps à Valensole, on a écrit en partie là-bas. Avant le tournage, j’y suis allé au mois de mars (j’ai fait quelques allers-retours à Paris entre-temps) jusqu’en juin pour commencer le tournage. J’avais besoin de passer du temps là-bas, de vivre au rythme de la Provence pour m’imprégner. J’adorais aller au café sur la place de Valensole, ça n’a pas tant changé que ça dans l’esprit par rapport aux années 60. Bien évidemment, la ville s’est modernisée, comme les façades des commerces, mais mis à part ça, cette ambiance de petit village de Provence, elle est toujours là. C’est assez extraordinaire !

Y a-t-il toujours autant d’engouement autour de l’affaire de Valensole ?

Ha oui ! Avant même qu’on en fasse un film, c’est un sujet qui intéressait énormément de gens. Chaque année, il y a des personnes qui viennent pour l’anniversaire du premier juillet. Premièrement, c’est un endroit magnifique, ce sont les plus grands plateaux de lavande d’Europe.

L’office du tourisme m’a expliqué que ça drainait plus d’attrait que la fête de la lavande, qui est un énorme événement touristique à Valensole. Pour les 60 ans, ils ont d’ailleurs érigé une stèle pour commémorer l’endroit où les événements se sont passés.

Les décors d’époque sont impressionnants. Est-ce que c’est compliqué à reconstituer avec autant de précision ? Comment vous y prenez-vous pour recréer ces ambiances dans les moindres détails ?

C’est un vrai travail d’équipe ! J’ai une équipe incroyable, j’ai eu la chance de travailler avec une cheffe décoratrice qui s’appelle Alexia Rosanis, qui est une amie avec qui je travaille depuis longtemps. Ils travaillent en famille, avec ses deux cousins, ils ont fait un travail extraordinaire au niveau de la décoration. 

Pour les costumes, c’était Marie Crédou, qui a plusieurs longs-métrages à son actif et qui est elle aussi incroyable. Ensemble, nous avons fait un travail d’enquête en trouvant des photos de l’époque, en regardant comment les gens étaient habillés. On a imaginé certaines choses nous-mêmes aussi, mais il suffisait de trouver des véhicules des années 60 en bon état !

C’était compliqué de trouver tout ça ? 

C’était compliqué oui et non. Il y a des moments où on a eu de la chance ! Un jour, j’étais justement dans une petite ville à côté de Valensole. Je suis descendu de chez moi et je suis tombé sur un marché installé sur le parking. Il y avait un stand avec de vieilles motos de la gendarmerie, datant des années 60, et des gendarmes en costumes d’époque.. C’était assez marrant de voir ça, alors qu’à côté il y avait un vendeur de pots de miel. J’ai donc discuté avec eux, ils étaient partants pour venir sur le film. J’ai trouvé une partie du matériel comme ça, tu vois.

On a aussi travaillé avec des collectionneurs privés, qui étaient heureux de venir avec leurs véhicules pour participer à un film. J’ai aussi découvert un monde que je ne connaissais pas vraiment, autour de la gendarmerie. Il existe des musées privés d’accessoires, de costumes, de voitures de gendarmerie, qui ont traversé les époques.

La seule difficulté, ça a été pour la place du café de Valensole. J’aurais adoré, mais on ne pouvait pas tourner à Valensole, c’est devenu assez moderne, il y a du plastique partout. On n’avait pas le budget pour fermer les commerces, payer le chiffre d’affaires et refaire toute la rue de Valensole. Il fallait donc trouver un petit village dans son jus, où il y avait très peu de travail de décoration à faire. C’est une amie qui m’a parlé de Montbrun-les-Bains, c’était vraiment une bonne idée car tout était dans son jus. Le gros problème, c’était de faire attention à ce qu’il n’y ait pas d’éléments modernes partout où on tournait.

Le travail sonore dans le film est particulièrement soigné. Comment avez-vous abordé cette dimension sonore et musicale pour recréer l’ambiance de la Provence tout en y ajoutant une touche de mystère ?

