Une simulation immersive au service des transports

Sorti initialement en décembre 2019, Transport Fever 2 poursuit l’œuvre entamée par Train Fever et son successeur direct. Le titre d’Urban Games propose une simulation de transport complète, allant des calèches du XIXe siècle aux avions à réaction du XXIe. Vous êtes à la tête d’un empire du transport à bâtir de toutes pièces, dans un environnement visuellement proche d’un diorama vivant. Et le charme opère.

Malgré l’évolution graphique notable — grâce à un moteur maison — ce n’est pas par ses graphismes que Transport Fever 2 entend impressionner, mais par sa profondeur de gameplay. Routes, gares, ports, aéroports, tout doit être conçu avec soin pour alimenter villes et industries. Le jeu vous oblige à prendre en compte la topographie, la rentabilité des lignes, la consommation de carburant, ou encore les effets sur l’environnement. De quoi ravir les joueur·se·s les plus méticuleux·ses.

Des campagnes scénarisées pour apprendre et rêver

Le titre s’articule autour de deux modes de jeu : le mode campagne et le mode libre. Le premier sert à la fois de didacticiel et d’immersion historique, vous faisant revivre des époques clés telles que la révolution industrielle, la conquête de l’Ouest américain ou encore le décollage économique asiatique. Ces scénarios vous introduisent progressivement les mécanismes de jeu, tout en vous plongeant dans des contextes riches et dépaysants.

Le second mode, le jeu libre, est une véritable toile blanche. Vous y créez votre propre carte ou choisissez parmi trois climats (tempéré, désertique, tropical), décidez de l’année de départ, et composez avec les industries générées aléatoirement. Ce mode s’adresse clairement aux puristes, capables de passer des dizaines, voire centaines d’heures à peaufiner leurs réseaux interconnectés.

Une gestion macro et micro pensée dans les moindres détails

Le cœur de Transport Fever 2, c’est bien entendu sa gestion des flux de marchandises et de passagers. Chaque ville a des besoins spécifiques : nourriture, matériaux de construction, biens industriels. Chaque industrie, elle, nécessite des matières premières précises. Vous devez donc bâtir un réseau capable d’acheminer les bons produits aux bons endroits, dans les bons délais.

Cela implique de choisir entre train, camion, bateau ou avion, de planifier les trajets pour éviter les embouteillages, et d’optimiser les rotations de véhicules. Le système de construction permet une personnalisation très poussée des gares ou stations, et des tableaux de bord financiers vous aident à ajuster votre stratégie. Mais attention : le jeu reste exigeant, avec une interface parfois peu intuitive et des mécaniques complexes à maîtriser.

Une communauté active et un support aux mods exemplaire

Ce qui fait également la force de Transport Fever 2, c’est sa communauté passionnée et active. Grâce à une intégration parfaite du Steam Workshop, les joueur·se·s peuvent télécharger des centaines de véhicules supplémentaires, des bâtiments customisés ou même des cartes historiques fidèlement reproduites. De quoi offrir une durée de vie quasi infinie à un jeu déjà très généreux en contenu de base.

Le studio suisse Urban Games a d’ailleurs conçu le titre avec cette ouverture à l’esprit, en facilitant le modding dès la sortie. Les mises à jour régulières viennent également corriger les petits défauts techniques ou ergonomiques, comme la gestion de la caméra parfois capricieuse, ou les menus encore partiellement traduits.

Une simulation riche… mais pas sans lacunes

Si le contenu est dense, certains éléments laissent un goût d’inachevé. Transport Fever 2 ne propose aucun mode multijoueur, ni même une IA concurrente, ce qui peut rendre les longues parties un peu trop solitaires. On regrette aussi une simulation économique trop légère, avec peu d’enjeux financiers ou de pression extérieure, contrairement à des classiques du genre comme Railroad Tycoon.

Enfin, quelques fonctionnalités de construction manquent encore de souplesse, avec une pose de rails parfois laborieuse, des bâtiments dont la rotation reste contraignante, ou des menus peu explicites pour les débutant·e·s. Un guide plus approfondi aurait permis d’abaisser la courbe d’apprentissage, surtout en mode libre.

Transport Fever 2 est une véritable déclaration d’amour au transport et à la planification. Il s’adresse à une niche bien précise de joueur·se·s : celles et ceux qui aiment prendre le temps, réfléchir, expérimenter, et optimiser chaque centimètre carré de leurs cartes. Le titre n’est pas parfait, mais il est profond, généreux et soutenu par une communauté solide. Ce n’est pas un jeu à consommer rapidement, mais une expérience de longue haleine, presque méditative, que l’on construit ligne après ligne, moteur après moteur. Pour les passionné·e·s de gestion, c’est un incontournable.

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Le retour du ninja

L’histoire reste classique, fidèle aux codes de la saga : Joe Musashi revient chez lui pour découvrir son village réduit en cendres et son clan transformé en pierre. Cette situation, bien que traditionnelle, sert de prétexte idéal à une aventure centrée sur la vengeance et l’action. Fidèle à la tradition du héros silencieux, Joe ne parle pas, mais grogne, et certains PNJ ou ennemis réagissent à ses murmures ou grognements, offrant un petit humour discret qui tranche avec la gravité de sa quête. Ce petit détail permet au jeu de conserver un esprit old-school tout en y ajoutant un clin d’œil moderne et malicieux.

Dès les premières minutes, on comprend que Shinobi mise avant tout sur l’action et la maîtrise des techniques du ninja. Chaque niveau, chaque affrontement, chaque secret découvert rappelle que l’exploration et le combat sont intimement liés, et que la progression du joueur est au cœur de l’expérience.

Un gameplay riche et nerveux qui transforme Joe Musashi en virtuose

Lizardcube a élargi de manière impressionnante le panel de mouvements de Joe Musashi. Double saut, dash au sol et dans les airs, wall-jump, roulade, attaque verticale ou plongeante, grappin et enchaînements aériens… Chaque mouvement s’intègre avec fluidité dans le gameplay et laisse rapidement la place à l’expression personnelle du joueur. Les combats deviennent un ballet technique où l’on enchaîne combos et finish moves avec un plaisir constant, que ce soit contre des ennemis isolés ou face à des groupes plus nombreux.

Les Ninpôs et Ninjutsus viennent enrichir le système de combat, apportant un aspect stratégique supplémentaire. L’exécution, déclenchée lorsque la jauge des ennemis est remplie, permet de finir un adversaire de manière spectaculaire, de régénérer de la vie ou de libérer l’écran de plusieurs ennemis à la fois. Bien utilisée, cette mécanique ajoute une dimension tactique aux combats et récompense la patience et le timing. Mais elle peut aussi être capricieuse : un finish mal placé ou une téléportation involontaire peuvent transformer un combat en moment frustrant, rappelant que la précision reste le maître mot.

Les sensations de progression sont ainsi particulièrement marquées dans Shinobi: art of vengeance. Les combos et les enchaînements réussis procurent une vraie satisfaction, et le sentiment de maîtrise grandit au fil du jeu. La prise en main est instinctive, et le gameplay, même complexe, reste accessible tout en offrant une profondeur appréciable pour les joueurs exigeants.

