Assassin’s Creed IV: Black Flag (2013) Une révolution dans la saga

Sorti en octobre 2013, Assassin’s Creed IV: Black Flag marque un tournant décisif pour la franchise d’Ubisoft. Après le triptyque consacré à Ezio Auditore et la conclusion en demi-teinte de la trilogie Desmond Miles, la série avait besoin de se réinventer. Ubisoft Montréal fait alors le pari audacieux de quitter le conflit ancestral entre Assassins et Templiers pour plonger le·la joueur·euse dans l’âge d’or de la piraterie, au début du XVIIIe siècle, dans les Caraïbes.

Le·la joueur·euse y incarne Edward Kenway, jeune gallois devenu pirate par appât du gain, bien avant de devenir malgré lui le grand-père de Connor Kenway. Là réside l’une des grandes forces du jeu : Edward n’est ni un Assassin convaincu ni un Templier acquis à une cause, mais un aventurier motivé par la richesse et la liberté, ce qui lui confère une ambiguïté morale rare pour l’époque et une écriture saluée comme l’une des meilleures de la saga.

Le gameplay opère une refonte en profondeur qui redéfinit durablement l’identité de la série. Le combat naval devient un pilier central : navigation à bord du Jackdaw, abordages spectaculaires, exploration d’un archipel caribéen riche de plus de cinquante lieux. La direction artistique, portée par les chants de marins et une lumière tropicale superbe, renforce une immersion rarement égalée.

Le jeu n’échappe pas à certaines critiques. La trame contemporaine, désormais centrée sur un employé anonyme d’Abstergo, est jugée faible et casse le rythme du récit. Le lien entre l’intrigue Assassins-Templiers et l’aventure de piraterie paraît parfois artificiel, et la répétitivité de certaines activités annexes commence à se faire sentir.

Malgré ces réserves, l’accueil est très favorable : beaucoup considèrent Black Flag comme l’un des meilleurs épisodes de la saga, salué pour avoir renouvelé la formule sans trahir l’identité de la licence.

Son héritage est considérable. La navigation dans Origins, Odyssey ou Valhalla doit beaucoup aux mécaniques posées ici, tout comme le glissement vers des mondes ouverts plus vastes qui préfigure le virage RPG de la série. Le spin-off Assassin’s Creed Rogue (2014) prolonge directement son univers. Plus largement, Black Flag a prouvé qu’un Assassin’s Creed pouvait s’éloigner du folklore traditionnel sans perdre son public, ouvrant la voie à des cadres historiques toujours plus variés.

L’annonce de Black Flag Resynced : le secret le plus mal
gardé du jeu vidéo

L’existence d’un remake de Black Flag n’a jamais vraiment été un mystère pour qui suivait l’actualité d’Ubisoft. Les rumeurs sur un possible projet avaient commencé à circuler dès juin 2023, bien avant que le studio ne confirme quoi que ce soit officiellement. Le titre a ensuite fuité une première fois en décembre, via une liste d’un organisme de classification, alimentant des mois de spéculation. Ubisoft a fini par entrouvrir la porte en mars 2026, sans donner de nom précis, en glissant malicieusement une référence au dicton culte de la saga pour laisser entendre que quelque chose se préparait bel et bien.

La suite a viré au running gag. En avril, l’éditeur annonce enfin une présentation dédiée pour le 23 du mois, en assumant pleinement le fiasco : le message qui accompagne l’annonce s’intitule sobrement « On sait que vous savez, alors autant vous en dire un peu plus maintenant », une manière assez rare pour un éditeur de reconnaître publiquement que son secret est éventé depuis longtemps. Comme pour prouver le point jusqu’au bout, la bande-annonce elle-même fuite quelques jours avant la présentation officielle, via un compte anonyme sur X qui publie dix secondes de séquences avant de s’arrêter là. Plutôt que de sévir, Ubisoft choisit de jouer le jeu et même de plaisanter sur ses propres fuites, un choix d’autant plus notable que le studio avait, par le passé, menacé de poursuivre des acteurs pour des indiscrétions similaires.

Le contexte de cette annonce n’est pas anodin. Elle intervient après la sortie d’Assassin’s Creed Shadows en 2025, un épisode qui a permis à la licence de renouer avec un certain enthousiasme critique tout en continuant d’explorer la formule RPG initiée par Origins. L’annonce d’un retour à Black Flag, considéré par une large partie du public comme le meilleur des quatorze épisodes principaux de la saga, ravive alors un espoir précis chez les fans : celui de voir la série renouer avec une expérience plus resserrée, plus incarnée, après plusieurs opus tentaculaires. Ubisoft insiste d’ailleurs sur ce point en présentant Resynced comme un jeu d’action-aventure éloigné des mécaniques de rôle, un retour assumé à une expérience solo et centrée sur le personnage d’Edward Kenway plutôt que sur l’accumulation de systèmes annexes.

Cette annonce s’accompagne également d’un changement de ton en interne. Jean Guesdon, directeur créatif historique de la franchise revenu spécialement pour l’occasion, évoque un jeu tourné vers la lumière et l’évasion, en rupture avec les récits plus sombres des dernières années. Les intrigues contemporaines centrées sur Abstergo, jugées être l’un des points faibles du jeu original, sont retravaillées, tout comme certains arcs secondaires consacrés à des figures comme Barbe Noire ou Stede Bonnet. De quoi nourrir, chez une partie du public lassée par la surenchère des mondes ouverts, l’espoir que ce retour aux sources marque un nouveau chapitre plus maîtrisé pour la saga, à l’approche de son vingtième anniversaire.

Le corps-à-corps : Edward change de tempo

C’est sans doute le chantier le plus casse-gueule de tout Resynced, et paradoxalement celui où Ubisoft Singapore a pris le plus de risques. Le combat au sabre de Black Flag original, on s’en souvient tous : un système de contre-attaques en chaîne, ultra permissif, où il suffisait de guetter l’icône rouge au-dessus de la tête d’un garde pour appuyer sur un bouton et enchaîner les exécutions. Confortable, spectaculaire à l’écran, mais franchement peu exigeant. Ubisoft a choisi de tout reconstruire autour d’un système à base de hitbox, avec des parades chronométrées et des ruptures de garde à provoquer chez l’adversaire. Edward se déplace plus vite, réagit plus nerveusement, et les ennemis ne se contentent plus d’attendre sagement leur tour : ils encaissent, ils feintent, ils s’adaptent si on répète toujours la même parade. Concrètement, ça donne un combat où la garde adverse doit être cassée avant de pouvoir porter le coup fatal, où la fenêtre de parade parfaite est volontairement resserrée, et où les finish moves spectaculaires ne s’obtiennent qu’en le méritant plutôt qu’en spammant un bouton.

La lame secrète, elle, change de statut : impossible désormais de l’utiliser à la volée en plein duel comme au bon vieux temps, elle est réservée aux éliminations furtives et à quelques prompts d’exécution contextuels. Un choix qui fera grincer des dents les puristes attachés à la sensation de toute-puissance du Kenway période 2013, mais qui rapproche clairement Resynced de la grammaire de jeux plus récents comme Mirage ou Shadows.

L’infiltration profite du même chantier. La position accroupie, purement contextuelle dans l’original, dispose enfin d’un bouton dédié, ce qui change beaucoup de choses dans la lecture des zones ennemies. Le cycle jour-nuit influe désormais directement sur la visibilité d’Edward, l’obscurité devenant un vrai allié tactique et non plus un simple habillage esthétique. Le parkour, lui, emprunte largement aux épisodes récents avec des sauts libres et de nouvelles options d’éjection le long des murs, ce qui rend la traversée des villes plus fluide, presque désinvolte comparée à la raideur d’origine. Les missions de filature et d’écoute, souvent citées parmi les points faibles du jeu de 2013, ont également été retravaillées en profondeur pour éviter la sanction immédiate au moindre écart.

Le combat naval et la flotte du Jackdaw

Impossible de parler de Black Flag sans s’attarder longuement sur ce qui a toujours constitué son âme : la mer, et le Jackdaw. Sur ce point précis, Ubisoft n’a pas triché, la refonte est considérable et c’est là, à mon sens, que Resynced impressionne le plus.