C’est une chose qui me tenait vraiment à cœur, et c’est une nouvelle fois un travail d’équipe. On a travaillé avec des bruiteurs au studio Madeleine pendant une semaine. Ils ont refait des sons que l’on n’avait pas, etc. Il y a tout un travail de sound design qui a été fait, et de composition musicale. Il y a à la fois l’univers sonore et la musique, les deux doivent se fondre pour créer un univers.

C’était important pour moi de travailler avec des artistes qui ont réussi à recréer cette ambiance de la Provence. Mais aussi, de mettre le mystère en son, c’est assez particulier, et je trouve que ça a été très bien réussi.

Mathias Van Khache et Vahina Giocante forment un duo très convaincant à l’écran. Est-ce que ce casting était une évidence dès le départ, ou ça a été une révélation pendant les auditions ?

Pour Vahina, je l’ai eue très vite en tête. Je suis très honoré qu’elle ait accepté de faire le film, car cela faisait cinq ans qu’elle n’avait pas fait de film. Elle avait décidé de faire une pause. Quand je lui ai parlé de l’histoire, elle a été tout de suite intéressée. Elle avait déjà cette personnalité naturelle pour le personnage de Jeannette, qui est à la fois une femme douce, protectrice, louve, un peu sauvage.

Vahina a vraiment participé au fait de rendre moderne cette femme des années 60. Pour Édouard Blanchot, mon scénariste, et moi, c’était important de moderniser son personnage, une Jeannette des années 2000, tout en restant fidèle à une femme des années 60. C’était un jeu d’équilibriste. On a eu de nombreuses discussions avec Vahina, elle nous a apporté beaucoup d’idées. C’était vraiment génial, j’ai eu beaucoup de chance de travailler avec Vahina.

Pour Mathias, que je trouve être un excellent acteur, il a vraiment réussi à s’approprier le personnage de Maurice de façon extraordinaire. Il a passé beaucoup de temps à Valensole, il a rencontré la famille de Monsieur Masse. Il a fait un vrai travail d’immersion sur place. C’était important pour moi qu’il rencontre la famille de Maurice Masse, pour qu’il comprenne l’impact que ça avait eu sur leur famille.

C’était assez drôle d’ailleurs, car la famille et les gens qui avaient connu Maurice lui trouvaient quelque chose de ressemblant, notamment dans le sourire. J’étais vraiment très content d’entendre ça. Pendant un bon moment, je n’arrivais pas à trouver mon Maurice, et c’est Vahina qui m’a parlé de Mathias. En voyant les photos, j’ai voulu le rencontrer, et durant le casting, c’était assez évident que c’était lui !

La famille de Maurice Masse a-t-elle vu le film ? Quelle a été leur réaction en découvrant cette adaptation de leur histoire ?

Oui, la famille a vu le film ! Pour Marie-Claude, la fille de Maurice, c’était un peu compliqué de savoir qu’on allait faire un film sur son père. Toute leur vie, ils ont été harcelés par les journalistes, ils avaient juste envie de vivre tranquillement. Alors là, faire un film de cinéma sur cette histoire, elle avait un peu l’impression de trahir la mémoire de son père.

D’un autre côté, elle ne voulait pas non plus empêcher un jeune réalisateur de faire un film, d’après ce qu’on m’a raconté. Ce qui est assez rigolo, c’est qu’avant la projection à Valensole, elle disait qu’elle ne voulait pas parler aux journalistes. Finalement, elle a été très touchée par le film. Elle trouvait qu’on avait finalement réhabilité Maurice, qui a bien souvent été traîné dans la boue avec cette histoire.

Elle a dit quelque chose de très beau : « la boucle est bouclée ». In fine, elle s’est prêtée au jeu des journalistes, alors qu’une semaine avant, elle ne voulait pas.

Il y a une photo que j’adore : c’est Sasha Gravat Harsch, qui incarne Marie-Claude, et la vraie Marie-Claude, qui se regardent dans les yeux. J’ai trouvé ça incroyable et très touchant !

