Starters, Points de Victoire, recrutement, classement, Méga-Évolution… Tout ce qu’il faut savoir pour poser les bonnes bases dès le premier jour, sans gaspiller ses ressources dans Pokémon Champions.

1. Comprendre le concept : ce que Champions n’est pas

Avant même de lancer le jeu, il y a une chose essentielle à intégrer : Pokémon Champions n’est pas un RPG classique. Pas de région à explorer, pas de Pokédex à compléter, pas d’arènes à enchaîner. Dès le premier écran, le jeu vous jette directement dans l’arène. Concrètement, Champions est un jeu de combat pur, dans la lignée des anciens Pokémon Stadium — mais pensé pour le compétitif en ligne de 2026.

Deux formats sont disponibles : les combats Solo (3 contre 3) et les combats Duo (4 contre 4, format VGC). Chacun dispose de son propre mode classé, ses propres récompenses et sa propre courbe de progression. Si vous n’avez jamais touché au VGC de votre vie, commencez donc impérativement par le Solo pour apprivoiser les mécaniques sans la complexité du format à deux.

2. Bien choisir son starter — le choix le plus important du jeu

Ici, Champions casse complètement les codes. Plutôt que de vous proposer trois Pokémon de base à faire évoluer, le jeu vous soumet une liste de 10 Pokémon entièrement évolués. Et surtout — c’est le point crucial — le Pokémon que vous choisissez détermine toute votre équipe de départ : vous obtenez le Pokémon sélectionné plus cinq coéquipiers présélectionnés pour compléter sa stratégie.

Autrement dit, si vous choisissez Gardevoir, vous héritez d’une équipe pensée autour de son style offensif spécial. Si vous choisissez Tyranocif, vous démarrez avec une composition centrée sur la météo. Ce choix initial n’est pas irréversible — vous pourrez recruter d’autres Pokémon par la suite — mais il conditionne vos premières dizaines d’heures de jeu. Voici les quatre starters les plus recommandés selon la méta actuelle :

Le top pick compétitif est Tyranocif. Il est le seul starter qui invoque une météo dès le tour 1 grâce à son talent Tempête de Sable, qui s’active lorsque le Pokémon méga-évolue. Ses coéquipiers sont : Arcanin, Fragroin, Draïeul, Galeking, Nymphali. Équipe idéale pour les joueurs et joueuses qui veulent une stratégie agressive et structurée. Essayez de prioriser le recrutement d’un Minotaupe pour du combat duo. Minotaupe, sous la tempête de sable, est l’un des Pokémon les plus rapides du jeu, dépassé seulement par Méga Lockpin, qui est peu joué pour le moment, et Farfurex et Paragruel avec l’objet Mouchoir Choix, dont il faut vraiment se méfier.

Le meilleur pour débutant(es) est Gardevoir.

Avec son double type Psy / Fée, Gardevoir a une couverture offensive massive. Très rapide, elle attaque presque toujours en premier. Ses coéquipiers sont : Scarhino, Draïeul, Azumarill, Corvaillus, Blizzaroi (grêle automatique à l’entrée). Le Vent Arrière de Corvaillus permet de rendre Méga Gardevoir quasi inarrêtable. Sa rapidité et son attaque spéciale en feront baver vos adversaires. Des attaques comme Éclat Magique ou Psyko vous assurent de gros dégâts sur 3/4 des 186 Pokémon présents dans cette première saison de Pokémon Champions.

Un pick sous-estimé mais que je recommande personnellement : Pikachu.
Ne sous-estimez pas la mascotte du PokéVerse. Son talent Statik paralyse automatiquement tout attaquant physique, perturbant un grand nombre de stratégies courantes. Équipe très équilibrée, composée de Scalpereur / Carchacrok / Azumarill / Léviator et Ectoplasma, elle est idéale pour apprendre les types sans dépendre d’une niche.

Attention
Les Pokémon recrutés dans Champions ne peuvent pas être retransférés vers d’autres jeux. C’est une porte à sens unique. En revanche, vos Pokémon importés depuis Pokémon HOME peuvent être utilisés librement — et ce transfert vous évite de payer le coût de recrutement en PdV.

3. Maîtriser les Points de Victoire (PdV)

Les Points de Victoire sont la monnaie centrale du jeu. Ils servent à recruter des Pokémon, modifier leurs capacités, changer leur talent, ou acheter des objets de combat. Et contrairement à ce qu’on pourrait craindre dans un free-to-play, les PdV ne sont pas achetables avec de l’argent réel — chaque point doit être gagné en jouant.

La bonne nouvelle, c’est que les débutants démarrent avec une avance confortable : 10 000 PdV à la création du compte, 10 000 supplémentaires en terminant le tutoriel de combat, et encore 10 000 via les missions de départ — soit 30 000 PdV disponibles dès les premières heures.

Sur le long terme, la source la plus fiable reste sans conteste les missions hebdomadaires — jusqu’à 9 000 PdV par semaine — combinées aux combats classés. Notez qu’une session perdante génère quand même des PdV (environ 120 par défaite), ce qui signifie qu’il n’y a aucune raison de ne pas jouer, même quand la forme n’est pas au rendez-vous.

4. Le recrutement : essai gratuit vs recrutement permanent

Champions introduit un système de recrutement en deux temps, et c’est l’une des meilleures idées du jeu pour les débutants. Concrètement, vous pouvez tester n’importe quel Pokémon gratuitement pendant 7 jours avant de vous engager. Durant cette période d’essai, vous pouvez l’utiliser en combat pour évaluer sa synergie avec votre équipe.

En revanche, il y a un bémol important à connaître : vous ne pouvez pas entraîner un Pokémon en période d’essai. Vous le testez tel quel, avec ses stats et capacités par défaut. Si le Pokémon vous convainc, le recrutement permanent coûte 2 500 PdV. C’est à ce moment-là seulement que vous pouvez commencer à l’optimiser. Par ailleurs, le Ranch de Recrutement renouvelle sa sélection toutes les 22 heures gratuitement — consultez-le chaque jour pour ne pas rater un Pokémon que vous cherchez.

5. Entraîner ses Pokémon : stats, capacités, talents

C’est là que Champions marque une vraie rupture avec les jeux classiques. Les IV — ces valeurs cachées qui forçaient les joueurs et joueuses à reproduire des Pokémon pendant des heures — ont tout simplement disparu. À la place : un système de 66 Stats Points à répartir librement sur les différentes statistiques de votre Pokémon. Plus clair, plus rapide, plus accessible.

Chaque modification d’entraînement a un coût en PdV. Voici les tarifs à connaître pour budgétiser vos optimisations :

Si vous manquez de PdV pour entraîner un Pokémon, sachez qu’il existe des Tickets d’Entraînement obtenables en jeu, qui permettent de réduire à zéro le coût d’une modification. Gardez-les précieusement pour les ajustements les plus coûteux, comme un changement de talent ou de nature.

6. La Méga-Évolution et l’Omni-Anneau

Dès la première saison classée, la Méga-Évolution est autorisée — et elle change radicalement la dynamique des combats. Pour en profiter, il vous faut trois choses : l’Omni-Anneau (obtenu en suivant le tutoriel de Méga-Évolution), le Pokémon concerné dans votre roster, et la Méga-Gemme correspondante.

Les Méga-Gemmes s’obtiennent à la boutique contre des PdV (environ 2 000 PdV chacune), via certains événements, ou dans le Pass de Combat Premium. Une fois en combat, il suffit d’appuyer sur R puis de sélectionner votre attaque pour déclencher la Méga-Évolution. La transformation booste les statistiques du Pokémon et peut même lui conférer un nouveau talent — parfois exclusif à Champions, comme Méga-Soleil pour Méga-Méganium, qui simule la météo Soleil en permanence.

7. Comprendre le classement et les saisons

Le mode classé de Champions est plus structuré que ce à quoi la plupart des joueurs et joueuses Pokémon sont habitués. Il est organisé en six rangs, tous nommés d’après des Poké Balls :

Chaque rang (sauf Débutant et Champion) est divisé en quatre niveaux numérotés de 4 à 1. Chaque victoire remplit votre jauge d’un quart ; chaque défaite la vide d’autant. Ce qui signifie que pour gravir un rang entier sans perdre une seule fois, il vous faut au minimum 16 victoires nettes. Mais voici le détail qui change tout : au-delà de deux victoires consécutives, le Bonus de Série de Victoires s’active et double la progression par victoire. Une série soutenue peut donc diviser par deux le temps nécessaire pour monter de rang.

Autre point rassurant : une fois un rang atteint, vous ne pouvez plus redescendre en dessous de son plancher, même en perdant plusieurs fois d’affilée. Vous pouvez chuter en niveau au sein du rang, mais le rang lui-même est acquis. La saison M-1 se déroule jusqu’au 13 mai 2026 — après quoi le classement repart à zéro pour la M-2.

8. Les erreurs à ne pas faire en début de partie

Pour finir, voici les pièges classiques dans lesquels tombent la plupart des nouveaux joueurs et joueuses — et comment les éviter.