Le bateau reste fondamentalement le même dans son âme, mais tout ce qui l’entoure a été retravaillé pour gommer les frictions de l’époque. Le monde est désormais entièrement raccord : plus aucun écran de chargement entre la navigation en haute mer et l’entrée dans les grandes villes comme La Havane ou Nassau, ce qui change littéralement la façon dont on habite ce monde. On passe du pont du navire aux quais d’un port sans la moindre coupure, et cette continuité fait une différence de perception plus grande qu’on ne l’imagine sur le papier.

Le système d’armement a lui aussi gagné en profondeur. Les tirs latéraux du Jackdaw restent directionnels comme dans l’original, mais les tirs lourds, les mortiers et les barils de poudre disposent désormais de modes alternatifs qui offrent davantage de nuances tactiques selon le type d’adversaire affronté. Trois vitesses de navigation demeurent disponibles, de la voile réduite à la pleine voile en passant par la vitesse de croisière, et le système de niveau de recherche évolue sur quatre paliers : les deux premiers se contentent d’envoyer une frégate isolée à vos trousses, tandis que les niveaux trois et quatre déclenchent carrément un convoi entier de chasseurs de pirates. Vaincre ces poursuivants ne fait d’ailleurs pas baisser la jauge, seul un pot-de-vin ou l’abordage ciblé de certains navires marchands permet de retrouver une relative tranquillité.

Chaque région des Caraïbes abrite désormais un fort qu’il est possible d’assaillir frontalement, un affrontement généralement corsé qui alerte au passage les navires ennemis alentour. Une fois la bataille navale remportée, il faut encore débarquer avec son équipage pour affronter les renforts à terre et faire chuter le moral de la garnison jusqu’à pouvoir affronter le commandant du fort en duel et s’emparer du lieu. C’est un vrai ajout structurel, qui transforme la prise de fort en petite mission en soi plutôt qu’en simple échange de bordées.

La gestion de la flotte progresse également sur plusieurs fronts. On peut désormais recruter des officiers pour renforcer l’équipage du Jackdaw, personnaliser son apparence bien au-delà des simples teintures de coque disponibles à l’époque, et améliorer le navire par paliers pour espérer un jour affronter les vaisseaux légendaires qui patrouillent les eaux caribéennes, de loin les adversaires les plus coriaces du jeu. Priorité logique en début de partie : les canons latéraux, la coque et les munitions lourdes, sans quoi la première rencontre avec une frégate ou un brick un peu trop ambitieux se soldera par un naufrage éclair. Petit ajout d’ambiance qui n’a l’air de rien mais qui personnalise beaucoup l’expérience : une roue dédiée permet désormais de choisir précisément le chant de marin que l’on souhaite entendre, ou de couper purement et simplement les chansons pour ne garder que le bruit des vagues, quand l’original imposait sa bande-son sans qu’on ait notre mot à dire.

Ce qui disparaît, ce qui s’ajoute

Tout n’est pas que gain dans cette refonte, et c’est bien normal. Le multijoueur, qui faisait pourtant partie de l’ADN de Black Flag à sa sortie, ne fait pas le voyage jusqu’à Resynced, une absence que certains vétérans regretteront sûrement. La personnalité d’Edward, plus posée et plus introspective que dans mon souvenir de 2013, ne fera probablement pas non plus l’unanimité chez les puristes les plus attachés à la version originale du personnage.

En contrepartie, le jeu s’enrichit d’environ six heures de contenu inédit, avec de nouvelles îles, de nouvelles activités annexes et des arcs secondaires étoffés autour de figures comme Barbe Noire ou Stede Bonnet. La plongée sous-marine devient enfin libre sur l’ensemble de la carte, permettant de dénicher des épaves et des secrets immergés qui n’existaient tout simplement pas dans l’original. Nouveauté plus surprenante, des Rifts optionnels permettent d’explorer de courtes scènes alternatives, des « et si » mettant en scène Edward et d’autres personnages du récit, une façon assez maligne de recréer une forme de séquence contemporaine sans réintroduire lourdement le liseré Animus qui plombait le rythme du jeu de 2013.

Quel avenir pour Resynced ?

Sur le papier, tout ce que j’ai décrit plus haut dessine un remake ambitieux, plus proche du remake pur que du simple remaster malgré l’étiquette marketing choisie par Ubisoft. Dans les faits, l’accueil critique reste partagé depuis la sortie début juillet : une partie de la presse salue une modernisation réussie qui ne trahit pas l’identité du jeu original, quand une autre salue une simulation d’eau et une direction artistique éblouissantes, contrebalancées par des plantages récurrents et une intelligence artificielle qui accuse parfois son âge malgré la refonte. Ce grand écart résume assez bien ce qu’est devenu Ubisoft ces dernières années : un studio capable du meilleur sur le plan technique et artistique, mais qui peine encore à livrer une expérience irréprochable sur le plan de la stabilité.

Pour l’avenir, deux pistes se dessinent. La première concerne le jeu lui-même : les développeurs ont laissé entendre qu’ils disposaient déjà de pistes de contenu additionnel, sans toutefois confirmer le retour de Freedom Cry, l’extension consacrée à Adéwalé qui avait marqué les esprits en 2013. Ce serait pourtant une suite logique tant l’histoire d’Adéwalé, ancien esclave devenu capitaine, résonnerait fort dans le climat actuel de la licence, plus attentive qu’auparavant à la diversité de ses récits historiques. La seconde piste dépasse largement Resynced : Ubisoft a profité de la période pour évoquer la suite de sa feuille de route, entre l’amélioration technique de titres plus anciens comme Unity et des allusions à d’autres retours possibles dans le catalogue. Difficile de ne pas y voir une stratégie assumée de la part de l’éditeur, qui semble vouloir capitaliser sur son patrimoine à l’approche du vingtième anniversaire de la saga plutôt que de multiplier les prises de risques créatives sur de nouveaux épisodes.

Reste la question qui fâche, celle que je posais en ouverture. Resynced est-il un cadeau aux joueurs·euses ou une opération comptable habillée en hommage ? Je crois, au terme de cette traversée, que le jeu échappe à ce dilemme trop binaire. Le travail effectué sur le combat, la navigation et la gestion du Jackdaw témoigne d’un vrai souci de faire mieux, pas seulement de faire pareil en plus beau. Mais l’absence de prise de risque narrative, le silence prudent sur Freedom Cry et la persistance de bugs qui n’auraient pas dû survivre à la certification laissent un goût d’inachevé. Ubisoft a démontré qu’il savait encore honorer ses classiques. Il lui reste à prouver qu’il sait aussi les accompagner jusqu’au bout, sans laisser la nostalgie faire le travail à sa place.

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Le joueur ou la joueuse y incarne un jeune Spinosaure maniant une gigantesque épée forgée d’un pouvoir ancien, engagé dans un combat désespéré pour empêcher une extinction imminente. Sur sa route : des dinosaures rivaux, certains eux-mêmes armés de leurs propres armes brutales, qui rendent chaque affrontement potentiellement mortel.

Des biomes dominés par des Alpha

Le titre promet un monde vaste et varié, des canyons arides aux jungles denses noyées de brume. Chaque région traversée est dominée par un Alpha féroce, présenté comme un prédateur ultime gardant la voie à suivre : les vaincre est la seule façon de progresser, sous peine d’être soi-même dévoré.

Une montée en puissance par les combos et les armes légendaires

Chaque victoire permet de progresser : maîtriser de nouvelles compétences, libérer des capacités dévastatrices et forger son propre style de combat. Le système annoncé mêle enchaînement de combos, esquives, roulades et parades au bon moment, avec des armes légendaires disséminées à travers le monde à découvrir en explorant.

Un mystère au cœur du monde sauvage

Le scénario évoque un mystère central capable de sauver l’espèce du héros ou de la condamner à jamais, sans que le dossier de presse n’en révèle davantage à ce stade. Selon les informations disponibles, aucun détail n’a par ailleurs été communiqué sur la durée de vie du titre ni sur l’éventuelle présence d’un mode coopératif — des éléments qui restent à vérifier lors des premiers essais.

Fiche technique

• Développeur / Éditeur : Team Spino
• Genre : RPG d’action
• Plateforme : PC
• Joueurs : 1
• Date de sortie : 23 juillet 2026

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Le roster de lancement compte 12 personnages jouables, chacun animé en 2D dessinée à la main pour coller au plus près de l’identité visuelle des deux séries. Le jeu propose un éventail de modes conséquent : Versus hors ligne et en ligne, Arcade, Entraînement, Spectateur, ainsi qu’une galerie d’art dédiée à l’histoire de la licence, présentant pour la première fois des illustrations originales de personnages et de scènes.