Avec Valensole 1965, Dominique Filhol signe un premier long-métrage aussi audacieux que délicat, mêlant fidélité aux faits, sens du détail et fascination pour l’inexpliqué. En revisitant cette affaire qui continue de faire parler d’elle près de 60 ans plus tard, le réalisateur rend hommage à la mémoire de Maurice Masse, tout en invitant les spectateurs et spectatrices à s’interroger sur les mystères qui entourent notre monde. Un grand merci à Dominique Filhol pour son accueil chaleureux et pour cet échange aussi riche qu’inspirant. Valensole 1965 sort en salles ce mercredi 9 juillet — un film à ne pas manquer pour toutes celles et ceux qui aiment les histoires vraies, les phénomènes inexpliqués, et le cinéma profondément humain.

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Une renaissance en 4K pour un conte noir et mélancolique

Présenté à la Semaine de la Critique du Festival de Cannes 1993 (où il reçoit le Grand Prix), Cronos marque la première réalisation de Guillermo del Toro. Le film revient aujourd’hui dans une édition somptueuse, restaurée en 4K sous la supervision du cinéaste mexicain, à travers un combo Ultra HD – Blu-ray, accompagné d’un livret de 84 pages signé Rafik Djoumi.

Dans cette œuvre de jeunesse, l’empreinte de del Toro est déjà palpable : une fascination pour les monstres, un goût prononcé pour le réalisme magique, et une profonde tendresse pour les marginaux.

Un mythe vampirique réinventé

Le film suit Jesús Gris, antiquaire mexicain vieillissant, qui découvre un artefact mystérieux : l’horloge de Cronos, invention alchimique du XVIe siècle offrant jeunesse et immortalité, au prix d’une dépendance au sang humain. Devenu vampire malgré lui, il est traqué par un milliardaire malade et son neveu cruel, bien décidés à s’approprier cette source d’éternité.

Mais le cœur du récit réside dans la relation poignante entre Jesús et sa petite-fille Aurora, unique témoin de sa transformation. Sans un mot, la fillette incarne l’innocence face à la monstruosité, offrant une lecture émotionnelle rare dans le cinéma de genre.

Une mise en scène maîtrisée, entre horreur et humanité

Dès ce premier film, Guillermo del Toro impose une vision unique du fantastique. La caméra se fait fluide, les travellings lents instaurent une tension sourde, les décors urbains sombrent dans une atmosphère onirique. Loin des codes hollywoodiens du vampire, Cronos privilégie le corps qui se dégrade, la lente transformation, dans une veine plus proche de Cronenberg que de Blade.

Le symbolisme religieux se mêle aux images de décomposition. La musique de Javier Alvarez, envoûtante, rythme la descente aux enfers du personnage principal, interprété avec justesse par Federico Luppi (Le Labyrinthe de Pan). À ses côtés, Tamara Shanath, bouleversante sans dialogue, et Ron Perlman, déjà complice du réalisateur, campent des figures mémorables.

Un contenu inédit et passionnant pour les passionné·es

Cette édition collector de Cronos propose une plongée complète dans l’univers du film :

Sur le Blu-ray :

• Geometria (1987) : premier court-métrage de del Toro

• Entretien inédit 2024 entre Guillermo del Toro et Olivier Père (33 min)

• Anciens entretiens (2010) avec del Toro, Guillermo Navarro (chef op), Ron Perlman et Federico Luppi

• Deux bandes-annonces (originale et 2025)

• Diaporama visuel

• Livret de 84 pages écrit par Rafik Djoumi

Un ensemble riche et inédit, qui permet de contextualiser la genèse du film, et de mesurer à quel point Cronos est la matrice de toute la filmographie de del Toro, entre monstres et humanité.

Avec Cronos, Guillermo del Toro livrait à 28 ans un premier long-métrage impressionnant, où l’horreur côtoie la tendresse, et où le monstre devient miroir de l’humain. Cette réédition 4K en coffret collector, aussi élégante qu’exhaustive, permet de redécouvrir une œuvre fondatrice de l’un des plus grands réalisateurs de notre époque. À ne pas manquer, que vous soyez fan de vampires, de cinéma d’auteur ou d’objets cinéphiles à collectionner.