Ne gaspillez pas vos 30 000 PdV de départ. La tentation est forte de recruter un maximum de Pokémon dès les premières heures, mais il vaut mieux concentrer ces ressources sur une équipe de six bien entraînée plutôt que sur un roster large et mal optimisé. Une équipe solide bat presque toujours une équipe nombreuse mais bancale.

Ne choisissez pas votre starter uniquement pour l’aesthetic. Le Pokémon en tête d’affiche compte moins que les cinq coéquipiers qui l’accompagnent. Lisez la composition complète avant de valider votre choix — c’est elle qui déterminera votre style de jeu pour les premières heures.

Utilisez le recrutement à l’essai avant chaque recrutement permanent. 7 jours gratuits, c’est largement suffisant pour savoir si un Pokémon s’intègre bien à votre équipe. Ne dépensez jamais 2 500 PdV sur un Pokémon que vous n’avez pas testé en combat réel.

Ne négligez pas les missions hebdomadaires. Jusqu’à 9 000 PdV par semaine — c’est la meilleure source de revenus passive du jeu. Connectez-vous régulièrement, complétez ces missions en priorité, et votre économie de PdV se portera nettement mieux que si vous comptez uniquement sur les victoires classées.

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Le 27 février 2025, lors d’un Pokémon Day qui avait déjà mis la communauté en ébullition, The Pokémon Company lâchait une annonce qui allait redistribuer toutes les cartes : un jeu entièrement dédié aux combats, sans aventure principale, sans Pokédex à compléter, sans région à traverser. Juste des batailles. Juste du pur gameplay compétitif. Pokémon Champions venait de naître, et avec lui, une question brûlante : la franchise avait-elle enfin le courage de s’attaquer sérieusement à son propre jeu compétitif ?

Quatorze mois d’attente, trois trailers, une communauté VGC qui retenait son souffle — et le 8 avril dernier, le jeu sortait enfin sur Nintendo Switch et Switch 2. Deux semaines après le lancement, il est temps de tirer un premier bilan, sans langue de bois.

Stadium est de retour, et c’est tant mieux

Pour comprendre Pokémon Champions, il faut remonter à une époque que les trentenaires nostalgiques connaissent bien : celle de Pokémon Stadium sur Nintendo 64, puis de Battle Revolution sur Wii. Des jeux d’arène pensés uniquement pour les affrontements, où la qualité graphique et la profondeur stratégique primaient sur tout le reste. Champions renoue avec cet héritage, et l’assume pleinement.

Le moteur de combat est excellent. Les mécaniques au tour par tour sont fluides, la gestion des types et des talents respecte à la lettre les standards compétitifs, et la Méga-Évolution via l’Omni-Anneau — un objet inédit — confère aux affrontements une dimension tactique immédiate que les fans de la VGC apprécieront. Le jeu propose des combats solo et duo, dans trois formats : classé, amical et privé. De quoi couvrir aussi bien le joueur casual que le compétiteur acharné.

La grande nouveauté : fini le breeding, bonjour aux Stats Points

L’une des réformes les plus audacieuses du jeu concerne la construction d’équipe. Les IV disparaissent — ces valeurs individuelles cachées qui forçaient les joueurs et joueuses à passer des dizaines d’heures à faire se reproduire leurs Pokémon dans l’espoir d’obtenir un spécimen « parfait ». À leur place, un système de Stats Points bien plus lisible et accessible. Une décision applaudie à l’unanimité, y compris par des vétérans du circuit comme WolfeyVGC, champion du monde 2016, qui faisait partie des testeurs pré-lancement.

Autre point fort : la liberté de personnalisation. Chaque dresseur peut choisir librement les capacités de ses Pokémon, construire son équipe selon sa vision stratégique, sans être limité par les contraintes des jeux de la série principale. Pour les nouveaux venus au format VGC, c’est une porte d’entrée enfin digne de ce nom.

La connexion avec Pokémon HOME permet par ailleurs de transférer ses anciens favoris depuis les jeux précédents et même depuis Pokémon GO. Une fonctionnalité attendue depuis longtemps, qui transforme des années d’investissement en capital de jeu réel. Et pour ceux qui veulent tester une stratégie sans s’engager, le « recrutement à l’essai » permet d’emprunter un Pokémon pour une durée limitée, une fois par jour, sans dépenser de Points de Victoire.

Le scandale des 186 : un roster qui fait débat

On ne va pas tourner autour du pot : c’est le point noir du lancement. En moins de 24 heures après la sortie, la communauté s’est enflammée sur les réseaux. Voir un jeu de 2026, présenté comme la plateforme compétitive de référence, offrir un roster inférieur à un titre de 1999, c’est difficile à avaler. Surtout quand on sait que des mécaniques pourtant populaires comme les Z-Moves, le Dynamax ou la Téracristallisation sont absentes au lancement.

La réponse de The Pokémon Company ? Champions est pensé comme un jeu-service, avec des saisons régulières et des ajouts de contenu prévus tout au long de l’année. La Téracristallisation et le Dynamax arriveront dans de futures mises à jour. Un argument recevable sur le fond — mais qui ne satisfait pas ceux qui auraient voulu un catalogue complet dès le day one, surtout à l’approche des premiers tournois officiels fixés à Indianapolis, fin mai.

Un modèle économique à surveiller

Pokémon Champions est annoncé comme « free-to-start » — une formulation délibérément floue qui mérite attention. Le jeu est téléchargeable gratuitement, mais une version numérique payante existe également, avec des avantages supplémentaires. Les Pokémon se récupèrent en dépensant des Points de Victoire, obtenables via les matchs classés. Un système qui récompense le temps de jeu plutôt que le portefeuille — pour l’instant. À surveiller de très près sur la durée.

La version mobile n’a toujours pas de date précise, au-delà d’une fenêtre vague autour de juin 2026. Un retard qui interroge, surtout alors que le crossplay entre toutes les plateformes a été confirmé et que les compétitions officielles commencent dans quelques semaines.

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Un conte initiatique entre ombre et lumière

Sorti après l’acclamé Gris, Neva marque le retour inspiré de Nomada Studio avec une nouvelle fable poétique aussi bouleversante que somptueuse. On y suit Alba, jeune femme confrontée à un monde rongé par une étrange corruption, qui noue un lien puissant avec un petit renard aux bois de cerf dont elle devient peu à peu la figure maternelle. À travers quatre chapitres rythmés par les saisons, le jeu déploie une direction artistique dessinée à la main d’une beauté saisissante, sublimée par la bande originale magistrale de Berlinist. Derrière son gameplay volontairement épuré, Neva propose une aventure sensible, où chaque combat, chaque tableau et chaque note de musique participent à raconter une histoire d’attachement, de deuil et de résilience.

Neva: Prologue, aux origines d’un lien indéfectible

Après nous avoir bouleversé·es avec son récit initiatique, Neva enrichit aujourd’hui son univers avec Neva: Prologue, un DLC narratif qui éclaire les premiers instants du destin partagé d’Alba et de sa fidèle compagne. Disponible sur PC, PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox Series X|S et Nintendo Switch au prix de 2,99 €, cette extension propose un retour aux sources aussi poétique qu’intense.

Au commencement de Neva: Prologue, Alba s’enfonce dans des marais corrompus, guidée par une nuée de papillons blancs. C’est dans ce décor aussi sublime qu’hostile qu’elle découvre un louveteau apeuré, seul et perdu. Pour survivre, la jeune femme doit gagner sa confiance et l’accompagner à travers ces terres désolées, tout en affrontant les forces obscures qui les traquent. Une prémisse simple en apparence, mais qui résonne puissamment avec l’histoire principale, en donnant un nouvel éclairage à la relation qui se tissera entre les deux protagonistes.

Pensé pour être exploré après l’aventure principale, ce prologue s’adresse autant aux joueuses et joueurs en quête de narration supplémentaire qu’aux amateur·rices de défis. Trois nouveaux environnements font leur apparition, chacun introduisant ses propres mécaniques, des ennemis inédits et un combat de boss intense. Les plus complétionistes pourront également se mesurer à cinq défis cachés, conçus pour mettre à l’épreuve leur précision et leur maîtrise du gameplay. Une manière élégante de prolonger l’expérience tout en approfondissant l’émotion qui fait la force de l’œuvre originale.

Un gameplay fidèle, enrichi par une nouvelle dynamique

Si Neva misait sur un gameplay volontairement épuré pour laisser respirer son récit, Neva: Prologue s’inscrit dans cette continuité tout en apportant de subtiles évolutions. On retrouve la base qui faisait la force du jeu principal : une touche pour attaquer à l’épée, une autre pour interagir avec son compagnon, un saut, un dash… et c’est à peu près tout. Une simplicité assumée qui privilégie la lisibilité et la précision plutôt que la complexité artificielle.

Mais ici, la dynamique change légèrement. Là où l’aventure principale nous montrait progressivement l’évolution de Neva, d’un petit être vulnérable à une alliée féroce, le prologue joue davantage sur la fragilité et la méfiance du louveteau. Il ne s’agit plus seulement de combattre côte à côte, mais de gagner sa confiance, le protéger et l’encourager à avancer. Cette nuance influe sur le rythme : certaines séquences demandent plus de prudence, presque une approche protectrice, renforçant la dimension émotionnelle du gameplay.