Un mode Histoire et un mode Arcade distincts

Le mode Histoire principal permet de façonner le destin du temps et de l’espace de l’univers Avatar, tandis que le mode Arcade propose des scénarios uniques à chaque personnage jouable, une structure classique du genre qui permet d’explorer les motivations propres à chaque combattant·e.

Des contrôles accessibles, un système technique en profondeur

Les développeurs annoncent des contrôles intuitifs pensés pour les matchs rapides entre ami·es ou en famille, tout en promettant un système de combat plus élaboré sous la surface, valorisant les prouesses techniques et la créativité. Le mode Entraînement, particulièrement complet, met à disposition des outils avancés : hitboxes (boîtes de collision), frame data (données de trame) et save states (états de sauvegarde), de quoi satisfaire les joueuses et joueurs les plus exigeants en matière d’apprentissage.

Une offre compétitive avec rollback netcode

Côté compétitif, le jeu s’appuie sur un rollback netcode et le crossplay entre toutes les plateformes modernes et le PC, avec matchs et salons classés ou amicaux, mode spectateur et système de replays.

Édition Deluxe et bonus de précommande

Une édition Deluxe est également proposée, incluant le jeu complet accompagné d’un artbook numérique consacré au style dessiné main du titre, du Pass Année 1 offrant cinq personnages jouables supplémentaires dès leur sortie, ainsi que la bande-son originale complète. Les précommandes donnent quant à elles accès à une apparence exclusive baptisée Samurai Appa, à des coloris exclusifs pour Aang, Korra, Zuko, Katara, Toph et Sokka, ainsi qu’à un vote permettant de choisir l’un des personnages du Pass Année 1.

Fiche technique

• Développeur : Gameplay Group International
• Éditeur : PM Studios
• Genre : Combat
• Plateformes : PlayStation 5, Xbox Series X/S, PC (23 juillet 2026) ; Switch 2 et Switch (date à préciser)
• Joueurs : 1 à 2
• Prix : 28,99 €

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Un prologue pour ne laisser personne sur le carreau

Comme son prédécesseur, Total War: Warhammer III s’ouvre sur un prologue scénarisé d’une cinquantaine de tours. L’idée est excellente : plutôt que de noyer les nouveaux venus sous des dizaines de mécaniques dès la première partie, le jeu prend le temps d’enseigner les bases en douceur, tout en donnant aux habitué·es l’occasion de se familiariser avec les nouveautés.

Pour rappel, un Total War repose sur deux piliers indissociables. Sur la carte du monde, en tour par tour, il faut étendre son territoire, gérer son économie et nouer des alliances sans négliger sa réputation. Sur le champ de bataille, en temps réel, chaque unité possède ses forces et ses faiblesses : la cavalerie éventre les archers mais se fait empaler par les piquiers, par exemple. Cette alchimie entre gestion et tactique reste la grande force de la série, et Warhammer III ne déroge pas à la règle.

Le cœur du gameplay : entre stratégie et tactique

Avant de parler des nouveautés, un rappel s’impose pour celles et ceux qui découvrent la série. Un Total War repose sur deux modes de jeu bien distincts, qu’il faut maîtriser en parallèle pour espérer progresser.

Sur la carte du monde, en tour par tour, chaque province contient une colonie à capturer, développer et défendre. Il faut y construire des bâtiments, lever de nouvelles armées, recruter des héros et gérer une économie reposant sur une seule ressource : l’or. Rien n’oblige à tout régler par la force : Creative Assembly a mis en place un système d’alliances et de diplomatie suffisamment poussé pour permettre une approche plus politique, à condition de surveiller sa réputation auprès des autres factions.

Sur le champ de bataille, en temps réel, les affrontements peuvent réunir plusieurs centaines de soldats. Chaque type d’unité possède ses forces et ses faiblesses : la cavalerie fracasse les lignes d’infanterie légère mais se fait embrocher par les piquiers, les archers punissent les charges trop lentes mais craignent le corps-à-corps, et des caractéristiques plus spécifiques (poison, vol, résistance à la peur…) viennent complexifier encore les affrontements. Rien n’empêche de laisser l’ordinateur résoudre automatiquement une bataille, mais c’est bien en prenant soi-même les commandes que l’on savoure les retournements de situation les plus grisants — remporter à la loyale un combat que le jeu donnait perdu d’avance reste l’une des sensations les plus fortes de la série.

Cette alchimie entre gestion de territoire et tactique de champ de bataille constitue le socle inchangé de la licence depuis plus de vingt ans, et Warhammer III continue de s’appuyer dessus sans jamais la trahir.

Le chaos comme fil rouge

La vraie nouveauté de gameplay tient à la corruption des quatre dieux du Chaos, thème central de l’épisode. Une jauge mesure l’influence de Khorne, Nurgle, Slaanesh et Tzeentch sur chaque territoire, avec des effets concrets : dégâts renforcés, revenus boostés, usure des armées non démoniaques. Résultat, la gestion diplomatique gagne en épaisseur, d’autant que le système d’alliances a été retravaillé pour rendre la coordination entre factions bien plus lisible.

Les batailles profitent elles aussi d’ajouts bienvenus, à commencer par les défenses de siège : tours et barrages peuvent désormais être construits à la volée grâce au ravitaillement récolté sur des points stratégiques. Prendre une colonie devient une véritable épreuve tactique, et non plus un simple mur à franchir.

Impossible de ne pas mentionner, en revanche, le mode stratégique en vue du dessus, censé clarifier la lecture des affrontements mais qui pêche encore par son manque de précision : zoom limité, reliefs difficiles à distinguer, trajectoires peu lisibles. Un défaut récurrent de la série, qui persiste malgré les années.

Un scénario au service du lore

Total War: Warhammer III ne se contente pas de dérouler une conquête sans fin : l’histoire tourne autour d’Ursun, le dieu ours de Kislev, retenu prisonnier par le démon Be’lakor. Chaque faction a une bonne raison de vouloir l’atteindre, que ce soit pour le libérer ou pour s’emparer de son pouvoir.

Pour y parvenir, il faut traverser les royaumes du Chaos, quatre zones accessibles via des failles qui s’ouvrent un peu partout sur la carte. Chacune propose une épreuve distincte : arène sanglante chez Khorne, tentation permanente chez Slaanesh, labyrinthe de téléporteurs chez Tzeentch, épreuve d’endurance chez Nurgle. Ces incursions apportent un vrai rythme à la campagne, alternant phases de préparation, de conquête et de défi.

On regrette toutefois deux choix de design : la possibilité de résoudre automatiquement des combats pourtant centraux dans l’histoire, et une part d’aléatoire — notamment sur les points d’apparition — qui peut ruiner une stratégie pourtant bien préparée.

Huit factions, huit façons de jouer

C’est peut-être là que Warhammer III frappe le plus fort : chaque faction impose un style de jeu radicalement différent. Les cinq puissances du Chaos — Khorne, Nurgle, Slaanesh, Tzeentch et les démons du Chaos — côtoient trois nations plus « ordonnées » : Kislev, les royaumes ogres et Cathay.

Les démons du Chaos illustrent parfaitement cette philosophie : chaque colonie doit être dédiée à l’un des quatre dieux, et le seigneur légendaire évolue physiquement selon la divinité privilégiée, avec près de 190 métamorphoses possibles. Cathay, de son côté, mise sur un système d’équilibre yin-yang qui conditionne aussi bien les bonus de campagne que les synergies sur le champ de bataille. Kislev, en apparence plus classique, démarre la partie empêtrée dans une guerre de pouvoir interne qui pimente considérablement ses premiers tours.

Cette diversité s’accompagne d’un arbre de compétences généreux — une cinquantaine de nœuds par héros — et de plus de 150 sortilèges différents, de quoi satisfaire les amateurs et amatrices de bâtisses tactiques les plus pointues.

Une réalisation en demi-teinte

Sur le plan technique, Total War: Warhammer III reste malheureusement en retrait par rapport à son époque. Le moteur bénéficie des améliorations héritées de Total War: Troy, ce qui fluidifie l’ensemble par rapport au deuxième opus, mais le rendu peine à convaincre visuellement, aussi bien sur la carte de campagne que sur le champ de bataille. L’optimisation pose également question : le framerate manque de régularité et certains temps de chargement dépassent la minute, une situation d’autant plus frustrante que le jeu pèse plus de 115 Go.