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L’arrivée de Sentry dans le MCU

Nous suivons au début du scénario Yelena, envoyée en mission à travers le monde pour effacer les traces de la société de Valentina Allegra de Fontaine. Cette dernière est en plein jugement, et si quelqu’un venait à découvrir ses expérimentations, elle pourrait tout perdre.

Cependant, cela ne convient plus à la sœur de notre défunte Veuve Noire. Elle préfèrerait se rendre utile autrement, notamment aux yeux du monde entier, et non plus dans l’ombre comme elle en a l’habitude. Sa cheffe lui confie alors une dernière mission : éliminer une personne qui tenterait de récupérer des preuves dans un centre de recherche. Sur place, elle trouve Ghost, sa cible. Ils sont ensuite rejoints par U.S. Agent et Taskmaster. Tous sont censés s’entretuer, envoyés par une seule et même personne : Valentina. Les dernières preuves, ce sont eux !

Tout ne se passe pas comme prévu. Dans cette salle censée leur servir de cimetierre, ils réveillent un homme : Robert Reynolds. Un jeune homme ayant participé au projet Sentry de Valentina.

Valentina découvre l’existence de cette expérience supposée échouée, et tente de rallier Sentry à sa cause. Mais ce dernier a deux personnalités : l’une bienveillante, l’autre, surnommée Void, est une entité maléfique. Les quatre anti-héros seront rejoints par Bucky Barnes et Red Guardian. Ensemble, ils forment les Thunderbolts et devront affronter Void et déjouer les plans de Valentina.

Une production plus sombre

À mi-chemin entre Suicide Squad et Captain America: The Winter Soldier, Thunderbolts opte pour une ambiance plus sombre et réaliste, avec des personnages confrontés à leurs démons intérieurs autant qu’à des menaces extérieures.

Malgré les vannes de Red Guardian, le scénario aborde des thèmes sérieux. On y traite notamment de la santé mentale, via le personnage de Sentry, qui incarne un héros en proie à une détresse psychologique profonde. Le film met en lumière l’importance de parler, de s’entourer des bonnes personnes et de ne pas laisser ses démons intérieurs nous dévorer.

Yelena, de son côté, tente de se reconstruire. Entre un père absent et des collègues sourds à ses besoins, elle sombre dans l’alcoolisme et la dépression. Sa trajectoire nous rappelle à quel point il est difficile de se faire entendre et respecter lorsqu’on cherche à changer.

Lewis Pullman casse l’écran

Le casting de Thunderbolts réunit une galerie de personnages familiers du Marvel Cinematic Universe, incarnés par des acteurs et actrices déjà bien établis dans la franchise. Florence Pugh reprend son rôle de Yelena Belova, la redoutable espionne et sœur adoptive de Natasha Romanoff. À ses côtés, Sebastian Stan revient en tant que Bucky Barnes, alias le Soldat de l’Hiver, l’un des rares membres au passé de véritable Avenger. 

Le Red Guardian, joué par David Harbour, apporte une touche d’ironie soviétique, tandis que Wyatt Russell endosse à nouveau le rôle controversé de John Walker / U.S. Agent, présenté dans la série The Falcon and the Winter Soldier. Hannah John-Kamen revient dans la peau de Ghost, la mystérieuse antagoniste de Ant-Man and the Wasp, et Olga Kurylenko retrouve son rôle de Taskmaster, révélée dans Black Widow. 

À la tête de cette équipe instable, on retrouve Julia Louis-Dreyfus dans le rôle de Valentina Allegra de Fontaine, une manipulatrice de l’ombre dont les intentions restent encore floues.

Mais c’est Lewis Pullman, dans le rôle de Sentry, qui crève l’écran. Il incarne avec brio un héros torturé, à la fois puissant, drôle et extrêmement vulnérable. Mention spéciale également aux effets spéciaux qui donnent vie à Void, une créature aussi terrifiante qu’impressionnante.