Exploration et rejouabilité au service du 100 %

Shinobi: Art of Vengeance s’inscrit dans une logique semi-Metroidvania. Chaque niveau est découpé en grandes zones aux multiples embranchements, avec des secrets, des coffres et des défis secondaires comme les Escouades d’élite (des combats spéciaux contre des groupes d’ennemis offrant récompenses et améliorations) ou les Brèches de l’Ankou (des zones optionnelles particulièrement difficiles où l’on teste ses compétences de ninja). Ces éléments incitent à revenir sur des zones déjà explorées pour débloquer des objets, des compétences et des améliorations.

Le jeu simplifie grandement la revisite des niveaux : il est possible de se téléporter à n’importe quel point de sauvegarde et de sortir d’un niveau instantanément. Cette liberté permet de poursuivre ses objectifs secondaires sans frustration et rend la quête du 100 % particulièrement plaisante. Les compétences débloquées — grappin, poing canon, griffes — ouvrent de nouveaux chemins, donnant un réel plaisir d’exploration et renforçant l’impression que chaque niveau cache davantage qu’il n’y paraît au premier passage.

Malgré cette richesse, le level design n’échappe pas à quelques longueurs et répétitions. Les séquences d’interrupteurs ou les puzzles peuvent se succéder de manière un peu scolaire, et certaines sections en scrolling forcé manquent de précision ou d’originalité. Cependant, la liberté de naviguer entre les points de sauvegarde et de revisiter les niveaux à volonté atténue ces défauts, et la rejouabilité reste un vrai point fort.

Boss et combats majeurs

Les boss sont présents tout au long de l’aventure et ajoutent de vrais pics de tension et de challenge. Leur intérêt et leur qualité de design sont assez inégaux : certains sont très réussis, offrant des patterns variés et des combats plaisants, tandis que d’autres paraissent plus anecdotiques ou répétitifs. Néanmoins, même ces derniers permettent de tester ses réflexes et sa maîtrise des techniques de Joe Musashi. Globalement, les affrontements de boss apportent des moments mémorables, ponctuant l’aventure et donnant un sentiment d’accomplissement quand on parvient à les vaincre.

Des combats nerveux et une difficulté qui exige la maîtrise

Les affrontements restent le cœur de l’expérience. Les combats contre un petit nombre d’ennemis sont particulièrement gratifiants : lisibles, fluides et techniques, ils permettent de tester et d’affiner ses combos. La difficulté, bien que généralement juste, peut parfois sembler capricieuse : certains ennemis combinés ou certains boss imprévisibles exigent patience et précision.

Les réglages de difficulté et les options d’accessibilité sont particulièrement bien pensés, permettant à chacun d’adapter l’expérience selon ses envies. Chaque combat est l’occasion de jongler avec les techniques disponibles et de tirer parti des Ninpôs, Ninjutsus et exécutions pour transformer l’action en un véritable spectacle stratégique.

Une direction artistique soignée et immersive

La 2D est superbe, fluide et pleine de détails. Le style bande dessinée donne une vraie identité visuelle à l’ensemble et rend hommage à la saga tout en la modernisant. Les calques d’arrière-plan accentuent la profondeur et la lisibilité générale est bonne, même si certaines zones ou certains boss paraissent parfois moins nets.

La bande-son, composée par Tee Lopes et Yūzō Koshiro, accompagne parfaitement l’action et participe à l’immersion. Les thèmes s’adaptent à chaque situation sans rupture de ton, renforçant la sensation de vivre une aventure cohérente et maîtrisée.

Shinobi: Art of Vengeance réussit pleinement son pari. Il modernise la série tout en respectant son héritage, offrant un gameplay riche, nerveux et gratifiant, des combats techniques et un système d’exploration qui encourage à revenir sur chaque niveau pour tout découvrir. Les boss variés, la liberté de revisiter les niveaux à tout moment, ainsi que les défis secondaires comme les Escouades d’élite ou les Brèches de l’Ankou renforcent l’expérience et assurent une rejouabilité exceptionnelle. Les longueurs, quelques répétitions ou défauts mineurs de lisibilité ne suffisent pas à ternir l’expérience. Joe Musashi retrouve ses lettres de noblesse et prouve que, même après des décennies, un ninja peut toujours surprendre et captiver. Pour les nostalgiques comme pour les nouveaux venus, c’est un retour réussi et enthousiasmant.

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Un retour épique sur l’arc de l’Entraînement des piliers

SEGA a frappé fort ce 28 juillet en levant le voile sur une nouvelle bande-annonce de The Hinokami Chronicles 2, centrée cette fois sur l’un des arcs les plus emblématiques du manga : l’Entraînement des piliers. Cet arc, charnière dans l’intrigue de Demon Slayer, voit nos pourfendeurs et pourfendeuses de démons se confronter à eux-mêmes et à leurs limites aux côtés des plus puissants piliers du Corps des pourfendeurs.

La bande-annonce propose une relecture intense des événements passés, allant des débuts de Tanjiro jusqu’à ce segment crucial, tout en offrant des séquences de gameplay dynamiques et stylisées, qui devraient ravir les fans du premier opus. Le mode VS y est particulièrement mis à l’honneur, révélant quelques-unes des mécaniques de combat retravaillées et les visuels toujours aussi fidèles à l’anime.

Découvrez la bande-annonce officielle sur YouTube :

Un casting qui s’étoffe et du contenu post-lancement prometteur

Outre cette vidéo, SEGA a profité de l’occasion pour faire plusieurs annonces majeures :

• Un Character Pass dédié au long-métrage Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Movie: Infinity Castle est prévu après la sortie du jeu. De quoi prolonger l’expérience pour les joueurs et joueuses qui souhaitent revivre les affrontements les plus intenses de la série.

• Le redoutable Muzan Kibutsuji, principal antagoniste de l’œuvre, sera jouable en mode VS dans le cadre d’une mise à jour gratuite disponible peu après le lancement du jeu.

Ces annonces montrent clairement la volonté de SEGA et de CyberConnect2 de faire évoluer le titre dans la durée, en suivant la progression de l’anime et du manga.

Une suite très attendue par les fans

The Hinokami Chronicles 2 s’inscrit dans la continuité du premier opus, qui avait conquis la communauté avec plus de 4 millions d’exemplaires vendus (versions physiques et numériques combinées). Cette suite promet plus de contenu, une fidélité encore plus marquée à l’œuvre originale, et des mécaniques de combat enrichies.

Le titre sortira officiellement le 5 août 2025 sur :

• Nintendo Switch

• PlayStation®5 / PlayStation®4

• Xbox Series X|S / Xbox One

• Steam®

Les joueurs et joueuses ayant précommandé le jeu pourront accéder à l’accès anticipé dès le 1er août, avec divers bonus à la clé. Le site officiel du jeu propose tous les détails sur les éditions disponibles, les personnages jouables et les options multijoueur.

Avec cette nouvelle bande-annonce, SEGA prépare habilement le terrain pour un lancement très attendu. Entre le retour de l’arc de l’Entraînement des piliers, l’arrivée de nouveaux personnages jouables, et un contenu post-lancement solide, The Hinokami Chronicles 2 s’annonce comme l’un des titres phares de cet été pour tous les fans de Demon Slayer, qu’ils soient joueurs occasionnels ou compétitrices aguerries. Restez à l’écoute : les prochaines semaines devraient encore nous réserver de belles surprises du côté de l’univers de Tanjiro et Nezuko.