Les cinématiques, en revanche, tirent leur épingle du jeu, portées par un doublage soigné et une ambiance sonore réussie qui servent bien l’univers de Games Workshop. La carte de campagne, riche en détails et transformée visuellement par la corruption du Chaos, reste un vrai plaisir à parcourir.

Côté accessibilité, l’interface reste dense — un classique du genre — et les pages d’aide manquent cruellement de contenu pour guider les nouvelles venues et nouveaux venus au-delà du prologue.

Une durée de vie quasiment illimitée

Entre les huit factions jouables, chacune assortie de ses propres mécaniques, et le multijoueur enrichi de nouveaux modes — dont les Survival Battles et un mode Domination —, la durée de vie de Total War: Warhammer III se compte sans exagération en centaines d’heures. La campagne principale peut désormais se jouer jusqu’à huit joueurs et joueuses avec des tours simultanés, une évolution qui change considérablement le rythme des parties en coopération.

Bhashiva et les Guerriers tigres : un DLC qui change de formule

Publié le 21 mai 2026, le pack de personnages Bhashiva et les Guerriers tigres s’ajoute à une liste de contenus additionnels déjà bien fournie : Total War: Warhammer III compte à l’heure actuelle une trentaine de DLC. Celui-ci marque toutefois un changement de formule chez Creative Assembly, qui délaisse les packs à trois champions au profit d’extensions mono-personnage, plus ciblées et moins onéreuses.

Bhashiva, seigneur mercenaire au service de Shang-Yang, rejoint les rangs de Grand Cathay avec sa compagnie de Guerriers tigres. La faction mise sur des unités rapides et spécialisées dans l’embuscade, mais reste limitée dans le nombre de généraux disponibles. L’économie s’appuie sur un système de faveurs — le fer — obtenu via des missions et des caravanes commerciales, permettant de débloquer des insignes pour renforcer ses troupes.

Le contenu propose une expérience globalement accessible, portée par une position de départ favorable et des unités efficaces dès les premiers tours. Le système de missions, en revanche, manque encore de finesse : les objectifs proposés ne tiennent pas toujours compte du contexte réel de la partie en cours.

Total War: Warhammer III referme une trilogie qui n’a cessé de progresser depuis 2016, sans jamais renier les fondamentaux qui ont fait le succès de la série. Entre un scénario ambitieux, huit factions profondément différenciées et un système de Chaos qui irrigue toute la campagne, Creative Assembly livre une conclusion à la hauteur des attentes des fans. La réalisation technique, en retrait, et une clarté d’interface encore perfectible viennent nuancer le tableau, sans pour autant entamer le plaisir de jeu. Les novices trouveront dans le prologue une porte d’entrée idéale, tandis que les vétéranes et vétérans de la série y retrouveront tout ce qui fait l’ADN des Total War. La suite s’annonce déjà généreuse, entre extensions à venir et méga-carte réunissant les trois épisodes de la trilogie.

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Entre prison, foi et technologie oubliée

L’histoire de Luna Abyss repose avant tout sur le mystère et la découverte. Dans la peau de Fawkes, matricule 5437, une prisonnière arrachée à la Terre dans des circonstances encore floues, la joueuse ou le joueur est envoyé sur la « Lune Rouge » par la F.A.T.E. (Federation of the Advancement of Technology on Earth). Sa mission consiste à explorer l’Abysse, une gigantesque mégastructure enfouie sous la surface de la lune artificielle Luna, afin de retrouver une technologie oubliée et de percer le destin tragique de la colonie disparue de Greymont. Au fil de l’aventure, les ruines centenaires dévoilent progressivement les vestiges d’une civilisation marquée par le Fléau, les enseignements du mystérieux Père tout-puissant et les croyances du Collectif. Cette quête est constamment accompagnée par Aylin, une imposante intelligence artificielle prenant la forme d’une tête flottante, dont les interventions rappellent parfois GLaDOS par son omniprésence, bien que son ton soit nettement plus énigmatique. Si quelques séquences de dialogue façon visual novel permettent de sélectionner certaines réponses, ces choix n’ont qu’un impact très limité sur le déroulement du récit. Heureusement, la richesse du lore et les nombreuses zones d’ombre entourant le passé de Fawkes, sa condamnation et la véritable nature de l’Abysse suffisent à maintenir l’intérêt jusqu’au dénouement.

Un ballet de tirs et de parkour sous haute tension

Luna Abyss ne vous laisse aucun répit. Les ennemis envoient des projectiles dans absolument tous les sens, aussi bien à la verticale qu’à l’horizontale, et c’est précisément ce qui fait tout le sel de ce FPS mêlant action et plateforme. Le gameplay se révèle nerveux, rapide et particulièrement exigeant, surtout dans les niveaux de difficulté les plus élevés.

Pour survivre, Fawkes dispose d’une panoplie de mouvements particulièrement agile. Elle peut effectuer des doubles sauts, des glissades et des dashs pour éviter les attaques. Au fil de l’aventure, de nouvelles compétences viennent enrichir ses possibilités de déplacement : utilisation d’un grappin, apparition de plateformes temporaires et autres outils de parkour qui rendent l’exploration comme les affrontements toujours plus dynamiques.

Côté arsenal, plusieurs armes se débloquent à mesure que l’histoire progresse. On retrouve notamment un fusil d’assaut, un fusil à pompe capable de briser les boucliers d’énergie, un fusil de précision destiné aux protections les plus résistantes, ainsi qu’un lance-roquettes. Chaque arme repose sur un système de surchauffe qui oblige à gérer ses tirs avec attention. Si le fusil d’assaut permet de maintenir le feu pendant plusieurs secondes, les autres armes sont beaucoup plus limitées : le fusil à pompe ne peut tirer que trois cartouches avant de devoir refroidir, tandis que le fusil de précision se limite à deux tirs. Cette mécanique pousse à alterner constamment entre les différentes armes et à faire preuve de précision.

C’est toutefois après plusieurs heures de jeu que Luna Abyss révèle pleinement son potentiel. Une fois plusieurs capacités de déplacement et armes débloquées, les affrontements prennent des allures de véritable ballet aérien et terrestre, où l’on enchaîne sauts, dashs, tirs et esquives dans un flux presque ininterrompu.

À cela s’ajoutent plusieurs pouvoirs aux accents plus mystiques. Lorsqu’un ennemi est étourdi, il est possible de l’utiliser pour récupérer de la santé ou de le faire exploser afin de projeter des projectiles sur les adversaires environnants. Une autre compétence permet de déployer une barrière protectrice, idéale pour encaisser quelques dégâts ou s’offrir un bref moment de répit au cœur du chaos. Des capacités qui enrichissent les combats sans les dénaturer et participent à l’identité singulière du titre.

Un univers fascinant porté par un chara design marquant

Au-delà de son gameplay nerveux, Luna Abyss séduit également par la richesse de son univers et l’originalité de son chara design. Tout au long de l’aventure, les nombreux documents à récupérer permettent de découvrir les figures qui ont façonné l’histoire de l’Abysse et de la Lune Rouge. Une narration environnementale qui rappelle parfois les grands jeux de science-fiction où chaque archive apporte une pièce supplémentaire à un puzzle bien plus vaste.

Visuellement, les personnages se distinguent par un mélange particulièrement réussi entre mysticisme religieux, esthétique cyberpunk et horreur cosmique. L’Indigent, silhouette fantomatique coiffée de cristaux rouge sang, évoque une sorte de prophète errant hantant les profondeurs de l’Abysse. À l’inverse, Urien Caldecott adopte une apparence plus abstraite et presque animale, renforçant l’impression que les habitants de cet univers ont été transformés, physiquement comme spirituellement, par leur environnement.

D’autres figures marquent par leur étrangeté. Ellie, avec son visage sphérique décoré de fleurs et ses yeux écarlates, incarne parfaitement le contraste constant entre innocence apparente et malaise latent qui traverse l’aventure. Min et Francis, quant à eux, affichent une esthétique plus humaine, mais leurs regards rouges et leurs corps presque sculpturaux leur confèrent une dimension symbolique, comme s’ils étaient devenus des icônes ou des saints d’une religion oubliée.