De bonnes scènes d’action

Bien qu’elles se fassent rares, les scènes de combat sont soignées, avec une chorégraphie martiale digne des grandes productions estampillées Marvel.

On y trouve également de nombreuses références, comme ce combat dans un couloir où Yelena affronte plusieurs hommes, en clin d’œil à sa sœur dans Iron Man 2.

Mais la scène la plus marquante reste le premier combat de Sentry. Si vous ne connaissez pas le personnage, vous découvrirez alors toute sa puissance.

Une bande originale orchestrale et expérimentale signée Son Lux

La bande originale de Thunderbolts s’annonce aussi audacieuse que ses protagonistes. Hollywood Records a officialisé la sortie de la bande-son du film Marvel Studios, signée par le groupe Son Lux, nommé aux Oscars pour leur travail sur Everything Everywhere All At Once. Disponible dès maintenant sur les principales plateformes de streaming comme Spotify, Apple Music et YouTube Music, cet album original explore des sonorités orchestrales avant-gardistes.

« Thunderbolts représente pour nous un retour aux sources et une expansion », a déclaré Son Lux dans un communiqué.

En collaboration avec le London Contemporary Orchestra, le trio a enregistré plusieurs sessions à Abbey Road Studios, donnant naissance à une musique expérimentale, manipulée et transfigurée, en parfaite harmonie avec l’esprit rebelle et tourmenté des anti-héros du film. Les fans de vinyles ne sont pas oubliés : une édition limitée en vinyle translucide jaune (1 LP, 22 titres) est déjà disponible en précommande et sortira cet été.

Des défauts persistants malgré une vraie volonté de renouveau

Si Thunderbolts surprend agréablement par son approche plus humaine et introspective, le film n’échappe pas à certains travers typiques du MCU. Le plus visible reste son rythme inégal, résultat probable de remaniements successifs au stade du scénario et du montage, qui laissent certains arcs narratifs à l’état d’ébauche.

Plusieurs personnages sont ainsi sous-exploités, à commencer par Ghost, reléguée au rang de figurante sans réelle évolution, et John Walker, dont la tension passée avec Bucky Barnes est à peine effleurée. Même Sebastian Stan, pourtant central dans l’imaginaire du MCU, semble en retrait face à une Yelena Belova omniprésente, certes incarnée avec brio par Florence Pugh, mais qui absorbe presque toute la lumière.

Toutefois, Thunderbolts reste l’une des meilleures productions de la phase 5. Sans bouleverser le genre, le film se distingue par une approche plus humaine, une direction artistique affirmée et un message fort. Le MCU est-il sur le chemin du renouveau ? Verdict le 23 juillet avec Les Quatre Fantastiques.

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Une surprise inattendue

Dans Zion, nous suivons Chris, un jeune homme vivant dans une cité de Guadeloupe. Petit trafiquant, passionné de moto et de vie nocturne, il est repéré par Odell, un caïd d’un quartier voisin, qui lui propose un job simple : effectuer deux livraisons.

Mais tout bascule. Le lendemain matin, quelqu’un sonne à sa porte. En ouvrant, personne. Seulement un sac, et à l’intérieur… un nourrisson accompagné d’une pancarte : « Ton bébé. »

Chris va alors tenter de découvrir qui est la mère, tout en devant accomplir les missions pour Odell – un homme qu’on ne peut pas se permettre de décevoir. Mais les choses tournent mal : il se retrouve poursuivi par Odell et une bande rivale.

Il devra alors prendre ses responsabilités, en tant que père potentiel et habitant d’un quartier défavorisé, dans un scénario intense, humain et bouleversant.

Un casting cinq étoiles pour des premiers rôles

Ce qui est impressionnant dans ce film, c’est qu’une grande partie du casting fait ses armes dans ce film. Chris est interprété par Sloan Decombes, le jeune homme a déjà tourné dans une série et un téléfilm. Ici, il incarne un jeune homme un peu perdu qui va vite comprendre que chaque acte a des conséquences. Une interprétation touchante et surtout réaliste. Effectivement, les événements font que Chris sera pourchassé par plusieurs personnes dangereuses.