Côté plateforme, la recette reste exigeante sans être punitive. Les nouveaux environnements introduisent leurs propres mécaniques, obligeant les joueuses et joueurs à adapter leur timing et leur lecture des décors. Les marais corrompus, par exemple, jouent sur la verticalité et les zones instables, accentuant la tension dans les phases de fuite ou d’exploration. Le dash demeure un outil central, aussi bien pour esquiver des attaques que pour franchir des précipices au dernier instant.

Les affrontements, eux, gagnent en intensité. Les nouveaux ennemis possèdent des patterns distincts qui demandent observation et précision, et le combat de boss du DLC s’inscrit dans la lignée de ceux du jeu de base : spectaculaire, rythmé, mais lisible. On reste loin d’un défi punitif à la hardcore platformer, mais l’exécution doit être propre, surtout pour celles et ceux qui s’attaqueront aux cinq défis cachés pensés pour les profils les plus complétionistes.

En somme, Neva: Prologue ne révolutionne pas la formule, et c’est précisément sa force. Il affine, nuance et intensifie un gameplay déjà solide, en le mettant au service de l’émotion et du lien naissant entre Alba et le louveteau. Une approche cohérente avec l’ADN du jeu : faire de la simplicité un vecteur de sens et de poésie.

Une fresque animée entre lumière et désolation

S’il y a bien un domaine où Neva – et par extension Neva: Prologue – tutoie l’excellence, c’est celui de sa direction artistique. Nomada Studio confirme ici tout le talent déjà entrevu sur Gris : chaque écran ressemble à une illustration vivante, peinte à la main, où la lumière et la couleur racontent autant que les personnages eux-mêmes.

Dès les premières minutes, le jeu frappe par son usage magistral des palettes chromatiques. Les teintes dorées et presque célestes des architectures baignées de lumière créent une sensation de sérénité fragile, comme un monde suspendu dans un instant éternel. À l’inverse, les marais corrompus et les séquences nocturnes plongent l’écran dans des bleus profonds, des noirs d’encre et des gris brumeux, où la pluie et les particules flottantes accentuent l’oppression. Ce contraste constant entre chaleur et froideur visuelle accompagne parfaitement la narration : l’espoir face à la corruption, la douceur face à la menace.

Les décors jouent aussi énormément sur la profondeur. Arbres monumentaux, arches gigantesques, silhouettes lointaines… Alba paraît souvent minuscule face à l’immensité du monde. Cette mise en scène renforce le sentiment de solitude et d’intimité qui traverse l’aventure. Même les créatures ennemies, massives et sombres, se détachent avec force dans ces environnements délicats, leurs formes simples mais expressives évoquant presque des figures de contes ou des ombres cauchemardesques.

L’animation, elle, est d’une fluidité remarquable. Les mouvements d’Alba sont gracieux, presque chorégraphiés. Sa cape flotte avec légèreté, ses gestes sont précis, et chaque interaction avec le louveteau est animée avec une tendresse palpable. Sans jamais tomber dans le réalisme pur, le jeu adopte un style stylisé et minimaliste qui laisse respirer l’émotion. Les particules lumineuses, les feuilles emportées par le vent ou la pluie battante ajoutent une couche sensorielle qui sublime chaque tableau.

Ce qui impressionne surtout, c’est la cohérence artistique. Rien n’est laissé au hasard : la lumière guide subtilement le regard, les couleurs traduisent l’état du monde, et les silhouettes racontent une histoire avant même que l’action ne commence. On ne traverse pas simplement des niveaux, on parcourt de véritables œuvres picturales en mouvement.

En somme, Neva ne se contente pas d’être beau : il utilise sa beauté comme un langage. Chaque plan est pensé comme une émotion visuelle, chaque environnement comme une page d’un livre illustré. Une véritable masterclass esthétique qui confirme Nomada Studio comme l’un des studios indépendants les plus talentueux en matière de direction artistique.

Une bande originale au service de l’émotion

S’il fallait désigner un autre pilier fondamental de Neva et de Neva: Prologue, ce serait sans hésitation sa bande originale signée Berlinist. Déjà à l’œuvre sur Gris, le groupe confirme ici son talent pour composer des partitions qui ne se contentent pas d’accompagner l’image : elles la prolongent, la subliment, parfois même la précèdent.

Dès les premières notes, la musique installe une atmosphère à la fois mélancolique et lumineuse. Les compositions reposent largement sur le piano et les instruments à cordes, avec une orchestration organique qui évoque la fragilité du monde que l’on traverse. Les nappes sonores s’étirent, respirent, laissent de l’espace au silence. Ce minimalisme maîtrisé permet à chaque thème de résonner profondément, presque intimement, chez la joueuse ou le joueur.

Dans Neva: Prologue, cette approche prend une dimension encore plus sensible. Puisqu’il s’agit des origines du lien entre Alba et le louveteau, la musique insiste davantage sur la naissance d’un attachement, sur cette confiance qui se construit pas à pas. Certains passages privilégient des motifs doux et répétitifs, presque berçants, tandis que d’autres montent en intensité lors des affrontements ou des séquences de fuite, où les percussions et les cordes se font plus nerveuses.

L’un des grands atouts de la BO réside dans sa capacité à épouser le rythme du gameplay. Lors des combats de boss, la partition devient plus ample, plus dramatique, sans jamais tomber dans la surenchère. À l’inverse, durant les phases d’exploration dans les marais brumeux ou sous la pluie battante, la musique se fait discrète, presque éthérée, laissant les bruitages – le vent, l’eau, les pas – renforcer l’immersion.

Ce qui marque surtout, c’est la cohérence entre musique et direction artistique. Les teintes dorées trouvent un écho dans des harmonies chaleureuses ; les environnements sombres sont accompagnés de tonalités plus graves, presque funèbres. La bande originale agit comme un fil invisible reliant chaque tableau, chaque émotion, chaque étape du voyage.

En définitive, la musique de Neva: Prologue ne cherche jamais à dominer l’expérience. Elle la soutient, la porte, l’élève. Elle transforme certains instants en souvenirs durables. Une partition vibrante, délicate et profondément humaine, qui confirme que Berlinist est indissociable de l’identité émotionnelle de l’œuvre.

Au final, Neva: Prologue est exactement ce que l’on pouvait espérer d’un contenu additionnel : une extension cohérente, sincère et profondément respectueuse de l’œuvre originale. Sans bouleverser la formule, le DLC approfondit la relation entre Alba et le louveteau avec une justesse remarquable, tout en proposant des défis supplémentaires pour celles et ceux qui souhaitent repousser leur maîtrise du gameplay. Porté par une direction artistique toujours aussi magistrale et une bande originale bouleversante signée Berlinist, ce prologue s’impose comme une pièce complémentaire essentielle pour les joueuses et joueurs tombé·es sous le charme de l’aventure principale. Court, mais intense. Simple, mais chargé de sens. Une extension qui confirme que chez Nomada Studio, chaque détail compte et que la poésie peut encore s’exprimer pleinement dans le jeu vidéo.

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À l’occasion du Pokémon Day, Tsuneka Ishihara PDG de la compagnie Pokémon, a présenté une vidéo Pokémon Presents spéciael.

Il y annonce notamment le retour de Pokémon Rouge Feu et Pokémon Vert Feuille. La région de Kanto et ses 151 premiers Pokémon sont d’ores et déjà disponibles sur Switch pour le plus grand plaisir des joueurs qui les ont découverts sur Gameboy Advance il y a 20 ans.

Certaines cartes emblématiques du Jeu de Cartes à Collectionner Pokémon ont fait leur apparition dans une courte séquence, offrant un avant-goût des prochains produits à venir, dont une possible extension spéciale pour les 30 ans courant 2026.

Rendez-vous à San Francisco !

Chris Brown, directeur mondial de l’e-sport et des événements Pokémon, a confirmé que Pokémon Champions accueillera les Championnats du Monde du Jeu Vidéo. En parallèle, les autres concurrents s’affronteront dans Pokémon GO, Pokémon UNITE et le JCC Pokémon.

Les 3 000 compétiteurs.rices prêts à relever le défi se sont donné rendez-vous à San Francisco en août prochain pour décrocher le titre tant convoité.

Du côté des finales, il faut s’attendre à du grand spectacle au Chase Center, un stade trois fois plus grand que celui des Mondiaux de 2025.

En simultané, le Moscone Center accueillera aussi la première édition de Pokémon XP, où nombre d’activités sont rassemblées pour tous les visiteurs : cosplay, conférences, expositions ainsi qu’un Centre Pokémon éphémère.

La nouvelle génération : Pokémon Vagues & Pokémon Vents.

Les fans l’attendaient, la 10ème génération est là !

Allez à la rencontre de Broussatif, le Pokémon de type plante, Caloulou le Pokémon de type feu et Ogéko le Pokémon de type eau. Les nouveaux starters de Pokémon Vagues & Pokémon Vents.