Cette approche visuelle s’accompagne d’un lore étonnamment dense. Les archives évoquent des thèmes de foi, de sacrifice, de deuil et de rédemption, tandis que les personnages semblent tous porter les cicatrices d’un monde brisé. Les textes consacrés à Min ou Francis laissent entrevoir l’existence d’une communauté cherchant à survivre dans un environnement hostile, tandis que les références au Père du peuple, au Collectif ou encore au Fléau renforcent l’impression d’évoluer dans une société façonnée par le contrôle idéologique et la catastrophe.

Impossible enfin de ne pas évoquer Aylin, figure centrale de l’aventure. Derrière son apparence de gardienne artificielle bienveillante se cache une présence bien plus inquiétante. Les archives révèlent qu’elle est directement reliée à une conscience centrale et programmée pour faire appliquer la parole du Père du peuple. Une révélation qui renforce encore davantage les parallèles entre technologie, religion et autoritarisme qui constituent l’un des fils rouges du récit.

Même si Luna Abyss ne livre pas toujours toutes les réponses à ses mystères, son univers se montre suffisamment intrigant pour donner envie de fouiller chaque recoin à la recherche d’un nouveau document. Un travail de worldbuilding remarquable qui participe largement à l’identité du jeu et à son atmosphère si particulière.

Un univers visuellement fascinant

Visuellement, Luna Abyss affiche une direction artistique particulièrement inspirée, mais une réalisation technique plus inégale. Dès les premières heures, le jeu impressionne par ses environnements gigantesques, ses architectures gothiques noyées dans la brume et son utilisation marquée des contrastes entre les teintes rouges, noires et bleutées. Certaines zones, notamment les vestiges de Greymont, évoquent une cité victorienne engloutie sous une mégastructure industrielle, tandis que d’autres secteurs misent davantage sur une esthétique science-fiction froide et oppressante. Le travail sur l’ambiance, les éclairages volumétriques et les décors contribue largement à créer une identité visuelle forte.

En revanche, lorsque l’on s’attarde sur les détails, les limites techniques apparaissent davantage. Les textures se montrent parfois inégales, certains éléments du décor manquent de finesse et quelques environnements peuvent sembler relativement vides malgré leur taille impressionnante. Les modèles de personnages et de créatures bénéficient d’un excellent chara design, mais leur niveau de détail n’est pas toujours homogène. On note également quelques animations rigides et une certaine simplicité dans certains objets interactifs. Malgré cela, la cohérence artistique de l’ensemble permet souvent de faire oublier ces imperfections.

Au final, Luna Abyss n’est pas une démonstration technologique destinée à rivaliser avec les plus grosses productions du marché. Sa véritable force réside davantage dans son atmosphère, son sens de la composition et son univers visuel singulier. Même lorsque la technique montre ses limites, la direction artistique parvient régulièrement à offrir des panoramas mémorables et une ambiance qui marque durablement l’esprit.

Un bestiaire entre horreur cosmique et fanatisme religieux

Le bestiaire de Luna Abyss participe lui aussi à la forte identité visuelle du jeu. Loin de se contenter de simples monstres interchangeables, les créatures rencontrées dans l’Abysse semblent toutes raconter une partie de l’histoire de ce monde déchu. Les archives à débloquer révèlent progressivement leurs origines et renforcent l’impression d’évoluer dans un univers où la foi, la mutation et la corruption se sont entremêlées jusqu’à devenir indissociables.

Les Affamés, premières créatures croisées dans l’aventure, illustrent parfaitement cette approche. Leurs corps déformés et leurs visages décharnés évoquent des êtres consumés de l’intérieur par une force inconnue. Les textes parlent de transformations douloureuses, de regards qui disparaissent et de chairs altérées par l’influence de l’Abysse. Plus qu’une simple menace, ils apparaissent comme les victimes d’un processus de corruption qui dépasse l’entendement.

À l’opposé, les Ossanglants, les Yeux du Gardien ou encore l’Œil de la Vertu adoptent une silhouette presque abstraite. Ces entités flottantes, dominées par un immense œil lumineux, donnent l’impression d’observer constamment le joueur. Leur design renforce l’un des thèmes centraux de Luna Abyss : la surveillance permanente. Entre symbolisme religieux et technologie incompréhensible, ces créatures rappellent autant des anges déformés que des drones organiques issus d’une civilisation oubliée.

Les ennemis les plus marquants restent toutefois les figures hiérarchiques comme le Prêtre du Déclin ou le Tyran Déchu. Leurs silhouettes longilignes, leurs membres démesurés et leurs masques osseux évoquent immédiatement une forme de noblesse corrompue. Les archives suggèrent d’ailleurs qu’ils furent autrefois des êtres respectés, voire vénérés, avant d’être transformés par leur proximité avec l’Abysse. Cette idée d’une élite devenue monstrueuse renforce encore davantage les thématiques religieuses et sociales qui traversent l’univers du jeu.

Ce qui impressionne surtout, c’est la cohérence artistique de l’ensemble. Chaque créature semble issue d’une même mythologie, comme si toutes appartenaient à une religion oubliée dont il ne resterait que des saints défigurés et des fidèles transformés en monstres. Le rouge omniprésent, les os apparents, les yeux gigantesques et les formes organiques participent à créer une identité visuelle immédiatement reconnaissable.

Difficile également de ne pas voir certaines influences derrière ces créations. Le travail des artistes semble puiser dans l’horreur biomécanique de Scorn, les architectures démesurées et les créatures de Blame! de Tsutomu Nihei, mais aussi dans l’imagerie religieuse de Dark Souls ou Bloodborne, où les figures de pouvoir finissent par prendre des apparences monstrueuses. Les créatures oculaires rappellent quant à elles certains ennemis de Destiny, tandis que les silhouettes élancées et les mutations osseuses évoquent parfois les designs de Warframe. On retrouve également une légère influence lovecraftienne dans cette idée d’une force incompréhensible qui altère aussi bien les corps que les esprits.

Résultat, chaque nouvelle rencontre nourrit autant la curiosité que l’inquiétude. Même lorsque l’on comprend leur rôle dans le gameplay, ces créatures conservent une part de mystère qui pousse à consulter les archives pour en apprendre davantage. Un travail remarquable qui fait du bestiaire de Luna Abyss bien plus qu’une simple galerie d’ennemis à éliminer.

Une bande-son entre recueillement et vertige cosmique

La bande originale de Luna Abyss constitue sans doute l’un des piliers de son identité. Composée par David Housden, connu notamment pour son travail sur Thomas Was Alone, Q.U.B.E. 2 ou encore Lost Words: Beyond the Page, elle accompagne parfaitement la dimension à la fois mystique, mélancolique et inquiétante de l’aventure. Dès les premières minutes, les compositions installent une atmosphère pesante où se mêlent nappes ambient, orchestrations discrètes et sonorités électroniques, donnant l’impression de pénétrer dans un lieu ancien dont les secrets auraient dû rester enfouis.

Ce qui frappe particulièrement, c’est l’importance accordée à la dimension chorale. Pour l’enregistrement de la bande-son, Housden a collaboré avec le prestigieux chœur London Voices, mobilisant pas moins de 45 choristes lors des sessions réalisées aux célèbres AIR Studios de Londres. Cette présence vocale apporte une dimension presque sacrée à certaines compositions et renforce les thématiques religieuses qui traversent l’univers du jeu.

À l’image du récit, la musique oscille constamment entre spiritualité et désolation. Des morceaux comme Ghost of the Abyss, Aylin’s Lament, The Lost Colony ou encore False God traduisent parfaitement cette sensation d’explorer les vestiges d’une civilisation disparue, coincée entre foi aveugle, catastrophe et technologie incompréhensible. Les compositions savent se faire discrètes durant l’exploration avant de gagner en ampleur lors des moments les plus marquants, sans jamais tomber dans la surenchère.

Le résultat est une bande-son qui ne cherche pas à accompagner uniquement l’action, mais qui participe activement à la construction de l’univers. Comme le reste de Luna Abyss, elle évoque autant la science-fiction que la liturgie, donnant parfois l’impression d’assister à une messe célébrée au cœur d’un monde mourant. Une partition subtile, mais particulièrement efficace, qui contribue largement à l’atmosphère unique du titre.