À l’inverse des autres productions où le héros, qui n’est personne, parvient à s’en sortir en tuant tout le monde, ici le protagoniste ne tue pas. Il a peur, il est stressé. Quand il a une arme en main, il tremble. Il n’est pas fait pour ce genre de vie et il le sait. C’est ce que j’apprécie dans le traitement du personnage : c’est assez réaliste, la plupart des personnes auraient les mêmes réactions. On s’identifie rapidement à ce jeune homme dont la vie va basculer.

Côté antagoniste, on retrouve Zebrist, qui campe Odell, le grand du quartier qui va contacter Chris. Pour sa part, c’est son premier rôle, je l’ai trouvé très convaincant. Ce n’est pas le méchant le plus flippant de l’histoire, mais on sent que son personnage est un bandit. Un bandit qui sait être touchant, notamment avec la scène où il parle à sa fille. On se rend compte que c’est un homme comme les autres et qu’il fait ce qu’il peut pour s’en sortir.

En revanche, celui qui fait vraiment peur, c’est Tidog. Un chef de bande d’un quartier voisin. Lui, il n’est pas là pour rigoler. C’est Don Snoop qui campe le personnage, un rappeur guadeloupéen dont je ne peux que vous recommander la musique. Il est lui aussi dans son premier rôle, et il est extrêmement convaincant. Durant l’avant-première, il a été acclamé par les spectateurs et spectatrices.

On peut saluer le reste du casting : Philippe Calodat (le père de Chris), Axelle Delisle (la voisine de Chris), ou encore Youri Christophe (le meilleur ami de Chris). Ils incarnent des personnages très différents, mais qui se ressemblent en un point : ils essaient tous de survivre à la misère palpable sur l’île.

Un cinéma encore trop peu visible dans l’Hexagone

Longtemps relégué aux marges de la diffusion nationale, le cinéma antillais semble aujourd’hui amorcer un retour en force, incarné par la sortie rapprochée de Magma, Fanon et Zion dans les salles de l’Hexagone entre mars et avril 2025. Cette visibilité inédite suscite l’espoir d’une reconnaissance plus large, bien au-delà des frontières ultramarines. Pourtant, cette émergence soulève aussi la question de la représentation : pourquoi faut-il attendre un « télescopage » rare de sorties pour que les récits antillais trouvent une place sur les écrans français ?

Le manque d’accès à la distribution, les financements limités et une méfiance persistante des exploitants face à un cinéma encore perçu comme « de niche » freinent son développement. Et pourtant, les succès passés comme Rues Cases-Nègres ou Nèg Maron ont démontré l’existence d’un véritable appétit pour ces histoires. Aujourd’hui, à travers des œuvres authentiques comme Zion, entièrement tourné en créole avec des comédiens guadeloupéens, une nouvelle génération de cinéastes entend non seulement raconter leur territoire, mais aussi inscrire les Antilles dans la diversité du cinéma français. Reste à espérer que cette dynamique ne soit pas une exception, mais le début d’un changement durable.

Un film poignant et engageant

La misère, c’est un des messages que nous fait passer le film. Les territoires d’outre-mer français traversent des temps plus que compliqués. Des quartiers extrêmement défavorisés où le trafic de drogue et la violence règnent en maître. Des appartements miteux, des bâtiments en mauvais état. Un accès à l’eau difficile, les habitants sont parfois obligés de se laver avec des bouteilles, car les douches et robinets ne donnent rien.

La violence est omniprésente, les rixes entre bandes rivales sont nombreuses, tout comme les affrontements avec la police. Les bavures policières font aussi partie du quotidien des Antillais. Dans le film, la mère de Chris a d’ailleurs été tuée par la police lors du carnaval.

La hausse de prix est aussi bien représentée, un problème souvent pointé du doigt par les Antillais sur les réseaux sociaux. Des denrées alimentaires basiques à des prix faramineux. Durant le scénario, on peut voir plusieurs personnes se plaindre des prix de certains produits dans l’épicerie du père de Chris.