Prévu pour l’année 2027, le trailer donne un premier aperçu du monde ouvert qui nous attend dans ces nouveaux opus.

En plus des personnages principaux, on découvre aussi un duo de Pikachu aux allures de Fashion Week, avec des tenues uniques.

Du nouveau pour Pokopia et Légendes Z-A.

Qui dit anniversaire dit cadeaux et gros gâteau : Pokémon dévoile un calendrier chargé en mises à jour, récompenses et pas que pour l’ensemble de ces licences.

En commençant par Pokémon Pokopia, disponible le 5 mars prochain. Vous incarnez un métamorph à forme humaine qui décide de reconstruire le village d’une île perdue.

Dans cette simulation de vie, chaque rencontre avec un autre Pokémon vous permet d’acquérir une nouvelle compétence dans le but de créer un lieu idyllique pour vous et les autres habitants.

Les nouvelles images du jeu nous emmènent à la rencontre d’un Motisma DJ et d’un Rongrigou cuisinier !

Cette exclusivité Switch 2 présente aussi son mode multijoueur, qui vous permet de rendre visite à vos amis pour vous balader, construire ou encore jouer à cache-cache.

Quant à Légendes Pokémon Z-A, c’est son extension « Méga-Dimension » qui accueille une toute nouvelle méga-évolution celle de Carchacrok.

Des cadeaux à gogo !

Pokémon GO, Pokémon UNITE, Pokémon Sleep, Pokémon Café ReMix et Pokémon Masters EX ont eux aussi eu le droit à leur lot de missions et de récompenses anniversaire.

Mention spéciale au Jeu de Cartes à Collectionner Pokémon Pocket qui démarre 30 jours de cadeaux pour les 30 ans de la licence.

Il suffit de vous connecter sur l’application entre le 27 février et le 27 juin pour récupérer vos avantages.

Voici un récapitulatif des différentes annonces :

En résumé, ce Pokémon Presents spécial Pokémon Day n’a pas seulement joué la carte de la nostalgie : il a dessiné l’avenir. Entre le retour à Kanto, l’arrivée d’une 10e génération ambitieuse et une avalanche d’événements compétitifs et festifs, la licence prouve qu’elle sait parler à toutes les générations de joueuses et joueurs. Des premières captures sur Game Boy Advance aux méga-évolutions inédites de Légendes Pokémon Z-A, la franchise continue d’évoluer sans renier son ADN. Une chose est sûre : que l’on soit stratège du JCC, dresseur·euse compétitif·ve ou explorateur·rice en monde ouvert, l’année à venir s’annonce chargée… et ce n’est visiblement que le début des célébrations.

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Une vie qui se déroule sous nos yeux

Dans Dear Me, I Was…, nous incarnons une femme depuis son plus jeune âge jusqu’à ses années les plus avancées, au fil de dix chapitres qui retracent les grandes étapes de son existence. Passionnée par le dessin, elle voit sa sensibilité artistique l’accompagner tout au long de sa vie, comme un fil conducteur discret mais essentiel. Nous suivons ainsi son parcours du début à la fin, sans détour, dans une narration qui assume pleinement sa simplicité.

Une heure pour raconter toute une existence

Entre drames familiaux, rencontres amicales et histoires d’amour, c’est une vie entière qui défile sous nos yeux en un peu plus d’une heure. Une seule vie, ordinaire en apparence, mais profondément universelle. Le titre adopte une approche introspective qui nous pousse à réfléchir aux notions de bonheur, aux choix que nous faisons et à l’impact qu’ils peuvent avoir sur le reste de notre existence.

Chaque chapitre nous plonge dans une journée clé d’une période différente de sa vie. Ce choix narratif donne au récit une dimension presque fragmentée, comme si nous feuilletions un album de souvenirs. L’efficacité du propos repose justement sur cette économie : quelques scènes, quelques instants, mais toujours porteurs de sens.

Une émotion sans artifices

Dear Me, I Was… est un jeu poétique, émotionnellement marquant, qui submerge par la sincérité de son scénario, pourtant d’une simplicité désarmante. Sans aucun casting vocal, Arc System Works parvient malgré tout à nous happer. L’attachement aux personnages se construit naturellement, même lorsqu’ils n’apparaissent que le temps d’un chapitre. Certains croisent notre route brièvement, d’autres laissent une empreinte plus durable, mais tous participent à cette sensation de vie authentique.

C’est dans cette retenue — dans cette absence d’effets spectaculaires — que le jeu trouve sa force. Il ne cherche pas à impressionner, mais à raconter. Et parfois, cela suffit amplement.

Un gameplay minimaliste, presque en retrait

C’est sans doute le point le plus fragile du titre. À vrai dire, les développeur·euse·s n’ont jamais réellement misé sur cet aspect. Comme évoqué plus haut, Dear Me, I Was… se présente avant tout comme une expérience, une atmosphère, plutôt qu’un jeu à mécanique poussée. Mais impossible de faire l’impasse sur le gameplay dans un test.

Dans les faits, l’ensemble se rapproche d’un point & click très simplifié, flirtant avec le film interactif. Nous interagissons avec certains objets, manipulons des aliments ou cliquons sur des éléments du décor afin de faire progresser la scène. Ces interactions restent basiques et servent essentiellement à rythmer la narration plutôt qu’à proposer un véritable défi ou une quelconque complexité ludique.

Le dessin, élément central dans la vie de l’héroïne, donne lieu à quelques séquences spécifiques. En maintenant le clic gauche de la souris et en balayant le curseur sur la feuille, nous esquissons les traits qui composent l’illustration. L’idée est cohérente avec le propos du jeu, mais l’exécution laisse un léger goût d’inachevé. On aurait aimé un ressenti un peu plus satisfaisant, une interaction plus précise ou plus engageante, histoire de renforcer l’implication du joueur ou de la joueuse dans cet acte créatif.

Cela dit, la simplicité du gameplay s’inscrit dans la philosophie globale du projet. Arc System Works ne cherche pas à nous mettre à l’épreuve, mais à nous accompagner dans un récit. L’interactivité agit davantage comme un liant, une façon de nous maintenir impliqué·e, plutôt que comme un véritable moteur ludique.

En somme, le gameplay ne brille pas, mais il ne trahit jamais l’intention de l’œuvre : ici, c’est l’émotion qui prime sur la performance.

Une esthétique aquarelle tout en douceur

Le premier élément qui frappe dans Dear Me, I Was…, c’est ce trait fin, presque fragile, qui épouse un rendu évoquant l’aquarelle traditionnelle. Les arrière-plans semblent peints à la main, avec des textures diffuses, des contours estompés et des couleurs pastel qui se fondent délicatement les unes dans les autres. Les aplats laissent apparaître un effet de papier légèrement grainé, tandis que les personnages se détachent avec des lignes souples et vivantes. La palette privilégie les tons lavande, vert tendre, bleu brume ou rose poudré, installant d’emblée une atmosphère feutrée.

Ce choix visuel n’a rien d’anodin : il installe une sensation de souvenir. On n’est pas dans un réalisme frontal, mais dans une mémoire recomposée, imparfaite et sensible. L’image semble parfois prête à s’effacer, comme si chaque scène était un fragment fragile d’un passé que l’on tente de retenir.

Des personnages comme découpés dans la mémoire

Un détail particulièrement marquant réside dans ce léger halo blanc qui entoure les personnages. Ils apparaissent presque comme des silhouettes découpées puis posées sur le décor, à la manière de photographies collées dans un album. Ce procédé visuel permet d’abord de guider naturellement le regard, essentiel dans une expérience narrative interactive. Mais il possède aussi une portée symbolique forte.

Ces instants semblent isolés du monde, suspendus hors du temps. Les scènes de cuisine, les moments d’enfance au parc, l’adolescence à l’école d’art ou encore les instants partagés en couple prennent ainsi l’allure de fragments soigneusement conservés. Le jeu ne montre pas une vie dans sa continuité brute, mais dans sa dimension émotionnelle, comme si chaque tableau était un souvenir choisi, retenu, presque sacralisé.

Une évolution graphique au rythme de la vie

L’une des grandes réussites artistiques du titre tient dans sa progression visuelle subtile. L’enfance se pare de couleurs plus lumineuses et chaleureuses, avec des expressions ouvertes et des cadrages rassurants. L’adolescence adopte des teintes plus neutres, une ambiance scolaire plus introspective, où la mise en scène devient légèrement plus distante. À l’âge adulte, la lumière se fait plus froide, les décors plus épurés, parfois urbains, traduisant une forme de maturité — mais aussi de complexité.

Les moments dramatiques, eux, basculent vers des palettes désaturées et des atmosphères brumeuses. La scène à l’hôpital, notamment, exploite des bleus et des verts pâles qui traduisent la fragilité et la gravité de l’instant sans jamais sombrer dans le pathos appuyé. À l’inverse, les séquences de voyage — qu’il s’agisse de paysages enneigés ou d’un aquarium baigné de lumière — s’ouvrent sur des horizons plus vastes, presque symboliques, comme des respirations visuelles face aux épreuves.