Avec Luna Abyss, Kwalee Labs signe une première production particulièrement ambitieuse. Si tout n’est pas parfait, notamment du côté de la narration interactive ou de certains aspects techniques, le titre compense largement par son gameplay nerveux, son excellente mobilité, sa direction artistique marquante et son univers fascinant. Entre ses combats frénétiques, son bestiaire inspiré et son lore dense qui se découvre au fil des archives, l’aventure parvient à construire une identité qui lui est propre. Le jeu demande cependant un certain investissement avant de révéler tout son potentiel. Les premières heures peuvent sembler plus limitées, mais une fois les capacités et l’arsenal débloqués, les affrontements prennent une dimension spectaculaire et offrent quelques séquences particulièrement grisantes. Ajoutez à cela une bande-son remarquable signée David Housden et vous obtenez une œuvre qui, malgré ses imperfections, mérite clairement l’attention des amateurs de FPS exigeants et d’univers de science-fiction atypiques.

Retrouvez notre test en vidéo

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Un retour aux sources sous l’océan

Cet accès anticipé propose une dizaine d’heures de contenu pour atteindre les limites actuelles du scénario de Subnautica 2. Comme dans les précédents épisodes, l’objectif reste avant tout de survivre, mais le jeu ne nous abandonne jamais totalement sans direction. Une trame narrative discrète accompagne l’exploration et permet progressivement d’en apprendre davantage sur notre mission, le monde qui nous entoure et le lore de cette nouvelle aventure.

On incarne ici un·e pionnier·ère censé·e participer à l’installation d’une colonie sur une planète désertique. Enfin… c’était le plan.

Évidemment, rien ne se passe comme prévu. Un accident survient pendant le voyage et transforme brutalement cette mission de colonisation en opération de survie. Exit le désert : on échoue finalement sur une planète recouverte presque intégralement par l’océan, avec de l’eau à perte de vue et très peu de certitudes sur ce qui nous attend sous la surface.

Les premières heures reprennent alors ce qui fait tout le charme de Subnautica : récolter des ressources, fabriquer ses premiers outils et poser les fondations d’une base sous-marine capable d’assurer un minimum de confort et, surtout, de survie. L’exploration reste constamment encouragée, d’autant plus qu’un mystérieux compagnon mécanique, NOA, le robot embarqué dans la capsule de sauvetage, vient régulièrement orienter l’aventure en indiquant de nouveaux points d’intérêt sur la boussole.

Au fil des plongées, ces expéditions révèlent des boîtes noires abandonnées, des carcasses de vaisseaux engloutis ou encore les vestiges d’anciennes installations humaines. Très vite, une évidence se dessine : vous n’êtes pas le ou la premier·ère à avoir tenté de survivre ici. Peu à peu, les éléments disséminés racontent l’histoire d’une expédition précédente qui aurait noué un lien avec une mystérieuse civilisation alien… avant que, là encore, les choses ne tournent mal.

Le contenu actuellement disponible reste forcément limité, accès anticipé oblige, mais difficile de ne pas voir un potentiel immense derrière ces premières heures. Quand on connaît le travail réalisé par Unknown Worlds Entertainment sur les précédents jeux, la suite a de quoi donner franchement envie de replonger.

Une boucle de survie toujours aussi addictive

Côté survie, Subnautica 2 reprend les fondamentaux qui ont fait le succès de la licence. Il faut surveiller son alimentation, son hydratation et surtout son oxygène, cette ressource qui transforme chaque plongée un peu trop ambitieuse en montée de stress permanente.

Les premières heures reposent sur une boucle immédiatement familière : explorer les environs, récolter des ressources, attraper des poissons et fabriquer ses premiers outils indispensables à la survie. Très vite, on confectionne l’incontournable couteau multifonction, puis le scanner, probablement l’un des équipements les plus importants du jeu. Une fois entre les mains, ce dernier devient rapidement indispensable puisqu’il permet d’analyser la faune, la flore, les fragments technologiques et d’en apprendre davantage sur ce monde inconnu.

Difficile de nier la filiation avec le premier épisode. Une grande partie des outils et mécaniques reviennent presque à l’identique, mais ce n’est pas réellement un défaut. Subnautica 2 ne cherche pas à réinventer brutalement sa formule : il l’affine. Le cœur du jeu reste cette sensation unique d’exploration et de survie sous-marine, portée ici par de nouveaux biomes, une faune inédite et une flore parfois fascinante, parfois franchement inquiétante.

Quelques nouveautés viennent néanmoins enrichir la progression. Parmi elles, les biomods actifs et passifs apportent de petits bonus qui permettent d’adapter légèrement sa façon de jouer ou d’améliorer certaines capacités pendant l’exploration. Rien de révolutionnaire à ce stade, mais suffisamment pour apporter une sensation de progression plus tangible.

Autre grand retour incontournable : le constructeur d’habitat. Une fois les plans scannés, il devient possible d’ériger une base sous-marine presque entièrement personnalisable, depuis les modules les plus élémentaires jusqu’aux équipements plus avancés. Fabricateurs, outils scientifiques, modules utilitaires, rangements ou éléments décoratifs : il y a déjà largement de quoi bâtir un véritable refuge capable de soutenir les longues expéditions à venir.

La gestion énergétique retrouve également une place centrale. Les panneaux solaires répondent toujours présents pour alimenter les installations proches de la surface, mais de nouvelles options viennent enrichir les possibilités. Les turbines placées dans les courants marins offrent une source d’énergie régulière, tandis que les centrales thermiques exploitent la chaleur des zones volcaniques pour faire fonctionner les infrastructures les plus ambitieuses. Résultat : construire une base ne consiste plus seulement à empiler des modules, mais à réellement réfléchir à son implantation et à sa viabilité sur le long terme.

Des profondeurs qui fascinent autant qu’elles inquiètent

Visuellement, Subnautica reste un jeu capable de provoquer ce mélange rare entre émerveillement et anxiété. Chaque plongée donne l’impression de pénétrer un monde vivant, magnifique et profondément hostile, avec une direction artistique qui compense largement les limites techniques d’un titre qui accuse aujourd’hui quelques années.

Les premières heures séduisent immédiatement grâce à des eaux lumineuses, des récifs colorés et une palette presque tropicale, où les coraux orangés et la flore fluorescente transforment l’océan en terrain d’exploration fascinant. Puis, progressivement, le ton change. À mesure que la profondeur augmente, les couleurs se désaturent, la lumière naturelle disparaît et l’eau devient opaque, presque oppressante. Descendre sous les 300 mètres n’a plus rien d’une promenade contemplative : l’environnement se resserre, les reliefs rocheux deviennent menaçants et le simple halo des équipements nourrit une tension permanente.

Cette montée progressive de l’angoisse constitue l’une des grandes réussites du jeu. Subnautica raconte son danger par l’environnement lui-même. Une épave déchirée au milieu d’un désert marin, un gouffre immense avalé par l’obscurité ou une structure technologique rongée par l’océan suffisent à installer une ambiance presque horrifique sans jamais forcer le trait.

La variété des biomes participe aussi énormément à l’identité visuelle du jeu. Chaque zone possède une personnalité claire, immédiatement reconnaissable, entre végétation bioluminescente, formations rocheuses organiques et ruines englouties. Cette cohérence artistique nourrit constamment l’envie d’explorer plus loin, même quand le jeu suggère très clairement qu’il serait peut-être plus raisonnable de faire demi-tour.

Tout n’est évidemment pas irréprochable. Certaines textures apparaissent aujourd’hui assez simples, quelques surfaces rocheuses manquent de détail et certains environnements intérieurs trahissent une technique plus modeste. Le brouillard aquatique masque parfois autant la distance d’affichage qu’il sert l’ambiance. Pourtant, ces concessions passent rapidement au second plan tant la mise en scène lumineuse reste efficace. Les contrastes entre obscurité, lumières artificielles, reflets sous-marins et éléments bioluminescents créent régulièrement des panoramas mémorables.

Une ergonomie pensée pour ne jamais casser l’exploration

Là où beaucoup de jeux de survie finissent par transformer la gestion des ressources en parcours administratif, Subnautica réussit au contraire à maintenir une vraie fluidité.

L’interface reste dense, mais rarement envahissante. En plongée, les informations essentielles — oxygène, profondeur, santé, orientation ou équipements — restent immédiatement lisibles sans monopoliser l’écran. Même dans les zones les plus sombres ou les plus chargées visuellement, l’HUD conserve une bonne clarté et laisse l’environnement respirer.