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Votre objectif, sauver l’humanité

La cupidité a eu raison de notre espèce : une extinction a eu lieu, et il ne reste plus que quelques humains. Vous incarnez Zoé, une femme robotique qui a perdu la mémoire. Alors qu’elle erre à la recherche de son père, seule piste pour retrouver ses souvenirs, elle fait la rencontre de S4VI, une intelligence artificielle conçue par son père. Ensemble, ils vont tenter de sauver ce qu’il reste de l’humanité.

À travers quatre niveaux au level design bien ficelé, vous devrez retrouver les enregistrements de votre père et les rapporter à votre nouvel allié. Mais attention : une armée de robots tueurs – avec des aptitudes variées – se dresse sur votre route. Heureusement, vous n’êtes pas seule : Koby, votre petit drone, sera toujours là pour vous prêter main-forte.

Un monde semi-ouvert réussi

Ces quatre niveaux vous font découvrir des régions variées et souvent envahies par des infrastructures métalliques dignes des films Star Wars. L’inspiration de la saga de George Lucas est palpable : l’arme de Zoé ressemble à un sabre laser, et sa relation avec Koby, qui s’exprime par de petits bips, évoque clairement celle de Luke Skywalker et R2D2.

Vous pouvez vous déplacer librement dans ces régions grâce aux capsules de téléportation, et revenir dans les zones déjà visitées pour atteindre les 100 %. Il y a de quoi faire : drones à détruire, journaux pour enrichir le lore, et collectibles en tout genre.

Le level design est remarquable. Vous évoluez dans une usine gigantesque, faite de blocs de métal, de réacteurs, de câbles entremêlés, mais aussi de lacs ou jardins luxuriants dans certaines zones. Cette immensité impressionne, et Zoé et Koby semblent minuscules au cœur de cette architecture démesurée.

Zoé et Koby contre les machines

Zoé est équipée d’un sabre pour éliminer ses adversaires. Dans les capsules, vous pouvez vous soigner et dépenser des ressources contre des points de compétence. Le jeu alterne entre action et infiltration : au départ, vous n’avez aucune compétence, et il faudra privilégier la discrétion.

Mais plus vous avancez, plus vous débloquez des capacités en infiltration, utilitaires et en combat : contre-attaques, attaques sautées, capacités ultimes… À la fin du jeu, vous pouvez devenir une combattante redoutable.

Koby est indispensable : il permet d’ouvrir des passages, mais aussi de tuer des ennemis discrètement, de créer des diversions, ou encore des champs de glitch pour vous dissimuler. En dépensant judicieusement vos points, vous pouvez créer un gameplay hybride combat/discrétion très efficace.

Le jeu propose aussi des améliorations esthétiques : tenues pour Zoé, skins pour Koby. Aucune incidence sur le gameplay, mais c’est toujours plaisant de pouvoir personnaliser ses compagnons d’aventure.

Un titre splendide mais entaché par des bugs

Visuellement, Steel Seed est magnifique. Malgré un univers sombre, les décors sont splendides, et les cinématiques impressionnent. La bande-son est réussie, mais la version française déçoit un peu par le manque d’émotion dans le doublage, même si les échanges avec Koby apportent parfois de vrais moments de tendresse.

Mais le point noir, ce sont les bugs trop nombreux. En une dizaine d’heures de jeu, je me suis retrouvée bloquée dans le décor à plusieurs reprises. La seule solution ? Recharger le dernier point de sauvegarde. Quand on vient de passer plusieurs minutes à planifier une approche discrète, c’est très frustrant.

Steel Seed est un bon jeu, un savant mélange d’infiltration et d’exploration, porté par un univers fort, des personnages attachants, et un gameplay bien pensé. En mode normal, le challenge est présent, et un mode plus difficile est proposé aux joueurs et joueuses aguerris. Il aurait pu être excellent sans ces bugs récurrents. Un titre touchant, visuellement impressionnant, mais qui mérite quelques patchs pour briller pleinement.

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Une histoire au second plan

Comme dans beaucoup de jeux de survie, ce titre ne propose pas une histoire principale très riche. Le lore de l’univers est un peu plus développé grâce aux discussions avec les PNJ et aux notes disséminées un peu partout.

Vous vous réveillez dans un bunker, sans savoir qui vous êtes ni ce que vous faites là. Pas de création de personnage, ce dernier n’a pas de voix, et vous choisissez vos répliques via un système de choix multiples basés sur les émotions. À votre réveil, un homme blessé en combinaison radioactive vous demande de trouver l’Échangeur, l’endroit où tout ce bazar a commencé. Il vous laisse une carte qui permet d’ouvrir les bunkers, et vous pouvez alors commencer à explorer.

Le but d’Atomfall est assez simple : fuir la zone. Pour ce faire, vous avez plusieurs choix et donc plusieurs fins. Un total de six fins différentes, un bon moyen d’accroître la durée de vie, car il est possible de finir le jeu en moins de cinq heures. Il y a d’ailleurs un succès dédié à cet exploit.

Une survie portée sur l’exploration

Atomfall propose plusieurs niveaux de difficulté. Ce qui est original, c’est que la difficulté n’agit pas uniquement sur les combats. Le jeu vous propose d’explorer une vaste zone divisée en quatre régions, sans réelle indication de ce que vous devez faire. Vous pouvez tout de même choisir un niveau qui facilite la narration, avec des points de navigation pour accomplir plus facilement les quêtes.

Le mode normal trouve un bon équilibre entre combats et exploration. Pas de points de navigation, il faudra donc enquêter et fouiller pour trouver les personnages qui proposent des missions, et dénicher les lieux dignes d’intérêt. À ce niveau, le titre est assez réussi : il pousse à l’erreur comme à la découverte.

Vous avez à disposition quatre régions distinctes : une forêt peuplée de druides armés de serpes et de poison, une zone sous haute protection militaire remplie de robots surpuissants, ou encore l’Échangeur, un endroit mystérieux et dangereux.

Survivre : l’art de la débrouillardise

Jeu de survie oblige, vous allez devoir crafter armes et objets pour vous sortir de toutes sortes de situations. Côté armes, vous disposez d’un arsenal assez complet, allant des armes de corps à corps aux armes à feu : pistolet, fusil d’assaut, fusil à pompe, etc. Les armes sont rouillées, et vous pourrez les améliorer pour les remettre à neuf. Cela ne signifie pas que vous allez rouler sur le jeu : les munitions sont rares.

Côté crafting, vous pouvez débloquer des recettes en faisant du troc avec les marchands ou en fouillant. Il est possible de fabriquer des médicaments, des bandages, ou encore des objets de lancer comme des grenades.

Le titre exige de la préparation et de la réflexion. L’inventaire est très limité. Si vous tombez à court de bandages ou de projectiles, vous pouvez en fabriquer pendant les combats, mais attention : le jeu ne se met pas en pause, les ennemis peuvent vous tuer pendant que vous vous réapprovisionnez. Il faut donc rester vigilant à chaque instant.

Évoluer dans la zone

Atomfall propose plusieurs arbres de compétences :

• Combat au corps-à-corps
• Combat à distance
• Survie
• Conditionnement

Il n’y a pas de système de niveau, ici vous devez trouver des capsules d’amélioration, à dépenser pour débloquer des points de compétence.

Ce qui est original, c’est que toutes les compétences ne sont pas disponibles dès le début. Une nouvelle fois, il faudra fouiller pour trouver des manuels de compétence qui déverrouilleront de nouvelles branches.