À côté de cela, les privilégiés vivent dans de grands bâtiments, bien éclairés et sans les problèmes du peuple.

En plus de nous offrir un scénario intense et intéressant, Nelson Foix nous tire aussi un portrait des Antilles des plus compliqués. Le film dépeint sans détour les difficultés sociales auxquelles font face de nombreux habitants des Antilles, tout en mettant en lumière leur résilience et leur solidarité.

Briser les clichés

Avant la diffusion du film, Nelson Foix et les acteurs ont partagé avec le public un aperçu de l’aventure humaine et artistique qu’ils ont vécue. Le réalisateur a expliqué sa volonté de réaliser ce film, mais surtout les sujets qu’il souhaitait aborder. À travers Zion, il s’est attaqué à un cliché profondément ancré dans la représentation des Antilles : l’image du père absent. Et il le fait avec justesse, aussi bien dans la mise en scène que dans l’évolution des personnages.
ATTENTION SPOILER

Au début du film, Chris se retrouve subitement avec un nourrisson à charge, abandonné devant sa porte dans un sac cabas. Tout au long du film, il transporte ce bébé comme s’il s’agissait d’un simple sac de courses — une image marquante qui donne lieu à plusieurs moments à la fois cocasses et touchants. L’une des scènes les plus drôles est d’ailleurs celle où Chris, interpellé par la police, explique qu’il transporte son enfant ainsi parce que la poussette est cassée.

Chris garde l’enfant caché. Il le sort uniquement pour le nourrir ou le faire dormir, ne le montrant qu’à ses proches, comme s’il avait honte de cette paternité soudaine. À la fin de l’histoire, on découvre que Lucie — et non une ancienne conquête, mais l’une de ses clientes — est celle qui a laissé le nourrisson devant sa porte. Vivant dans un squat, addicte à la drogue et sans ressources, elle se sait incapable d’élever l’enfant. La scène où elle explique à Chris qu’elle ne peut pas s’occuper de son fils est d’une intensité bouleversante. L’actrice Lucile Kancel a confié après la projection avoir dû puiser très profondément en elle pour incarner cette scène.

Alors que Chris a passé tout le film à cacher cet enfant qu’il croyait être le sien, le plan final est d’une force symbolique énorme : il quitte le squat, l’enfant dans les bras — non plus dissimulé, mais visible aux yeux de tous. Fini la honte, il assume enfin ce rôle de protecteur, même s’il ne s’agit pas de son propre fils. On le suit dans les rues de la Guadeloupe, portant Zion avec fierté, prêt à l’élever dans ce monde dur, mais avec une nouvelle force.

Cette avant-première était une excellente soirée, organisée par Brown Sugar au Grand Rex. Nous avons eu le droit à deux DJ Set avec les meilleurs sons des Antilles et afro. Avoir le retour direct des acteurs et actrices du film était très touchant, certains ont même versé leur petite larme. Nelson Foix et son équipe signent un chef-d’œuvre qui incarne la richesse d’un cinéma antillais encore trop peu visible sur les écrans hexagonaux. Alors pour que les choses changent, foncez voir Zion en salle !

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Un nouveau logo et une date pour Avengers: Doomsday

Avant même d’entrer dans le cœur des annonces, Marvel Studios a profité de l’occasion pour dévoiler le nouveau logo officiel d’Avengers: Doomsday. Plus sobre et épuré que l’ancienne version, il divise déjà les fans, certain·es regrettant l’esthétique plus imposante du précédent. Une chose est sûre : le film sortira entre fin avril et début mai 2026, et s’annonce comme l’un des plus grands rassemblements de super-héros et super-héroïnes jamais vus à l’écran.