Le système de fabrication fait partie des réussites les plus discrètes mais aussi les plus importantes du jeu. Les menus du fabricateur sont organisés de manière intuitive, avec des catégories facilement identifiables, des icônes claires et surtout une lecture immédiate des matériaux nécessaires. Trouver ce qu’il faut fabriquer demande rarement plus de quelques secondes, ce qui évite de casser le rythme de l’exploration.

L’un des meilleurs réflexes ergonomiques reste l’affichage direct des ressources manquantes. Avant même de quitter le menu, il devient évident de savoir ce qu’il manque pour construire un objet ou améliorer son équipement. Le système d’épinglage des recettes simplifie aussi énormément la progression, puisqu’il permet de garder un objectif visible sans devoir constamment revenir fouiller les menus.

La construction de base bénéficie du même soin. Poser un module sous l’eau aurait pu devenir un casse-tête dans un environnement entièrement tridimensionnel, mais l’aperçu holographique des structures rend le placement étonnamment lisible. Il devient facile d’anticiper l’espace disponible, les connexions ou l’orientation d’un habitat avant validation.

L’ergonomie montre malgré tout quelques limites, notamment en fin de partie lorsque la quantité de plans débloqués augmente considérablement. Les menus gagnent alors en densité et demandent davantage de navigation. Sur console, certaines manipulations peuvent aussi sembler un peu plus lourdes au stick qu’au clavier-souris.

Malgré ces petits accrocs, Subnautica réussit quelque chose d’essentiel : ses menus accompagnent l’aventure au lieu de la ralentir. L’interface se fait oublier suffisamment souvent pour laisser toute la place à ce qui fonctionne le mieux ici : la sensation grisante d’explorer l’inconnu.

Une feuille de route déjà bien remplie

Unknown Worlds Entertainment ne cache d’ailleurs pas ses ambitions pour les mois à venir et a déjà dévoilé une feuille de route particulièrement claire pour l’accès anticipé. L’idée semble simple : faire évoluer Subnautica 2 par petites touches régulières avant de livrer des ajouts plus massifs. Une première vague de mises à jour doit ainsi améliorer le confort de jeu, avec des ajustements autour des biomods, des épaves, du système de fabrication ou encore de la base de données du PDA, tout en ajoutant de nouvelles options comme davantage d’emplacements passifs, un système de stockage ou encore un sprint. Une seconde mise à jour sera davantage tournée vers la coopération, avec des améliorations demandées par la communauté autour des signaux HUD, de l’outil de construction, des recettes épinglées et quelques ajouts plus sociaux comme le chat vocal, les emotes, le commerce entre joueuses et joueurs ou encore la possibilité de réanimer un partenaire.

Le plus intéressant reste surtout ce qui arrivera ensuite. Le studio promet déjà une extension majeure du contenu, avec de nouveaux biomes, créatures, ressources, outils, véhicules et un nouveau chapitre scénaristique destiné à poursuivre l’aventure. Surtout, Unknown Worlds insiste sur un point essentiel : la feuille de route n’est pas figée. Les retours de la communauté doivent directement influencer les priorités du développement, tandis que correctifs, équilibrages et optimisations continueront d’être déployés tout au long de l’accès anticipé. De quoi rassurer sur le suivi du projet, surtout quand les premières heures donnent déjà envie de voir jusqu’où cette plongée pourra aller.

Un succès déjà colossal pour l’accès anticipé

Difficile d’ignorer l’ampleur du phénomène : Subnautica 2 semble déjà avoir trouvé son public. Depuis son lancement en accès anticipé le 14 mai, le jeu aurait dépassé les 4 millions d’exemplaires vendus dans le monde, après un démarrage particulièrement impressionnant. Le titre avait déjà franchi le million de ventes dès son premier jour, avant d’atteindre les 2 millions en seulement douze heures, un rythme qui confirme à quel point l’attente autour de cette suite était immense.

L’engouement se ressent aussi du côté des joueuses et joueurs. Sur Steam, Subnautica 2 a dépassé les 467 000 joueurs simultanés, tout en conservant une évaluation « Très positive », avec 91 % d’avis favorables sur plusieurs dizaines de milliers d’évaluations. Des chiffres qui, sans garantir la réussite finale du projet, montrent au minimum une chose : Unknown Worlds Entertainment démarre cet accès anticipé avec une communauté déjà massive et particulièrement investie.

Le plus rassurant reste peut-être la manière dont le studio envisage la suite. Les retours des joueuses et joueurs doivent directement nourrir les prochaines mises à jour, avec des ajustements déjà évoqués autour de l’agressivité des créatures, de leur détection, des outils de survie et du confort global de l’expérience. Une approche cohérente avec l’ADN d’un accès anticipé qui, si elle est tenue sur la durée, pourrait permettre à Subnautica 2 d’évoluer bien au-delà d’une simple suite réussie.

Notre test en vidéo

Même dans cet état encore inachevé, Subnautica 2 donne déjà l’impression de savoir exactement où il veut aller. En une dizaine d’heures, l’accès anticipé parvient à retrouver ce qui faisait toute la force de la licence : ce mélange unique entre fascination, exploration et angoisse permanente, où chaque plongée pousse autant à la curiosité qu’à la prudence. Certes, le contenu reste encore limité et certaines fonctionnalités méritent davantage de profondeur avant la sortie finale. Mais les bases sont déjà extrêmement solides. La boucle de survie fonctionne toujours aussi bien, l’exploration reste grisante et la construction de base conserve ce pouvoir presque addictif de vouloir constamment optimiser son petit refuge sous-marin. Surtout, Unknown Worlds Entertainment semble avoir compris qu’il ne fallait pas révolutionner une formule déjà maîtrisée, mais plutôt l’enrichir intelligemment. Difficile, à ce stade, de tirer un verdict définitif sur un jeu pensé pour évoluer au fil de son accès anticipé. Une chose paraît néanmoins évidente : si le studio maintient ce niveau de qualité et étoffe intelligemment son contenu, Subnautica 2 pourrait bien devenir la nouvelle référence de la survie sous-marine. Et honnêtement, après ces premières heures, j’ai surtout une envie : replonger.

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Quand la décoration devient un outil narratif

Développé par Meteor pixel, Little Corners fait son apparition le 13 novembre 2025 pour la modique somme de 6,99€ sur Steam. Votre but est simple, aménager et décorer un recoin à l’aide de stickers, afin de redonner vie à un espace initialement vide.

Au total, neuf niveaux aux ambiances bien distinctes sont disponibles : la cuisine de campagne, le cabinet d’astronome, les ruines, le banquet Viking, la tour d’alchimiste, la taverne d’aventuriers, la cabine pirate, la maison du samouraï et enfin le palais de l’empereur. Il n’y a ni ordre ni objectif à atteindre, c’est vous qui décidez quoi, quand et comment.

Chaque pièce possède cinq autocollants spéciaux à découvrir en combinant correctement deux stickers entre eux. Vous débloquerez alors de nouvelles scènes parfois amusantes : une souris combinée à du fromage devient une souris qui a trop mangé de fromage ou encore un moule à muffin avec un saladier de préparation devient une fournée de muffins. Leurs silhouettes et leurs noms vous donnent quelques indications sur ce qu’il faut chercher.

Retrouvez l’ensemble des 45 autocollants mystères dans un article dédié.

Chaque niveau se présente de la même manière, un recoin carré avec deux pans de mur et un sol. Votre curseur en forme de main se balade entre les différentes pages d’autocollants mises à votre disposition pour aménager la pièce. Et même si je me suis sentie légèrement dépassée par la quantité de stickers, mon instinct créatif a rapidement pris le dessus. L’envie de vouloir placer le plus d’autocollants possibles est très présente au début, mais au fur et à mesure du jeu, je me suis rendue compte que le défi n’était pas de tout mettre, mais plutôt de choisir quoi y mettre pour raconter une histoire.

Ainsi, les ruines détiennent les secrets d’un chevalier solitaire qui s’est accoudé à un banc pour se reposer et n’est jamais reparti, alors que l’astronome est sorti précipitamment de chez lui après avoir aperçu une étoile filante par la fenêtre, laissant le thé sur la table et l’encens à brûler. À chaque nouveau recoin, je me suis sentie comme la narratrice d’un conte qui commence par « il était une fois ».