C’est un excellent système qui complexifie le jeu, car il ne vous donne pas accès à tout dès le départ. Certaines compétences masquées sont pourtant primordiales à votre survie, comme l’amélioration des armes à feu. Le titre nous pousse donc à une exploration approfondie pour profiter pleinement du potentiel d’Atomfall.

Quelques bugs et une IA légère

Malgré ses excellentes qualités, Atomfall possède quelques défauts. L’intelligence artificielle n’est pas des plus avancées : les ennemis vous visent sans jamais tenter d’avancer ou de mettre en place une véritable stratégie.

Autre point faible : quelques freezes et baisses de framerate ont été constatés pendant les parties. Rien de dramatique, cela n’entrave pas la progression, et ne nécessite pas de redémarrer le jeu. En revanche, quand cela arrive pendant un combat, c’est gênant.

En somme, Atomfall est un bon jeu de survie, une agréable surprise qui plaira sûrement aux fans du genre et de post-apocalyptique. Malgré une histoire reléguée au second plan, le jeu se rattrape avec un lore intéressant et une exploration poussée. Attention toutefois à l’optimisation, qui n’est pas à la hauteur des titres précédents de Rebellion Developments.

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Adieu Karl Fairburne

C’est l’un des changements majeurs de ce titre : on dit adieu à notre héros charismatique qui a forgé la saga. Harry Hawker, le nouveau personnage, laisse à désirer. Il est difficile de passer après le sniper emblématique de la licence, présent depuis 2005.

Sniper Elite: Resistance nous plonge au cœur de la guerre de l’ombre, loin des combats frontaux, dans une France occupée et en proie aux machinations du Reich. Ce nouvel opus, qui se déroule en parallèle aux événements de Sniper Elite 5, met en scène un agent du Special Operations Executive (SOE), déterminé à contrecarrer les plans nazis après la découverte d’une Wunderwaffe révolutionnaire.

Pour mener à bien sa mission, il devra collaborer avec la Résistance française et exploiter un large éventail de stratégies grâce à une liste d’objectifs variée, des points d’infiltration multiples et une liberté tactique inégalée.

La coopération sera également de mise, permettant aux joueuses et joueurs de vivre cette campagne intense en duo, en partageant armes, équipements et savoir-faire.

Un sniper et son fusil

Comme d’habitude, on retrouve l’attirail habituel de la licence : un fusil de précision, une arme de moyenne portée (mitraillette, fusil à pompe) et un pistolet. Toutes ces armes sont personnalisables : canon, crosse, chargeur, skin, etc. Pour ce faire, il faudra trouver les établis d’armes dispersés dans les zones de mission ou réaliser des défis, ce qui encourage la rejouabilité.

On retrouve également les mêmes équipements de survie : bandages et trousses de secours pour les moments compliqués, mines, grenades et autres explosifs pour poser des pièges ou foncer dans le tas.

Côté arbre de compétences, rien de nouveau non plus. Il y en a trois :

• Combat : permet de repérer les ennemis qui vous tirent dessus, de renvoyer les grenades ou de moins tressaillir durant les affrontements.
• Équipement : permet de transporter plus de gadgets et d’augmenter leur quantité.
• Physique : améliore la santé et l’endurance.

Le même contenu depuis des années

Vous l’aurez compris, si la campagne change de personnage et de lieu, la structure reste la même. On retrouve des maps ouvertes avec des objectifs secondaires et des collectibles à trouver. Ce qui, en soi, n’est pas une mauvaise chose : les huit cartes proposées sont plaisantes à explorer, les graphismes toujours aussi soignés, et le gameplay, avec sa fameuse caméra rayon X, reste jouissif. Calculer la trajectoire d’une balle en prenant en compte la gravité, le vent et le rythme cardiaque pour un tir parfait est toujours aussi satisfaisant.

Cependant, tout cela ressemble plus à une mise à jour qu’à un véritable nouvel opus. Plutôt que de sortir un jeu à 50 euros, Rebellion Developments aurait pu adopter une approche à la Hitman avec des nouveaux chapitres disponibles sous forme de DLC.

À côté de la campagne, on retrouve aussi les mêmes modes que dans Sniper Elite 5 :

• Mode Invasion : permet d’incarner un soldat nazi et d’envahir la campagne d’un autre joueur pour le traquer.
• Mode Survie : un classique du genre.
• Multijoueur : toujours là, avec les mêmes modes de jeu :
  • Chacun pour soi : match à mort classique.
  • Équipe : 8 vs 8.
  • Escouade : quatre équipes de quatre joueurs.
  • Pas de traversée : un mode original où les joueurs sont séparés sur la carte et doivent s’éliminer à distance.

La seule petite nouveauté réside dans les défis de propagande. Débloqués en trouvant des affiches dans la campagne principale, ils vous envoient sur une carte spécifique pour réaliser un maximum de kills avec une arme imposée.

Un épisode comme les autres

Sniper Elite Resistance n’est pas mauvais, mais il aurait très bien pu être un DLC de Sniper Elite 5, tant les changements sont minimes. Une recette qui fonctionne, certes, mais qui commence à lasser les joueurs et joueuses. Pourtant, le gameplay en lui-même est solide et efficace.

Il serait peut-être temps de moderniser un peu la licence et d’innover. Rien que le simple fait d’abandonner la Seconde Guerre mondiale après sept épisodes pourrait lui redonner un second souffle. Un Sniper Elite dans un contexte plus moderne, avec de nouvelles mécaniques de jeu, aurait sans doute plus de potentiel.

Les idées d’évolution sont nombreuses : une campagne spécialement conçue pour la coopération, des défis plus marquants, des missions plus dynamiques, etc.

Au final, Sniper Elite Resistance fait ce qu’il sait faire de mieux… mais ce n’est plus suffisant. Même l’OST est la même que dans l’opus précédent. C’est dommage, car avec un gameplay aussi solide, des cartes agréables à explorer et un jeu toujours aussi beau, il ne manquerait qu’un peu de fraîcheur pour que la licence retrouve tout son éclat.

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Symphonia ou l’importance de la musique

Créée par quatre musiciens exceptionnels, la majestueuse cité de Symphonia n’est plus que l’ombre de sa splendeur passée. Son peuple est en proie à la discorde, et la musique, autrefois essentielle à son éclat, s’est tue. Dans un ultime espoir, un automate se met en quête de rassembler l’orchestre légendaire, seul capable de redonner vie à la ville. Il retrouve ainsi Philémon, le plus talentueux violoniste de Symphonia, que le joueur incarne. La mission est alors évidente : réunir les autres musiciens afin de raviver la flamme de la cité.

Pour atteindre son but, Philémon va devoir arpenter quatre biomes à la direction artistique époustouflante, mais remplis de dangers. Symphonia se présente, en effet, comme un jeu de plateforme proche du Die and Retry. Dans le but d’affronter tous ces dangers, Philémon utilisera l’« arme » qu’il manipule le mieux : son violon. En effet, le héros de Symphonia est pacifiste et n’affrontera aucun ennemi, il se servira de son violon, ou plus précisément l’archet de son violon pour se déplacer.