Une lumière pensée comme un langage émotionnel

Bien que le rendu reste illustratif, le travail sur la lumière révèle une approche presque cinématographique. Dans les scènes aquatiques, un halo solaire diffus traverse l’image et crée une impression d’émerveillement silencieux. En montagne, la lumière hivernale accentue la pureté du décor tout en soulignant la rudesse du froid. Les intérieurs, eux, sont souvent baignés d’une clarté latérale douce, qui enveloppe les personnages et renforce l’intimité des moments.

Chaque décor semble conçu pour refléter l’état intérieur de l’héroïne. La lumière n’éclaire pas seulement l’espace : elle traduit une émotion, un souvenir, une transition.

Une cohérence totale entre fond et forme

Dear Me, I Was… ne cherche jamais la démonstration technique ni l’hyperréalisme. Son ambition est ailleurs : raconter une vie à travers l’image. Le style graphique facilite l’identification en évitant les détails trop spécifiques, universalise les émotions et met l’accent sur les gestes simples — un sourire esquissé, une main tenue, un regard échangé.

Cette esthétique évoque certains visual novels indépendants ou des films d’animation contemplatifs, mais elle conserve une signature propre, plus intime que spectaculaire. Le jeu ne cherche pas à impressionner, il cherche à toucher.

Une fragilité qui fait toute sa force

Ce qui ressort au final, c’est une cohérence remarquable. Les graphismes ne sont jamais là pour épater la galerie, mais pour accompagner le propos. Ils évoquent la nostalgie, la transmission, ces souvenirs que l’on garde malgré le temps qui passe. À première vue, le style pourrait sembler simple. Pourtant, il repose sur un travail précis des couleurs, des textures et de la composition.

Dear Me, I Was… fait ainsi le pari de la sensibilité visuelle. Et c’est précisément dans cette fragilité assumée que réside sa plus grande force artistique.

Une bande-son tout en délicatesse, au service de l’émotion

Si la direction artistique de Dear Me, I Was… frappe par sa douceur visuelle, sa bande-son prolonge cette sensibilité avec une justesse remarquable. Ici, pas de thèmes grandiloquents ni de compositions envahissantes : la musique adopte une approche minimaliste, presque pudique, qui accompagne les scènes sans jamais les dominer.

Les morceaux reposent majoritairement sur des instruments aux sonorités organiques — piano, cordes légères, nappes discrètes — qui installent une atmosphère intime. Le piano, en particulier, joue un rôle central. Quelques notes suffisent à suggérer la mélancolie, la tendresse ou l’hésitation. Les thèmes ne cherchent pas à imposer une émotion ; ils la suggèrent, la laissent émerger doucement, en cohérence avec le rythme contemplatif du jeu.

Le silence comme véritable outil narratif

L’un des aspects les plus réussis de la bande-son tient justement dans sa gestion du silence. Certaines scènes laissent respirer l’ambiance, ne conservant que des bruits d’environnement subtils : un souffle de vent, une ambiance feutrée d’intérieur, un léger écho aquatique. Ce choix renforce l’impression d’être plongé·e dans un souvenir. Le silence devient alors un espace d’introspection, presque un vide que le joueur ou la joueuse vient combler avec sa propre sensibilité.

Dans les moments plus difficiles — notamment les scènes à l’hôpital — la musique se fait encore plus retenue, parfois réduite à quelques accords suspendus. Cette économie de moyens évite tout pathos appuyé. L’émotion naît de la retenue, pas de la surenchère.

Une évolution sonore au fil des âges

Comme les graphismes, la bande-son évolue subtilement au fil des périodes de vie évoquées. L’enfance se pare de thèmes plus lumineux, presque naïfs dans leur simplicité mélodique. L’adolescence introduit des harmonies plus hésitantes, parfois teintées d’une douce mélancolie. À l’âge adulte, les compositions gagnent en profondeur, avec des arrangements un peu plus amples, mais toujours mesurés.

Lors des séquences d’évasion — voyage en montagne, aquarium — la musique s’ouvre davantage. Les nappes s’élargissent, les mélodies prennent un souffle plus ample, traduisant cette sensation d’horizon et de possible. À l’inverse, les scènes plus intimes privilégient la proximité sonore, comme si l’on était au plus près des pensées de l’héroïne.

Une cohérence émotionnelle totale

Ce qui marque surtout, c’est la cohérence entre l’image et le son. La bande originale ne cherche jamais à briller indépendamment du reste ; elle s’inscrit dans une logique d’accompagnement émotionnel. Chaque thème semble pensé comme un prolongement naturel des couleurs pastel et des contours flous du jeu.

Dear Me, I Was… confirme ainsi une chose essentielle : dans une œuvre introspective, la musique n’est pas un simple habillage. Elle devient un vecteur de mémoire. Elle relie les fragments de vie, souligne les transitions et donne une continuité sensible à ces tableaux épars.

En choisissant la retenue plutôt que l’emphase, la bande-son participe pleinement à l’identité fragile et précieuse du jeu. Elle ne cherche pas à faire pleurer — elle invite simplement à ressentir.

Une parenthèse douce et universelle

Avec Dear Me, I Was…, Arc System Works propose une œuvre à contre-courant. Loin des productions spectaculaires ou des mécaniques complexes, le studio livre une expérience intime, presque silencieuse, qui mise tout sur la sincérité de son propos. En à peine plus d’une heure, le jeu parvient à raconter une vie entière — avec ses joies simples, ses blessures discrètes, ses rencontres déterminantes et ses choix irréversibles.

Certes, le gameplay reste minimaliste et pourra laisser certain·e·s joueuses et joueurs sur leur faim. Mais ce serait passer à côté de l’essentiel que de réduire le titre à cette dimension. Car la véritable force de Dear Me, I Was… réside dans sa cohérence artistique : une direction visuelle en aquarelle d’une grande délicatesse, une bande-son pudique et émotive, une narration fragmentée qui évoque les souvenirs que l’on feuillette plutôt que les événements que l’on subit.

Le jeu ne cherche jamais à impressionner. Il ne force pas l’émotion. Il la laisse naître, doucement, au détour d’un regard, d’un dessin, d’un instant suspendu. Et dans un paysage vidéoludique souvent rythmé par la performance et la surenchère, cette retenue fait du bien. Dear Me, I Was… est une expérience courte, simple, mais profondément humaine. Une parenthèse poétique qui nous rappelle que les vies ordinaires sont souvent les plus universelles.

L’article Dear Me, I Was… : la douceur de l’aquarelle au service de l’émotion est apparu en premier sur LaRevueD'Geek.

Mi-gestion, mi-simulation

Du côté de la campagne, peu de nouveautés par rapport à WRC 8. Vous démarrez par quelques tests de conduite, faisant office de tutoriel. Ensuite, place à la véritable aventure. Vous arrivez dans un hall divisé en plusieurs sections, où vous êtes chargé·e de gérer votre carrière de A à Z.

Depuis WRC 8, la licence a ajouté une touche de gestion, et cela se confirme ici. Vous gérez votre calendrier – avec des courses, des entraînements ou des périodes de repos – mais aussi votre équipe de recherche et développement, structurée comme un arbre de compétences. Vous pouvez y dépenser vos points pour améliorer vos performances, la fiabilité de votre véhicule ou encore les compétences de vos équipes.

Il est également possible de recruter des membres pour votre staff : mécaniciens, météorologues, ingénieurs… Des choix qui ont un vrai impact sur vos performances. Dans cet espace central, vous pouvez aussi consulter vos messages, objectifs, statistiques et classements. Un système simple, mais efficace, qui donne un vrai rythme à la progression.

Une conduite à maîtriser pour les pilotes en herbe

Côté conduite, il faudra manier le volant avec adresse, à la manière d’un Sébastien Loeb des grands jours. Les réflexes sont sollicités, et chaque spéciale demande concentration et précision. Votre but : faire les meilleurs temps et faire grimper votre écurie au sommet.

La difficulté est bien calibrée. Les débutant·e·s peuvent activer diverses aides à la conduite (ABS, boîte automatique, assistance au départ…), tandis que les pilotes aguerri·e·s pourront tout désactiver pour vivre une simulation plus exigeante. En choisissant une difficulté plus élevée, les sensations sont nettement plus fortes, rendant l’expérience aussi stressante que grisante.

Simulation, quand tu nous tiens

WRC 9 est un vrai plaisir à jouer dès qu’on désactive les aides et qu’on s’immerge pleinement dans la simulation. Vous affronterez différents types de terrains : neige, bitume, gravier, routes arides ou montagneuses. Et ces surfaces ne sont pas de simples variations visuelles : elles influencent directement votre conduite.

Le moteur vrombit, la voiture vibre, dérape, souffre sur les virages mal négociés. Chaque condition météo ou surface peut mettre vos réflexes à rude épreuve. Un virage trop rapide sur la neige, et c’est la sortie de route. Trop d’optimisme dans un canyon, et c’est la chute assurée.

La transition entre les différents types de revêtements est palpable. La manette vibre plus ou moins fortement selon la route, et la conduite devient plus douce sur l’asphalte. L’immersion est renforcée grâce à la vue intérieure, avec gestion des essuie-glaces, des phares, et une visibilité réduite dans certaines conditions.