Le retour des piliers du MCU

Côté casting, Marvel a confirmé le retour de plusieurs figures emblématiques :

• Chris Hemsworth reprendra son rôle de Thor, fidèle au poste depuis le tout premier Avengers.
• Anthony Mackie incarnera Sam Wilson / Captain America, après son passage en tête d’affiche dans Captain America: Brave New World.
• Sebastian Stan sera lui aussi présent dans la peau de Bucky Barnes / Le Soldat de l’Hiver.
• Letitia Wright reprendra son rôle de Shuri / Black Panther.
• Paul Rudd reviendra en Ant-Man.
• Florence Pugh sera Yelena Belova, après ses apparitions dans Black Widow et Thunderbolts.
• Tom Hiddleston fera son grand retour en Loki, après le final multiversel de la saison 2 de la série Disney+.
• Tenoch Huerta Mejía reviendra en Namor, découvert dans Black Panther: Wakanda Forever.
• Winston Duke reprendra le rôle de M’Baku.

Les Quatre Fantastiques et le multivers en renfort

Le film Les Quatre Fantastiques: First Step, prévu pour juillet 2025, introduira officiellement de nouveaux personnages, qui seront déjà présents dans Avengers: Doomsday :

• Vanessa Kirby sera Sue Storm / la Femme Invisible.
• Joseph Quinn incarnera la Torche Humaine.
• Ebon Moss-Bachrach jouera La Chose.
• Et Pedro Pascal prêtera ses traits à Reed Richards / Mr. Fantastic.

L’escouade Thunderbolts bien représentée

Alors que Thunderbolts sortira en 2025, Marvel mise clairement sur la continuité. Plusieurs membres du film feront la transition vers Doomsday :

• Wyatt Russell sera de retour en US Agent.
• David Harbour reprendra son rôle de Red Guardian.
• Hannah John-Kamen incarnera Ghost.
• Danny Ramirez, vu dans Falcon and the Winter Soldier, sera le nouveau Falcon.
• Lewis Pullman apparaîtra en Sentry, qu’il introduira dans Thunderbolts.
• Seule Taskmaster (Olga Kurylenko) manque à l’appel — un mystère qui alimente déjà les spéculations.

Des mutants cultes au rendez-vous

C’est la plus grosse surprise des annonces : Avengers: Doomsday intègrera officiellement plusieurs X-Men issus des anciens films de la Fox :

• Patrick Stewart revient en Professeur Charles Xavier.
• Ian McKellen reprendra son rôle iconique de Magneto.
• Alan Cumming sera Diablo.
• Rebecca Romijn redeviendra Mystique.
• James Marsden reprendra le costume de Cyclope.
• Kelsey Grammer, déjà vu récemment dans The Marvels, sera Le Fauve (Beast).

Et cerise sur le gâteau : Channing Tatum incarnera enfin Gambit, après des années de rumeurs autour d’un film solo abandonné.

Et le méchant dans tout ça ?

Le grand antagoniste du film a également été confirmé : Robert Downey Jr. reviendra bien dans le MCU… mais pas dans le rôle d’Iron Man. Il incarnera Victor Von Fatalis / Doctor Doom, le véritable personnage central du film. Un choix audacieux et symbolique, qui marque une rupture dans l’ère post-Tony Stark.

Et les absent·es ? Des questions sans réponses

Malgré ce casting impressionnant, de nombreuses figures du MCU manquent à l’appel :

• Doctor Strange (Benedict Cumberbatch), pourtant pressenti pour être central dans le multivers.
• Captain Marvel (Brie Larson).
• Hulk (Mark Ruffalo).
• Spider-Man (Tom Holland), dont la présence semble quasi indispensable.
• Deadpool (Ryan Reynolds) et Wolverine (Hugh Jackman)

La prudence de Marvel laisse penser que des surprises seront gardées pour la sortie en salle, ou peut-être pour le film suivant : Avengers: Secret Wars, prévu en 2027.

Avec Avengers: Doomsday, Marvel Studios prépare un événement cinématographique d’une ampleur rarement atteinte, mêlant héros et héroïnes du MCU, mutants légendaires et nouvelles figures promises à un bel avenir. L’ambition est claire : unir tous les univers, en vue de l’apothéose que représentera Secret Wars. D’ici là, les spéculations vont bon train… et les fans comptent déjà les jours.

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