En plus de pouvoir sauter plus haut et prendre de la vitesse en sautant sur son archer à la manière d’un Duck Tales, Philémon va rapidement pouvoir utiliser son archer de différentes manières afin d’avancer dans les biomes. Nous ne spoilerons pas les spécificités de gameplay que présente le jeu, mais Philémon pourra rapidement utiliser son archer dans divers buts. De plus, Philémon devra souvent utiliser son violon pour jouer un air pour débloquer plateformes et autres secrets. Loin de présenter l’originalité d’un Leap Year, par exemple, Sunny Peak propose un jeu de plateforme très classique, parfois frustrant, mais dans un écrin splendide.

Bonheur pour les yeux et les oreilles

L’un des premiers éléments qui marque lorsqu’on lance Symphonia pour la première fois est sa direction artistique. Le jeu est magnifique, les décors sont superbes et les animations des quelques personnages sont délicieuses. C’est bien simple, aucune ligne de dialogue n’est présente dans le jeu, malgré ça, son univers et son scénario (très simpliste) nous sont proposés d’une manière onirique rappelant parfois un film d’animation. Les différents biomes du jeu ont chacun leur ambiance particulière et certaines phases de jeu sont tout simplement sublimes.

Comme on pourrait s’y attendre pour un jeu mettant tant en avant l’importance de la musique, la bande originale de Symphonia est unique. Chaque mélodie du jeu est une composition originale des trois compositeurs Olivier Esman, Alexandre Bucas-Français et Lou Corroyer, interprétée et enregistrée spécialement pour le jeu par le Scoring Orchestra de Paris. L’ambiance sonore du jeu est donc particulièrement agréable et met en avant une première frustration du jeu : cette bande-son aurait pu être mieux intégrée au gameplay du jeu. Lorsqu’on a joué aux niveaux musicaux de Rayman Origins ou plus dernièrement de Super Mario Bros. Wonder, on peut sortir frustré de l’utilisation faite de cette magnifique bande-son.

L’importance de la précision du gameplay

Avec sa direction artistique unique, Symphonia est un jeu de plateforme extrêmement agréable dans les premières heures. Malheureusement, le jeu met rapidement en avant quelques points frustrants. Symphonia se présente sous la forme de tableaux très courts dans lesquels la mort n’est que très peu punitive. Un principe que nous connaissons bien depuis Super Meat Boy et autre Celeste, mais qui semble parfois mal maîtrisé dans Symphonia. Outre certaines imprécisions dans les hitboxs, le jeu gère parfois mal son rythme.

Dans un tableau mettant en avant des cycles, le retour à la vie est toujours « au pire moment ». Recommencer un tableau en avançant directement sera toujours fatal. Il faudra toujours attendre le cycle au départ de chaque essai. Cela peut paraître être un détail, mais dans un jeu exigeant dans lequel on meurt et donc recommence souvent, ce manque de précision est souvent frustrant. Certaines fonctionnalités sont par ailleurs gérées de manière étonnante.

Il est possible de débloquer des paramètres d’accessibilité dans Symphonia. Un double saut afin de faciliter certains tableaux en est un exemple. Bizarrement, ces paramètres se débloquent en découvrant des gouttes de mémoire, des collectibles particulièrement ardus à récupérer. Deux problèmes se présentent alors : je n’avais en premier lieu pas compris que c’était un paramètre d’accessibilité et pensais que c’était simplement un nouveau pouvoir de mon personnage. De plus, après avoir compris son principe, une question se pose : proposer un paramètre d’accessibilité à débloquer après avoir terminé les tableaux les plus durs du jeu a-t-il du sens ?

Le jeu est par ailleurs très court en ligne droite. En trois à quatre heures, il est possible de voir les crédits finaux pour la première fois. Si cette durée étonne au premier abord, elle cache une grande rejouabilité.

Un Metroidvania caché

Après avoir atteint les crédits finaux une première, j’ai été frustré de les atteindre si vite, mais surtout étonné : une impression d’avoir raté de nombreux passages. Symphonia est, en effet, un jeu à arpenter deux fois. Nombreux sont les lieux impossibles à atteindre lors de son premier passage et qui dévoilent finalement des tableaux afin de récolter tous les collectibles du jeu.

Outre ce deuxième passage quasi obligatoire pour découvrir les tableaux les plus ardus du jeu, Symphonia propose un mode Poursuite. Dans ce dernier, le joueur est invité à retraverser le jeu sauf que, cette fois, une ombre maléfique reproduit ses moindres faits et gestes, avec un délai. Une composante qui rappelle fortement Celeste et permet une nouvelle vision du jeu proche du speedrun en attendant le prochain Speedons. Dans le même esprit, un mode Hardcore se débloque après avoir fait preuve de persévérance dans la collecte des objets cachés. Avec un nombre de vies limité, ne pouvant être restaurées qu’à des points de passage espacés, le défi est une fois de plus au rendez-vous.

Exceptionnel dans la forme, que ce soit de par ses graphismes superbes ou sa bande-son unique, Symphonia est un jeu de plateforme finalement très peu original et quelque peu imprécis sur quelques points. Vendu, moins de 20 euros, le jeu reste agréable à arpenter et permet aux fans de jeu de plateforme exigeant de passer un bon moment.

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C’est pourtant, à l’origine, le projet d’une équipe minuscule, logée dans un établissement probablement fait de briques roses, à Toulouse. Julien Moya et Thomas Panuel baptisent ainsi en 2018 leur studio Rundisc avec un jeu multijoueur énervé, Varion, où 4 engins de rage s’entretuent dans un dédale de néons. Le rapport avec Chants of Sennaar ? En apparence, pas grand-chose. L’un est une bataille, l’autre un exercice de réflexion. Néanmoins, d’un labyrinthe à l’autre, d’une tour cyberpunk à une tour babylonienne, on semble mener un combat pas si lointain. Rundisc donne là deux approches de la rencontre avec l’autre : la guerre ou le dialogue. L’un emploie des armes de destruction massive, l’autre utilise le plus bel arsenal de l’humanité : le langage.

Archéologue des langues vivantes

Chants of Sennaar au cœur de l’altérité

Chants of Sennaar débute au saut du lit. Notre personnage se réveille, dans un lieu qui donne l’illusion d’être abandonné, à l’état de site archéologique. Ici des fresques décomposées, là des bouts d’écriture cunéiforme, tout porte à croire que le jeu annonce une fouille des temps anciens, plongé dans une solitude avec les disparus d’une époque lointaine. Et pourtant, la grande surprise (qui ne dure qu’une minute) est qu’il y a, plus loin, des endroits tout à fait habités, et plutôt que de ruines, il s’agit d’une tour bien vivante.

C’est peut-être là ce qui fait toute la différence avec les autres créations du genre. On comprend dès les premières minutes, avec les symboles qu’on nous met sous le nez ou les brouhahas des foules, qu’il s’agira d’extraire de tout cela un ensemble linguistique cohérent, si l’on souhaite progresser dans ce lieu étranger. Chants of Sennaar aurait pu néanmoins, pour cela, se contenter de temples poussiéreux, dépeuplés, où les inscriptions auraient suffi à créer l’expérience d’une archéologie. Il faut toutefois noter l’importance du choix de donner vie à ces langues, en intégrant des peuples qui en font un usage quotidien et actualisé.