Visuellement, le jeu est agréable à regarder. Si admirer les paysages est compliqué en pleine course, lors des balades libres, on profite pleinement des décors bien réalisés.

Une belle dose de contenu

WRC 9 propose une offre solide en solo comme en multijoueur. En solo, on retrouve bien sûr le mode carrière, mais aussi le mode saison, qui reprend la carrière sans les éléments de gestion, pour celles et ceux qui veulent uniquement se concentrer sur la course.

Vous pouvez également lancer des courses libres avec le véhicule et le parcours de votre choix, pour varier les plaisirs. Les épreuves se déroulent aux quatre coins du monde, avec une bonne diversité de décors et de tracés.

Côté multijoueur, WRC 9 propose quatre options principales :

• Multijoueur en ligne : affrontez d’autres pilotes dans des courses rapides.

• Événements en ligne : des épreuves renouvelées chaque jour ou semaine, pour grimper dans le classement.

• Épreuves spéciales : des défis e-sport avec des badges à gagner pour les meilleurs temps.

• Écran partagé : jouez avec vos ami·e·s sur le même canapé pour des soirées rallye endiablées.

Enfin, il est possible de consulter les classements mondiaux pour voir si vous êtes proche des meilleurs temps ou si un peu d’entraînement s’impose encore.

Ce neuvième épisode n’apporte pas de grands changements, à l’exception d’une amélioration graphique globale. Est-ce un défaut ? Pas nécessairement. Les sensations sont toujours présentes, l’immersion est au rendez-vous, et le contenu reste généreux. Certes, on pourrait voir ce jeu comme une mise à jour de WRC 8 plutôt qu’un tout nouvel épisode. Cela peut faire tiquer, surtout côté budget. Mais objectivement, le jeu est toujours aussi solide et agréable à jouer. Peut-être que les vraies nouveautés arriveront plus tard. En attendant, Kylotonn continue sur sa lancée, et force est de constater que ça fonctionne bien.

L’article WRC 9 – Dans la même veine que le précédent est apparu en premier sur LaRevueD'Geek.

Le retour du ninja

L’histoire reste classique, fidèle aux codes de la saga : Joe Musashi revient chez lui pour découvrir son village réduit en cendres et son clan transformé en pierre. Cette situation, bien que traditionnelle, sert de prétexte idéal à une aventure centrée sur la vengeance et l’action. Fidèle à la tradition du héros silencieux, Joe ne parle pas, mais grogne, et certains PNJ ou ennemis réagissent à ses murmures ou grognements, offrant un petit humour discret qui tranche avec la gravité de sa quête. Ce petit détail permet au jeu de conserver un esprit old-school tout en y ajoutant un clin d’œil moderne et malicieux.

Dès les premières minutes, on comprend que Shinobi mise avant tout sur l’action et la maîtrise des techniques du ninja. Chaque niveau, chaque affrontement, chaque secret découvert rappelle que l’exploration et le combat sont intimement liés, et que la progression du joueur est au cœur de l’expérience.

Un gameplay riche et nerveux qui transforme Joe Musashi en virtuose

Lizardcube a élargi de manière impressionnante le panel de mouvements de Joe Musashi. Double saut, dash au sol et dans les airs, wall-jump, roulade, attaque verticale ou plongeante, grappin et enchaînements aériens… Chaque mouvement s’intègre avec fluidité dans le gameplay et laisse rapidement la place à l’expression personnelle du joueur. Les combats deviennent un ballet technique où l’on enchaîne combos et finish moves avec un plaisir constant, que ce soit contre des ennemis isolés ou face à des groupes plus nombreux.

Les Ninpôs et Ninjutsus viennent enrichir le système de combat, apportant un aspect stratégique supplémentaire. L’exécution, déclenchée lorsque la jauge des ennemis est remplie, permet de finir un adversaire de manière spectaculaire, de régénérer de la vie ou de libérer l’écran de plusieurs ennemis à la fois. Bien utilisée, cette mécanique ajoute une dimension tactique aux combats et récompense la patience et le timing. Mais elle peut aussi être capricieuse : un finish mal placé ou une téléportation involontaire peuvent transformer un combat en moment frustrant, rappelant que la précision reste le maître mot.

Les sensations de progression sont ainsi particulièrement marquées dans Shinobi: art of vengeance. Les combos et les enchaînements réussis procurent une vraie satisfaction, et le sentiment de maîtrise grandit au fil du jeu. La prise en main est instinctive, et le gameplay, même complexe, reste accessible tout en offrant une profondeur appréciable pour les joueurs exigeants.

Exploration et rejouabilité au service du 100 %

Shinobi: Art of Vengeance s’inscrit dans une logique semi-Metroidvania. Chaque niveau est découpé en grandes zones aux multiples embranchements, avec des secrets, des coffres et des défis secondaires comme les Escouades d’élite (des combats spéciaux contre des groupes d’ennemis offrant récompenses et améliorations) ou les Brèches de l’Ankou (des zones optionnelles particulièrement difficiles où l’on teste ses compétences de ninja). Ces éléments incitent à revenir sur des zones déjà explorées pour débloquer des objets, des compétences et des améliorations.

Le jeu simplifie grandement la revisite des niveaux : il est possible de se téléporter à n’importe quel point de sauvegarde et de sortir d’un niveau instantanément. Cette liberté permet de poursuivre ses objectifs secondaires sans frustration et rend la quête du 100 % particulièrement plaisante. Les compétences débloquées — grappin, poing canon, griffes — ouvrent de nouveaux chemins, donnant un réel plaisir d’exploration et renforçant l’impression que chaque niveau cache davantage qu’il n’y paraît au premier passage.

Malgré cette richesse, le level design n’échappe pas à quelques longueurs et répétitions. Les séquences d’interrupteurs ou les puzzles peuvent se succéder de manière un peu scolaire, et certaines sections en scrolling forcé manquent de précision ou d’originalité. Cependant, la liberté de naviguer entre les points de sauvegarde et de revisiter les niveaux à volonté atténue ces défauts, et la rejouabilité reste un vrai point fort.

Boss et combats majeurs

Les boss sont présents tout au long de l’aventure et ajoutent de vrais pics de tension et de challenge. Leur intérêt et leur qualité de design sont assez inégaux : certains sont très réussis, offrant des patterns variés et des combats plaisants, tandis que d’autres paraissent plus anecdotiques ou répétitifs. Néanmoins, même ces derniers permettent de tester ses réflexes et sa maîtrise des techniques de Joe Musashi. Globalement, les affrontements de boss apportent des moments mémorables, ponctuant l’aventure et donnant un sentiment d’accomplissement quand on parvient à les vaincre.

Des combats nerveux et une difficulté qui exige la maîtrise

Les affrontements restent le cœur de l’expérience. Les combats contre un petit nombre d’ennemis sont particulièrement gratifiants : lisibles, fluides et techniques, ils permettent de tester et d’affiner ses combos. La difficulté, bien que généralement juste, peut parfois sembler capricieuse : certains ennemis combinés ou certains boss imprévisibles exigent patience et précision.

Les réglages de difficulté et les options d’accessibilité sont particulièrement bien pensés, permettant à chacun d’adapter l’expérience selon ses envies. Chaque combat est l’occasion de jongler avec les techniques disponibles et de tirer parti des Ninpôs, Ninjutsus et exécutions pour transformer l’action en un véritable spectacle stratégique.

Une direction artistique soignée et immersive

La 2D est superbe, fluide et pleine de détails. Le style bande dessinée donne une vraie identité visuelle à l’ensemble et rend hommage à la saga tout en la modernisant. Les calques d’arrière-plan accentuent la profondeur et la lisibilité générale est bonne, même si certaines zones ou certains boss paraissent parfois moins nets.

La bande-son, composée par Tee Lopes et Yūzō Koshiro, accompagne parfaitement l’action et participe à l’immersion. Les thèmes s’adaptent à chaque situation sans rupture de ton, renforçant la sensation de vivre une aventure cohérente et maîtrisée.

Shinobi: Art of Vengeance réussit pleinement son pari. Il modernise la série tout en respectant son héritage, offrant un gameplay riche, nerveux et gratifiant, des combats techniques et un système d’exploration qui encourage à revenir sur chaque niveau pour tout découvrir. Les boss variés, la liberté de revisiter les niveaux à tout moment, ainsi que les défis secondaires comme les Escouades d’élite ou les Brèches de l’Ankou renforcent l’expérience et assurent une rejouabilité exceptionnelle. Les longueurs, quelques répétitions ou défauts mineurs de lisibilité ne suffisent pas à ternir l’expérience. Joe Musashi retrouve ses lettres de noblesse et prouve que, même après des décennies, un ninja peut toujours surprendre et captiver. Pour les nostalgiques comme pour les nouveaux venus, c’est un retour réussi et enthousiasmant.