À ce propos, Julien Moya a rappelé que le jeu de fouilles archéologiques Heaven’s Vault, à base de hiéroglyphes, avait décidé de la tournure de Chants of Sennaar. Pour mieux sublimer cette référence, il s’en détache complètement, et propose ici de déchiffrer les dialectes avec les vivants. À partir de là, décoder le langage, c’est ni plus ni moins faire l’effort de comprendre l’autre, saisir son identité culturelle, mais surtout embrasser son humanité. Celle-ci peut être affligée de perversions ou habitée de croyances, comprendre le parler de ces peuples exige une empathie profonde. Cette demande sera réactualisée sans cesse, tout au long du jeu, la tour s’élevant sur 5 étages, comportant une langue différente par étage.

Étages sémiotiques de Babel

Ces cinq niveaux architecturaux suivent alors cinq niveaux de linguistiques différents. Chacun est habité par une approche de la civilisation ou de la culture tout à fait unique, ce qui détermine la construction de chaque langage. Chaque peuple est une entité linguistique à lui seul, séparée des autres, et s’y prépare alors le terreau d’une grammaire tantôt autoritaire, tantôt permissive ou de termes parfois abstraits, parfois subjectifs. En 2003, la chercheuse G. Zarate examine ainsi ce rapport dans Médiation culturelle et didactique des langues :

Comme la langue est une manifestation de l’identité culturelle, tous les apprenants, par
la langue qu’ils parlent, portent en eux les éléments visibles et invisibles d’une culture
donnée. Ainsi, dès le jeune âge, il se développe chez les apprenants des représentations
collectives et des représentations individuelles.

Autrement dit, si on admet que la langue est la façon pour la culture d’être au monde, alors ces deux entités sont presque indissociables et l’un porte en l’autre ce qu’il a d’inconscient et de conscient. En résulte dans Chants of Sennaar une approche de la xénophobie très bien menée, en l’intégrant même dans le sens des glyphes à décoder.

Les 5 peuples de la tour ont en effet une vague appréciation de leurs voisins, et s’ils les désignent, ce n’est que pour les rendre responsables de malheurs personnels ou les glorifier. Tenter de nuancer ces deux représentations est impossible, tant elles sont la conséquence d’un fonctionnement en vase clos. L’isolation de chaque peuple l’amène évidemment à créer culture et langue en opposition à l’autre. C’est là ce qui distingue Chants of Sennaar des autres jeux du même genre. Il réussit brillamment à faire ressortir dans le principe archéologique des éléments subjectifs.

Le rôle de notre personnage se devine alors dès les premières heures de jeu : briser l’isolation par le dialogue. Le mythe de Babel est inversé, débutant d’abord par des langues dispersées, et s’y mêle une figure prométhéenne, éclairant le chemin de nouveaux liens linguistiques, en lieu et place de notre personnage. Celui-ci est par ailleurs complètement mutique, comme si Rundisc montrait par là qu’il faut parfois se taire pour écouter. Par l’observation minutieuse et l’écoute silencieuse, on remarque alors qu’il y a ici des glyphes aux clés similaires, des traits ou des symboles qui se répondent, et que l’ensemble forme un idiome collectif et social. Selon les étages, et sans trop en dire, celui-ci peut être tourné vers une existence religieuse, une obsession de la curiosité, ou bien encore une rigueur autoritaire.

Chants of Sennaar et son puzzle linguistique

Cailloux et triangles

Les façons de décoder ces glyphes sont assez nombreuses et sont autant de manières de réinventer l’histoire du déchiffrement manuscrit. La plus grande part des énigmes prend la forme de Caillou Michaux, où une scène pictographique est suivie d’une description en signes écrits. Cette technique de décodage est peut-être la plus intéressante, car elle fait appel à l’instinct du joueur, confronté à une représentation picturale qu’on souhaite la plus universelle. L’image référente peut en effet être construite de la même façon pour chacun, peu importe son époque ou origine, mais le signe descriptif, lui, peut différer d’un langage à l’autre. Et c’est encore le cas avec son sens profond, qu’on admet être habité, comme dit précédemment, de regards subjectifs.

Rundisc, par ce genre d’énigme, réalise une parfaite illustration du triangle sémiotique, qui représente une base fondamentale en linguistique. Conceptualisé par Ferdinand de Saussure dans son Cours de linguistique générale (1916), le triangle sémiotique met en scène un signifiant, un signifié et parfois un référent. Le référent dans son actualisation peut être le même pour tout le monde (image du soleil), son interprétation sera brouillée par une conceptualisation mentale et culturelle qu’on appelle le signifié (concept général du soleil dans une culture donnée ou selon le vécu personnel), et qui sera désigné par un signifiant, c’est-à-dire un mot ou signe, imprégné dans sa construction étymologique de cette projection culturelle.

De là vient que les peuples de Chants of Sennaar ont tous des racines communes, sur certains glyphes notamment, mais qu’ils modifient la construction de ces glyphes (signifiant), leur représentation conceptuelle (signifiée), alors qu’il s’agit parfois du même référent dans la réalité. Quoi de mieux pour initier un début de réflexion sur l’intégration des langues, dans leur construction, de concepts parfois étrangers à nos propres valeurs. C’est, selon moi, l’achèvement d’un travail minutieux et sérieux sur la langue, que d’avoir réussi à intégrer des concepts linguistiques académiques par le biais d’une pédagogie vidéoludique heureusement très discrète.

Revenir sur ses pas

Pour faire suite à ce Caillou Michaux, Chants of Sennaar introduit bien évidemment plusieurs exemples de la pierre de Rosette, inscriptions bilingues d’un même texte, permettant de lier une langue déjà maîtrisée à une autre, même si ce type d’énigme demeure plus rare. Les énigmes se mêlent à l’écoute des foules ou des individus, et grâce à ces interactions monologiques, il est possible de raccorder des glyphes à un contexte ou une situation.

Dans l’ensemble, ces énigmes appellent à varier les sources, écrites ou orales, afin de se faire une idée précise du sens des mots. On se plaît alors à revenir sur nos pas régulièrement, pour combler les manques de certains textes avec de nouvelles suppositions, déchiffrant alors la place du pluriel, celle du verbe, etc. Chants of Sennaar exige, de ce point de vue, de développer une vue d’ensemble, car il sera nécessaire de faire les liens entre les dessins et les interactions, entre les situations et nos intuitions, ou entre les glyphes d’un peuple et les glyphes d’un autre peuple.

Se prendre le quatrième mur

Pour faciliter cette démarche, un livre d’annotations nous accompagne tout au long du jeu. Il vient proposer des dessins, en lien avec les signes récemment rencontrés, et permet de valider certaines suppositions par ce biais. Il rappelle, de ce point de vue, la mécanique de validation des morts et leurs causes dans Return of the Obra Dinn. Une fois validés, les signes sont traduits dans un sens unique et une phrase auparavant déconstruite peut devenir, si tous les signes y ont été validés, traduite en parfait français contemporain. Nul doute qu’une mécanique de validation était nécessaire, mais fallait-il la rendre autant autoritaire, figeant les langues dans une seule interprétation ?

C’est pourtant le principe des langues vivantes que d’être approvisionnées, continuellement, de significations riches et diverses pour un même terme. Il n’y a, d’ailleurs, aucune raison de vouloir imposer au joueur le réel sens des langues, lui-même pouvant saisir l’essentiel de l’usage d’une langue, tout en l’imprégnant de ses propres perceptions. Rundisc rate ici la possibilité d’amorcer, chez le joueur, une observation réflexive de ses propres soubassements linguistiques et de briser, pourquoi pas, le quatrième mur.

Je conseille, néanmoins, de faire abstraction, quand cela est possible, du livre de validation et de s’en tenir à nos propres suppositions, d’autant plus si celles-ci ont un sens dans les différents contextes. À force d’interagir et de décoder notre environnement nous-même, on en vient à assimiler plus facilement des termes ou bien le sens de certaines clés, ce qui permet de progresser beaucoup plus rapidement dans les étages suivants. Le livre de validation fait, en quelque sorte, office de Google Translate, annihilant la possibilité d’assimiler les signes. C’est une mécanique, somme toute, assez contradictoire avec la volonté initiale de faire de Chants of Sennaar un jeu tourné vers l’empathie.

Rundisc offre bien heureusement la possibilité de fermer le livre lorsqu’il se présente à nous, mais il aurait été mieux encore de le rendre totalement secondaire, voire de le remplacer par une validation contextuelle floue, qui n’évoquerait que le signifié, le concept mental, mais pas directement le signifiant. Malgré tout, le dernier étage fait un bon usage du livre, en le liant à une dépossession ultime du langage, celui-ci étant devenu trop complexe et abstrait pour qu’on en tire personnellement des suppositions.

La Beauté pour faire sens

Chants of Sennaar invite au majestueux

La direction artistique menée par Julien Moya se veut, selon ses mots, une tentative radicale de créer « des graphismes qui ne pourraient pas être comparés aux autres selon les critères habituels de rendu, d’éclairages, de textures, etc. » Et force est de constater que les choix en termes de colorimétrie et de lumières se gardent de toute comparaison, si ce n’est avec les peintres fauvistes du XXᵉ siècle. Plus encore, les mises en scène rappellent très clairement des planches de dessins ou des tableaux de paysages, qui rappellent sans cesse la nécessité d’avoir une vue d’ensemble, par un style graphique toujours à distance et majestueux.

Julien Moya s’est inspiré pour cela des travaux de Moebius et Philippe Druillet, dont il a saisi la puissance symbolique au travers des couleurs, et leur entremêlement de la science-fiction et de l’ancien. Pour appuyer encore davantage la sensation d’une architecture arrogante, il a invoqué les travaux de François Schuiten, aux lignes de mégalopoles futuristes, qui a fini de décider des textures très géométriques et filaires de Chants of Sennaar, comme pour écraser l’individualité face à la tour. Il en résulte un émerveillement graphique renouvelé à chaque nouvelle scène, en même temps que l’invocation d’un héritage vidéoludique indépendant, qui prend ses origines jusqu’à Eric Chahi avec le superbe Another World.

Le Beau dans la cohérence

Le traitement graphique des glyphes, également, profite pleinement de ces sensibilités, parvenant à lier la représentation écrite des langues à des inclinaisons culturelles ou des caractères. L’une d’entre elles se rapproche ainsi du futhark nordique, dont les traits runiques évoquent dans notre culture contemporaine une propension à l’activité militaire. Il en va de même pour l’évocation subtile d’écritures cunéiformes, sumériennes ou akkadiennes, qui suggèrent inconsciemment chez le joueur un idiome plus ancien que les autres, aussi par la simplicité de ses traits et de sa grammaire.

Ce travail est parachevé avec la réutilisation du système d’écriture à traits distinctifs, créé lors de la fondation en Corée du Hangeul et présenté comme le système le plus scientifique au monde. Il suggère donc ici le plus haut niveau linguistique de la tour, détourné des logogrammes habituels, et permet d’accéder à un terrain d’abstraction et de complexité inédit dans Chants of Sennaar.

On remarque, à ce sujet, une complexité croissante des langues, qui s’enrichissent de détails graphiques et de propos abstraits, à mesure que l’on découvre les étages. On songe alors ici à la portée civilisatrice et scientifique de la langue, comme moyen d’accéder aux concepts les plus reculés de la philosophie, ou pour définir des éléments avec de plus en plus de précision. Dans sa mission pédagogique, Rundisc a brillamment mis en exergue l’évolution des signes et les différents systèmes d’écriture, faisant preuve d’un didactisme qui suit l’intuition du joueur.

Le tout est sublimé par une musique instrumentale émotive, dont il faut souligner les côtés arabisants, en lien avec une architecture mésopotamienne. Cela crée une atmosphère parfaitement en accord avec le ressenti du joueur, ses réflexions, en même temps qu’elle donne vie à tout un tas de suggestions culturelles antiques. Enfin, le compositeur Thomas Brunet souligne que les moments, excessivement rares, où le chant intervient sont là pour confirmer la réussite du langage sur l’isolement, où le joueur a saisi l’ampleur de sa mission diplomatique :

Il n’y a pas plus proche de l’humain que la voix. C’est un peu l’instrument qui représente le cœur caché du jeu, cette recherche de compassion et de compréhension qui permet d’aller au bout. […] Je trouve que c’est une autre façon de représenter le sous-texte du jeu, c’est-à-dire des thèmes comme l’humilité, l’altérité, le pouvoir du dialogue… Et avec le recul, écrire la musique d’un jeu comme ça sans aucune voix chantée, ça aurait été un message un peu différent.

Chants of Sennaar : un engagement inédit du langage

Julien Moya et Thomas Panuel souhaitaient se distinguer et c’est chose faite. La phrase qui va suivre porte en elle une lourde responsabilité intellectuelle, mais il faut admettre, qu’en l’état, aucune autre œuvre vidéoludique n’avait tenté un pareil édifice linguistique. En effet, il mêle à la fois une philosophie hautement contemporaine sur l’importance de la conversation, une réactualisation par le jeu des travaux sur le langage et une conceptualisation, en dehors des belles idées, de l’usage de l’empathie. Outer Wilds ou l’Arche du Captain Blood sont quelques proches parents de Chants of Sennaar, mais leur approche trop technique avec le sujet linguistique les détourne de la dimension politique.

Par ses moments de silence superbe, Chants of Sennaar laisse grandement la place à l’analyse et l’introspection, faisant de chacun d’entre nous un faiseur de liens. Plus encore, il amorce une leçon de linguistique éminemment ludique, comme on n’en avait jamais fait dans les amphithéâtres. En misant davantage sur la portée intuitive de ses glyphes, ainsi que leur parentalité entre les langues, il aurait pu cependant s’alléger davantage de son interface validatrice, avec le livre de note. Pour certains pressés, ce livre de validation fera office de résolveur d’énigmes à l’aveugle, et à coup sûr manqueront la dimension réflexive que chacun doit mener sur sa compréhension des autres.

Il demeure que Rundisc a certainement édifié ici la plus belle composition de l’année, dont l’intimité du propos n’est pas à éloigner de l’universalité de ses sentiments. Chants of Sennaar invite à croire dans l’efficacité du dialogue, pour sa confrontation vertueuse à l’altérité. Il se veut aussi le garant de ce qui réside au cœur de la langue et de ses usagers, autrement dit, une merveilleuse propension empathique, prête à briser les portes les mieux verrouillées.