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De l’Égypte d’Agatha Christie aux années 70 de Microids

Publié en 1937, Mort sur le Nil est l’un des romans les plus célèbres d’Agatha Christie, la grande dame du polar britannique. On y retrouve son détective fétiche, Hercule Poirot, en voyage sur un luxueux bateau à vapeur qui descend le Nil. Ce qui devait être une croisière idyllique tourne vite au drame lorsqu’une riche héritière est assassinée. Entre jalousies, rancunes et secrets bien gardés, chaque passager devient un suspect potentiel. Avec son sens inégalé du suspense et des retournements de situation, Christie signe ici une intrigue fascinante qui explore les passions humaines et les dangers qu’elles peuvent engendrer.

Dans le jeu développé par Microids, l’histoire est réadaptée. Les joueuses et joueurs incarnent tour à tour le célèbre Hercule Poirot et Jane Royce, une enquêtrice passionnée par les méthodes du détective. Ensemble, ils devront élucider le meurtre survenu pendant la croisière, mais aussi une autre affaire qui concerne directement Jane. Le scénario s’étend ainsi avant, pendant et après la traversée du Nil, permettant d’explorer de nouveaux lieux emblématiques comme Majorque, Londres et Le Caire.

L’action prend place dans les années 70, une décennie marquée par de profondes transformations sociales. Mouvements féministes, luttes pour les droits des minorités, libération des mœurs, mais aussi discothèques, pattes d’eph et ambiance psychédélique composent le décor. Ce choix esthétique et narratif apporte une touche originale et contemporaine à l’intrigue, donnant vie à des personnages hauts en couleur dans une atmosphère à la fois rétro et captivante.

Trois niveaux de difficulté pour adapter l’enquête à votre style de jeu

Agatha Christie – Mort sur le Nil propose trois modes de difficulté, permettant à chacun·e de choisir l’expérience qui lui correspond le mieux. Le mode Histoire est pensé pour celles et ceux qui souhaitent simplement se laisser porter par le scénario : toutes les aides y sont activées, des pistes à explorer aux indices pour résoudre les énigmes. Le mode Détective offre une expérience plus équilibrée entre enquête et narration, avec certaines aides actives, mais aussi des fausses pistes pour corser un peu les déductions. Enfin, le mode Herculéen s’adresse aux enquêtrices et enquêteurs chevronnés : ici, aucune aide n’est disponible, les énigmes sont plus exigeantes et les indications masquées. Un vrai défi qui mettra vos capacités d’observation et de logique à l’épreuve.

Des énigmes variées entre puzzles ludiques et casse-tête corsés

Du côté des énigmes, on retrouve une expérience assez similaire au précédent épisode. Les joueurs et joueuses disposent de fiches de personnages à compléter, de puzzles, de casse-tête et d’énigmes en tout genre. La plupart restent accessibles, mais certaines mettront vos neurones à rude épreuve. La difficulté est donc bien dosée : on ne bloque pas à chaque étape, mais le jeu demande tout de même de la logique et un certain esprit de déduction.

Certaines énigmes apparaissent directement dans le menu et rappellent des jeux d’enfance : relier des personnages entre eux, remettre des images dans le bon ordre pour reconstituer une chronologie, etc. Ce côté ludique amuse et surprend, car il évoque des jeux pour enfants, alors que le titre s’adresse plutôt à un public adolescent, young adult ou aux fans d’Agatha Christie. À noter que la carte mentale, l’espace où l’on centralise ses déductions, a été retravaillée : plus claire et plus dynamique, elle fluidifie l’avancée de l’enquête.

En parallèle, d’autres énigmes se trouvent directement dans les environnements visités. Il faudra ainsi ouvrir une porte verrouillée, déchiffrer un coffre-fort ou encore découvrir une cachette dissimulée dans un porte-clés. Ces casse-tête, plus immersifs, se révèlent également plus exigeants : ils demandent davantage de réflexion et, souvent, un bon sens de l’observation.

Observation et écoute, les clés du succès

L’observation est l’un des grands points forts du jeu. D’abord, elle se manifeste à travers la recherche de collectibles cachés, comme les célèbres moustaches dorées ou encore les disques vinyles à collectionner. Mais elle ne s’arrête pas là : être attentif·ve aux détails et à l’environnement permet également de résoudre certaines énigmes plus rapidement.

L’écoute joue un rôle tout aussi essentiel. Prêter attention aux dialogues et aux personnages offre souvent des indices précieux qui mènent à la bonne déduction. Même si l’ensemble reste relativement accessible, cette mécanique valorise la concentration et rend la progression plus fluide.

Pour les complétionnistes, le jeu propose trente succès à débloquer. Ils couvrent à la fois les missions principales, les collectibles et des énigmes secrètes, encourageant ainsi à fouiller chaque recoin et à rester attentif·ve du début à la fin pour atteindre le 100 %.

Une direction artistique charmante mais perfectible

Contrairement à son prédécesseur, Mort sur le Nil séduit un peu moins sur le plan visuel. On retrouve la même patte graphique cartoonesque, agréable dans l’ensemble, avec des décors soignés et riches en détails. Pourtant, l’ensemble paraît parfois daté, certaines textures manquant de finesse ou de finition.

Côté ambiance sonore, rien à redire sur la bande musicale, qui alterne jazz et morceaux inspirés des seventies. Ces sonorités dynamisent l’exploration et s’accordent parfaitement avec le contexte historique choisi. En revanche, le sound design manque cruellement de travail. Les bruitages s’arrêtent souvent trop brusquement : passer près d’un point d’eau, par exemple, entraîne un silence soudain au lieu d’une douce disparition progressive du son. Dans certaines scènes, cela devient même gênant, comme dans le souk, où une même ligne de dialogue se répète en boucle, peu importe l’endroit où l’on se trouve.

Les personnages, quant à eux, restent dans la même veine que ceux de Le Crime de l’Orient-Express. Plutôt caricaturaux, notamment dans leurs expressions faciales, ils s’appuient sur des traits un peu forcés. Leur comportement suit la même logique, avec un Hercule Poirot exagérément théâtral : le détective termine ses phrases en insistant toujours sur le dernier mot, donnant presque l’impression qu’il les chante.

Des éditions spéciales pour les collectionneur·euses

En plus de son édition standard, Agatha Christie – Mort sur le Nil sera proposé dans des versions enrichies pour les amateurs et amatrices de belles éditions. Une Digital Deluxe Edition, disponible sur PC, inclura le jeu complet ainsi que plusieurs bonus numériques : la bande-son intégrale, un artbook digital intitulé The Art of Death on the Nile et des visuels exclusifs.

Pour les fans attachés aux objets physiques, une édition limitée sera disponible en Europe. Elle contiendra le jeu complet en version boîte, un artbook de 48 pages (The Art of Death on the Nile), un marque-page élégant et la bande originale du jeu en format numérique. De quoi séduire les collectionneur·euses et les passionné·es de l’univers d’Agatha Christie.

Une enquête accessible qui séduira les fans de Christie

Avec Agatha Christie – Mort sur le Nil, Microids continue d’explorer l’univers de la reine du crime, en proposant une expérience d’enquête fidèle à l’esprit de l’œuvre originale tout en y ajoutant une touche seventies pleine de personnalité. Si le jeu souffre de quelques faiblesses techniques, notamment côté sound design et finesse graphique, il compense par une intrigue bien construite, des énigmes variées et une atmosphère rétro qui dépaysent agréablement.

Accessible aux joueurs et joueuses les moins aguerri·es, mais suffisamment riche pour captiver les passionné·es de polars, ce nouvel épisode s’impose comme une porte d’entrée idéale dans l’univers vidéoludique d’Hercule Poirot. Et pour les collectionneur·euses, les éditions spéciales viendront compléter le plaisir d’une aventure déjà marquée par son charme et son authenticité.

En somme, un jeu imparfait mais attachant, qui devrait ravir les amateurs et amatrices de l’autrice britannique tout en séduisant une nouvelle génération d’enquêteur·rices virtuel·les.

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La Team Cherry contre le reste du monde

La Team Cherry, c’est un peu les gentils d’un film hollywoodien. Alors que nombre d’éditeurs rivalisent d’imagination pour monétiser la moindre extension, eux vont à contre-courant. Après un premier opus au contenu titanesque vendu à seulement 20 €, assorti de DLC gratuits et mémorables, ils récidivent : Silksong sort au même prix. Plus étonnant encore, le studio a refusé de distribuer des copies anticipées aux journalistes et influenceurs, privilégiant les backers du Kickstarter initial. Un pari risqué, qui pouvait laisser craindre une déception… La réponse fut limpide dès la sortie, malgré un lancement marqué par des crashs de Steam.

Pensé au départ comme un simple DLC, le projet a rapidement pris de l’ampleur, au point que les reports successifs ont nourri les doutes et les blagues dans la communauté. Les développeurs, eux, assuraient travailler à leur rythme, portés par des idées toujours plus nombreuses. Sept ans plus tard, leur obstination a payé.

L’histoire et l’univers : cryptique, mais incarnés

Côté scénario, Silksong reste cryptique, mais moins impénétrable que Hollow Knight. Hornet, désormais héroïne jouable, est capturée puis s’échappe pour se retrouver à Pharloom, un royaume mystérieux. Grande nouveauté : elle parle, dévoilant enfin une personnalité affirmée. Et si elle impressionne par son arme, c’est autant son caractère que sa maîtrise martiale qui fascine.