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Atteindre la porte à chats

Afin d’atteindre cette porte, il faut être bien avancé dans le jeu. En effet, cette dernière se trouve dans une zone au nord-ouest de la carte que vous ne pourrez atteindre qu’après avoir récupéré une majorité des capacités et donc, battu de nombreux boss. La porte se trouve dans la zone indiquée sur la carte ci-dessous :

Arrivé dans cette zone, vous vous trouverez devant une porte en pierre fermée et plusieurs statues de chat dont les yeux sont illuminés ou non.

Ouvrir la porte à chat

L’énigme consiste alors à comprendre que ces statues correspondent au menu des capacités de Pluto. Afin d’ouvrir la porte, il faut donc activer les capacités dont les positions correspondent à celle des statues. Ces dernières auront alors les yeux qui s’illuminent et permettront l’ouverture de la porte. À noter qu’en plus d’atteindre la zone, il faudra ainsi être bien avancé dans le jeu pour pouvoir activer tant de capacités. En l’occurrence, au moins 68 emplacements d’améliorations seront nécessaires.

Récupérer les dernières photos

Derrière cette porte, vous découvrirez une nouvelle zone, la « salle de pleurs de Kendra ». Une porte y est alors fermée, mais vous découvrez un nouveau pouvoir. Vous allez, en effet, désormais être capable d’atteindre toutes les téléportations, même celles non atteintes jusque-là. Plusieurs zones cachées apparaissent alors et vous permettent d’aller récupérer les trois dernières photos afin d’ouvrir la dernière porte du jeu.

Ces dernières zones vous demanderont de la dextérité, que ce soit dans des phases de combat ou de plateforme. Après avoir atteint les photos, vous pourrez enfin ouvrir la porte et découvrir à quel point Kendra, la gardienne, n’était finalement pas si maléfique que ça ! Vous avez ainsi, grâce à ce guide, atteint la vraie fin de Crypt Custodian.

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Pôtichat dans l’au-delà

Dans Crypt Custodian, le joueur prend le contrôle de Pluto, un mignon petit chat qui perd la vie suite à un tragique accident de voiture. Comme toute boule de poils quittant notre monde, Pluto passe alors devant la gardienne de l’au-delà afin de déterminer quelle sera la suite de son aventure. À cause d’un malentendu, Pluto est banni du palais royal et va devoir errer dans les alentours du palais des « gentils petits chats » en y faisant le ménage. Pluto va alors se créer un cercle d’amis dans le but d’organiser une embuscade contre la gardienne et retourner la hiérarchie de l’au-delà.

Si le scénario de Crypt Custodian n’a pas grand-chose d’original ni de prenant, il met en valeur une liste de personnages haut en couleur et surtout particulièrement portés sur l’humour. Les dialogues dans Crypt Custodian sont parfaitement dosés, ils permettent souvent au joueur d’esquisser un sourire sans jamais se perdre dans des tirades infinies. Pluto va donc devoir parcourir un monde composé de plusieurs biomes afin d’y recruter une équipe suffisamment étoffée pour lancer sa révolution.

Un Metroivania autrement

Le Metroidvania est un style de jeu particulièrement concurrentiel. Depuis le succès de Hollow Knight en 2017 (et en attendant l’Arlésienne Silksong), les jeux du genre se multiplient. De Ori en passant par Blasphemous ou encore Prince of Persia, les Metroidvanias envahissent nos bibliothèques. Étant particulièrement fan du genre, l’épidémie ne me dérange pas, mais entraîne un point négatif difficilement évitable : le genre tourne en rond. Les jeux du genre n’apportent pas tous une originalité suffisante.

Pour contrer cela, Crypt Custodian met en avant une spécificité : sa vue en top/down (vue du dessus). À l’instar des Zelda en 2D, Crypt Custodian se joue vu du dessus et ajoute ainsi une dimension aux traditionnels Metroidvania vus de côté.

Grâce à ce choix, Kyle Thompson apporte ainsi à son œuvre une particularité peu vue dans les jeux du genre. Au lieu de se promener d’écrans en écrans, Pluto saute d’îles en îles. Ainsi, le saut est particulièrement important dans Crypt Custodian que ce soit pour la gestion des phases de plateforme, mais aussi et surtout lors des phases de combats. Ce choix permet également au développeur de créer un monde coloré avec des décors magnifiques. Entièrement dessiné par Kyle Thompson, certains effets sont superbes. Le tout est bien mis en valeur par la bande-son discrète, mais toujours à propos crée par Eric Thompson.

Un Metroidvania autrement ?

Passé la surprise de départ, on remarque que Crypt Custodian comporte finalement toutes les composantes du cahier des charges du Metroidvania classique. Dans un grand monde, composé de différents biomes, Pluto va se balader, rencontrer des ennemis, des énigmes puis des passages bloquants en l’état. Après avoir occis un boss, puis acquis une nouvelle compétence, Pluto pourra atteindre de nouvelles zones et continuer son aventure. La boucle de gameplay est extrêmement classique.

En plus des capacités améliorant les capacités de déplacement de Pluto, ce dernier pourra débloquer des améliorations à choisir comme dans Hollow Knight. Si ces derniers sont classiques, Crypt Custodian apporte une touche d’originalité sur le sujet. Vous pouvez en effet accumuler de (très) nombreux emplacements d’améliorations. La progression de Pluto au combat se fera donc principalement via ces améliorations et ces dernières seront rapidement indispensables dans un jeu exigeant dans certaines phases.

À bon chat, bon balai

Afin de combattre ses ennemis, Pluto est armé d’un balai (rappelons que notre héros est, au départ, recruté pour faire le ménage) qu’il manie frénétiquement. Pluto enchaîne les coups particulièrement rapidement et affronte rapidement de nombreuses vagues d’ennemis. Plusieurs boss se mettront également sur la route de Pluto. Ressemblant rapidement à des bullet-hell, ces derniers demandent concentration et pugnacité. Afin de combattre tous ces dangers, Pluto est également armé d’une attaque spéciale. Dotée d’une jauge se remplissant grâce aux coups portés par notre héros, cette attaque spéciale, personnalisable, est particulièrement puissante.

Les combats de Crypt Custodian permettent de mettre en avant la principale qualité du titre : son rythme effréné. En effet, que ce soit dans les coups portés, la rapidité de déplacement de Pluto ou encore les temps de chargement quasi absents du titre, Crypt Custodian met en avant une aventure au rythme féroce. Pluto n’est doté que de quatre points de vie et ne rencontre que très peu de moyens de se soigner. Ainsi, il faudra faire attention aux nombreux dangers rencontrés.

Malgré une difficulté non négligeable sur certaines phases, Crypt Custodian ne lâche pas son rythme effréné. La mort n’est absolument pas punitive (que ce soit en temps ou en ressources) et nous pousse à rapidement retenter notre chance. Je me suis souvent dit que le titre était peu original, malgré tout, ce rythme a fait qu’il m’a été spécialement difficile de lâcher la manette durant la dizaine d’heures nécessaire pour aller au bout de l’aventure. Entrecoupé d’énigmes sympathiques (mais peu compliquées), Crypt Custodian est un jeu au rythme extrêmement bien géré.

Malgré une boucle de gameplay finalement bien peu originale, Crypt Custodian est un bon Metroidvania. Grâce à un univers coloré, une jouabilité aux petits oignons et un rythme effréné, Crypt Custodian est un jeu plaisant qu’il est difficile d’arrêter. Assez court, le jeu ne marquera pas l’industrie, mais il reste un bon jeu pour les amateurs du genre.

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