Le jeu n’offre que peu d’explications, que ce soit dans son récit ou dans ses mécaniques. Comme dans Hollow Knight, il ne prend pas le joueur ou la joueuse par la main — ce qui charme autant que cela peut rebuter. Les vétérans d’Hallownest (le monde du premier jeu) retrouveront des références et des échos familiers. Mais les nouveaux venus peuvent se sentir un peu perdus en route, faute d’options d’accessibilité.

Un gameplay plus agressif, acrobatique et varié

Le gameplay diffère profondément. Hornet est plus rapide, plus aérienne, et son « pogo » diagonal surprend au départ. Très vite, le jeu propose d’autres approches grâce à un large éventail d’outils et un système d’équipement plus riche que les charmes du premier opus. Hollow Knight: Silksong va encore plus loin en proposant plusieurs variantes de l’arme d’Hornet permettant des gameplay très différents.

Le soin change aussi : la jauge doit toujours être remplie en frappant, mais le processus est plus long et restaure trois masques d’un coup. Résultat : on prend plus de risques, on attaque davantage. Silksong encourage l’agressivité et offre, manette en main, une fluidité grisante. Hornet répond parfaitement, et la progression procure une satisfaction rare. Le jeu est exigeant, parfois cruel, mais jamais injuste.

Des boss grandioses, de véritables valses mortelles

Les affrontements contre les boss sont sans doute le sommet de Silksong. Chaque combat est une chorégraphie mortelle où les patterns, lisibles mais redoutables, obligent à une concentration absolue. Rien n’est laissé au hasard : chaque coup, chaque bond, chaque esquive fait partie d’une danse frénétique où la moindre erreur coûte cher.

La difficulté est exigeante sans jamais sombrer dans l’injustice. On apprend, on observe, on retente. Et quand enfin la victoire arrive, le sentiment de triomphe est inégalable. La diversité est impressionnante : aucun boss ne ressemble au précédent, chacun ayant son rythme, sa personnalité, et même une mise en scène qui renforce l’intensité du duel.

Visuellement et auditivement, ces combats sont un spectacle. Les animations détaillées, l’énergie dégagée par Hornet et ses adversaires, la musique de Christopher Larkin qui s’emballe au fil de l’affrontement : tout concourt à faire de ces moments des sommets de tension et d’émotion. Certains combats resteront gravés dans ma mémoire comme parmi les plus marquants vécus dans un jeu vidéo.

Points faibles & écarts d’équilibrage

Tout n’est pas parfait. Le nombre limité de bancs rend parfois certains retours face à des boss fastidieux, surtout dans la première partie du jeu, et l’équilibrage initial a nécessité un patch rapide — une mise à jour qui aurait sans doute dû être disponible dès la sortie. Certains regretteront aussi l’absence de mode de difficulté allégé, qui permettrait à davantage de joueurs/euses de découvrir cet univers.

L’économie du jeu repose sur des perles à farmer pour acheter de nombreux objets, ce qui peut paraître fastidieux. Enfin, le sentiment de progression est assez lent dans les premières heures. Mais la patience est récompensée, et ces écueils s’estompent au fil du temps.

Un contenu gargantuesque, un monde à découvrir

Car Silksong reste avant tout une ode à l’observation et à l’endurance. Dans l’exploration comme dans les combats, il faut analyser, patienter, trouver le bon moment pour frapper. Beaucoup d’ennemis ou d’obstacles infligent deux points de dégâts, ce qui rend chaque affrontement tendu, mais d’autant plus gratifiant. L’opiniâtreté du joueur est souvent justement récompensée et il semble parfois impossible de lâcher la manette tant le jeu nous absorbe. Hollow Knight: Silksong est certainement l’un des titres les plus appropriés au terme « jeu » : c’est bien simple, le joueur est actif avec sa manette 99 % du temps. Le tout est parfois éreintant, mais si satisfaisant et compensé par un système de quêtes plus avancé et clair que dans le premier jeu.

Les quêtes, qui consistent notamment à reconstruire Pharloom, peuvent sembler laborieuses au départ, mais elles facilitent la découverte des nombreux secrets en fin de partie. Et il y en a une quantité impressionnante. Même après soixante heures de jeu, plusieurs fins vues et 86 % de complétion, j’ai encore trouvé des zones pleines de surprises, preuve du génie de level design de Team Cherry.

Le contenu est colossal : plus de 150 ennemis uniques, plus de quarante boss, une trentaine de biomes variés (28 au total), chacun foisonnant de détails et de vie. Le royaume de Pharloom est immense et superbe. Tous les PNJ rencontrés sont uniques, évoluent selon nos actions, renforçant la sensation d’un monde cohérent et habité. Le tout est sublimé par les décors dessinés à la main et une bande-son de Christopher Larkin, magistrale, qui souligne chaque ambiance avec brio.

Tout simplement un chef-d’œuvre ! Le jeu m’a happé de la première à la dernière minute, comme je ne l’avais pas vécu depuis plusieurs années (depuis Elden Ring, certainement). Le monde Hollow Knight: Silksong est magnifique, grand et mystérieux. Son gameplay est tout simplement parfait et saura s’adapter aux joueurs patients. Et puis il y a ce sentiment rare, que peu de jeux savent provoquer : celui du « deuil vidéoludique ». Quand l’écran s’éteint, quand l’aventure touche à sa fin, on se demande comment un autre jeu pourrait offrir un tel niveau de plaisir et d’immersion. Pendant quelques jours, tout semble fade à côté. C’est la preuve qu’on a vécu quelque chose d’exceptionnel. Nous avons dû faire preuve de patience pour pouvoir enfin jouer à Hollow Knight: Silksong. Ces sept années étaient longues, mais nécessaires pour créer un jeu proche de la perfection pour les fans du premier titre. La Team Cherry livre une nouvelle merveille qui fait du bien au monde du jeu vidéo.

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Un retour épique sur l’arc de l’Entraînement des piliers

SEGA a frappé fort ce 28 juillet en levant le voile sur une nouvelle bande-annonce de The Hinokami Chronicles 2, centrée cette fois sur l’un des arcs les plus emblématiques du manga : l’Entraînement des piliers. Cet arc, charnière dans l’intrigue de Demon Slayer, voit nos pourfendeurs et pourfendeuses de démons se confronter à eux-mêmes et à leurs limites aux côtés des plus puissants piliers du Corps des pourfendeurs.

La bande-annonce propose une relecture intense des événements passés, allant des débuts de Tanjiro jusqu’à ce segment crucial, tout en offrant des séquences de gameplay dynamiques et stylisées, qui devraient ravir les fans du premier opus. Le mode VS y est particulièrement mis à l’honneur, révélant quelques-unes des mécaniques de combat retravaillées et les visuels toujours aussi fidèles à l’anime.

Découvrez la bande-annonce officielle sur YouTube :

Un casting qui s’étoffe et du contenu post-lancement prometteur

Outre cette vidéo, SEGA a profité de l’occasion pour faire plusieurs annonces majeures :

• Un Character Pass dédié au long-métrage Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Movie: Infinity Castle est prévu après la sortie du jeu. De quoi prolonger l’expérience pour les joueurs et joueuses qui souhaitent revivre les affrontements les plus intenses de la série.

• Le redoutable Muzan Kibutsuji, principal antagoniste de l’œuvre, sera jouable en mode VS dans le cadre d’une mise à jour gratuite disponible peu après le lancement du jeu.

Ces annonces montrent clairement la volonté de SEGA et de CyberConnect2 de faire évoluer le titre dans la durée, en suivant la progression de l’anime et du manga.

Une suite très attendue par les fans

The Hinokami Chronicles 2 s’inscrit dans la continuité du premier opus, qui avait conquis la communauté avec plus de 4 millions d’exemplaires vendus (versions physiques et numériques combinées). Cette suite promet plus de contenu, une fidélité encore plus marquée à l’œuvre originale, et des mécaniques de combat enrichies.

Le titre sortira officiellement le 5 août 2025 sur :

• Nintendo Switch

• PlayStation®5 / PlayStation®4

• Xbox Series X|S / Xbox One

• Steam®

Les joueurs et joueuses ayant précommandé le jeu pourront accéder à l’accès anticipé dès le 1er août, avec divers bonus à la clé. Le site officiel du jeu propose tous les détails sur les éditions disponibles, les personnages jouables et les options multijoueur.

Avec cette nouvelle bande-annonce, SEGA prépare habilement le terrain pour un lancement très attendu. Entre le retour de l’arc de l’Entraînement des piliers, l’arrivée de nouveaux personnages jouables, et un contenu post-lancement solide, The Hinokami Chronicles 2 s’annonce comme l’un des titres phares de cet été pour tous les fans de Demon Slayer, qu’ils soient joueurs occasionnels ou compétitrices aguerries. Restez à l’écoute : les prochaines semaines devraient encore nous réserver de belles surprises du côté de l’univers de Tanjiro et Nezuko.

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