Un gameplay simple mais redoutablement efficace

La jouabilité repose uniquement sur l’utilisation de la souris. Un clic gauche pour décoller l’autocollant, un second clic pour le placer à l’endroit voulu. Une fois qu’un autocollant est décollé de son emplacement initial, il peut être placé n’importe où sur l’écran de jeu, que ce soit à l’intérieur ou à l’extérieur de la pièce, mais aussi sur une autre page d’autocollants.

Le clic droit, quant à lui, sert à faire pivoter les objets, afin de placer les meubles et bibelots sur les deux pans de mur. Et enfin, la molette de la souris permet de déplacer le sticker vers l’avant ou vers l’arrière par rapport aux autres autocollants, afin de superposer les objets. Ce qui est très pratique si on ne veut pas se retrouver avec des rideaux derrière une fenêtre ou une bougie derrière une étagère.

En parlant de rideaux, certains stickers sont spécialement pensés pour être superposés entre eux. Une cheminée peut alors accueillir un feu qui brûle ou un plat qui cuit, tandis que les tiroirs fermés d’une commode peuvent être remplacés par des tiroirs ouverts.

La personnalisation ne s’arrête pas là, elle s’applique aussi à l’environnement. La dizaine de paysages disponibles offre une parfaite immersion de jeu. Rien de mieux qu’un thème étoilé pour aménager le cabinet de l’astronome, ou qu’une plage pour la cabine pirate.

Outre la prise en main très instinctive, son point fort est surtout sa grande rejouabilité. Après une dizaine d’heures, je n’avais pas entamé la moitié du jeu. Chaque thème possède ses propres spécificités donnant envie aux joueur·euses de s’attarder sur la disposition des meubles, la superposition et le choix des objets.

Si l’inspiration nous manque, un exemple de rendu est proposé pour chaque recoin. Celui-ci peut être placé en aperçu dans le coin supérieur droit de notre écran de jeu.

Une expérience cozy qui manque encore de confort

Malgré de nombreux points positifs, certaines fonctionnalités manquent à l’appel et rendent l’expérience de jeu plus inconfortable.

La rotation des objets est insuffisante et limite sa disposition dans l’espace. Pouvoir mettre un fauteuil ou un canapé de dos permettrait de délimiter davantage la pièce. Il en va de même pour de nombreux autres autocollants qui mériteraient de pouvoir tourner à 360°.

Certaines superpositions sont impossibles. Les bibliothèques et autres meubles de rangement vides ne peuvent pas être remplis par d’autres autocollants que ceux prévus à cet effet. Un coffre ne peut pas être placé sous un guéridon ou un animal sous une chaise par exemple.

Mais le plus désagréable est de ne pas pouvoir sélectionner plusieurs autocollants en même temps pour les déplacer de manière simultanée. Il m’est arrivé de vouloir essayer une combinaison de stickers sur le pan de mur d’à côté et de devoir repositionner une dizaine d’autocollants un à un.

De plus, lorsqu’on s’attaque aux détails, il faut utiliser très régulièrement l’option de zoom pour être sûr de choisir le bon sticker. J’ai plusieurs fois involontairement déplacé le meuble entier plutôt que ce qui se trouvait dessus, car la taille du curseur n’est pas très adaptée aux petits autocollants. Il faut parfois s’y reprendre à deux ou trois fois pour le placer à l’endroit souhaité. La solution la plus simple serait d’intégrer la possibilité de verrouiller la position d’un autocollant pour être sûr de ne pas le bouger par mégarde.

En dehors de la taille du curseur, pouvoir modifier la taille des objets serait un plus très bénéfique ! Notamment pour les portes, fenêtres et certains meubles.

Un univers chaleureux et contemplatif

Meteor pixel a su nous en mettre plein les yeux avec ses graphismes cartoon mignon tout droit sorti d’une bande dessinée fantastique. Les couleurs douces apportent cette touche de légèreté. En dépit de son style minimaliste, une attention toute particulière est apportée aux détails de chaque objet. Assurant une parfaite harmonie visuelle même lors de pièces très chargées.

Pour profiter au mieux de sa bande-son lo-fi, je vous recommande de porter un casque. Bien que celle-ci soit assez répétitive, l’accord entre graphisme et sonorité est tel qu’il nous plonge dans une bulle presque contemplative. Les effets sonores apportés aux différents autocollants rendent l’expérience d’autant plus immersive.

Dans l’ensemble Little Corners saura satisfaire les joueurs et joueuses de cosy game avec ses 9 ambiances uniques et ses milliers d’autocollants.

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Une dernière nuit avant le grand saut

Vous incarnez Stacey Rockford, une jeune femme qui vient tout juste de terminer ses études. Qui dit fin des cours dit aussi dernière soirée avant le grand départ. Alors qu’une immense fête se prépare sur la plage, Stacey et ses deux ami·es, Cassandra et Slater, comptent bien profiter de cette ultime nuit ensemble avant que chacun·e ne parte réaliser ses rêves.

Des souvenirs qui donnent vie aux personnages

Durant les trois à quatre heures que compte l’aventure, vous préparez cette fameuse soirée en explorant les maisons des différents protagonistes à la recherche de quoi s’amuser. Les chambres d’adolescent·es regorgent de souvenirs, et chaque objet devient le point de départ d’un flashback venant enrichir le passé des personnages.

À travers ces moments plus intimes, Mixtape développe progressivement ses héros et héroïnes. Malgré la courte durée de l’expérience, on finit rapidement par s’attacher à cette bande de jeunes adultes en plein tournant de leur vie.

Une ode à la musique et aux années 90

Stacey et son groupe sont des rebelles métalleux passionné·es de skate. La jeune femme rêve de devenir coordinatrice musicale, et la musique représente une part essentielle de son identité. C’est d’ailleurs au travers d’une vingtaine de morceaux soigneusement sélectionnés que Mixtape aborde ce passage complexe entre adolescence et âge adulte.

À plusieurs reprises, Stacey brise le quatrième mur pour s’adresser directement à nous et expliquer pourquoi tel ou tel morceau a marqué un moment précis de sa vie. Une approche particulièrement intéressante, car elle donne finalement l’impression d’être le ou la quatrième membre de la bande.

Entre skate, contemplation et mini-jeux

Le titre alterne entre des séquences de skate où l’on enchaîne les ollies et les bêtises de jeunesse sur la route, et des moments beaucoup plus calmes dans les chambres des personnages. Ici, pas d’action frénétique ni de game over : le jeu préfère laisser défiler les souvenirs au rythme des discussions et des musiques.

Quelques mini-jeux viennent ponctuer l’aventure afin de varier le gameplay et de débloquer des succès. Rien de particulièrement difficile d’ailleurs, puisque Mixtape se révèle assez simple à terminer à 100 %.

Un gameplay contemplatif qui mise avant tout sur l’ambiance

Le gameplay de Mixtape n’est clairement pas son principal point fort. L’expérience se révèle assez lente et contemplative, dans une approche qui rappelle par moments Life is Strange, mais sans les phases d’action, de tension ou de véritables choix à conséquences.

C’est d’ailleurs probablement la principale faiblesse du titre : tout y est volontairement très léger. Que ce soit dans son rythme, sa narration ou sa mise en scène, le jeu préfère constamment la douceur à l’intensité dramatique.

Une adolescence racontée avec douceur

Le ton adopté reste lui aussi relativement léger. Je m’attendais personnellement à une aventure plus bouleversante émotionnellement, même si le final m’a tout de même arraché une petite larme.

Sans jamais être mauvais, Mixtape évoque avec justesse les sujets liés à l’adolescence : les bêtises entre ami·es, les premiers amours, les premières fois, les disputes avec les parents, les coups de mou ou encore les peines de cœur. En très peu de temps, le titre parvient à aborder tous ces thèmes avec une certaine simplicité qui, au fond, rappelle parfaitement cette période de la vie où tout semble à la fois intense et éphémère.

Quand le réalisme laisse place au rêve

Si le jeu cherche souvent à proposer une représentation réaliste du passage à l’âge adulte, il lui arrive aussi de basculer dans un registre plus loufoque et surréaliste. Je pense notamment à cette séquence sur la plage où toutes les voitures s’envolent dans le ciel pendant un feu d’artifice.

C’est absurde, magique et presque irréel. Mais après tout, nos plus beaux souvenirs d’adolescence ne ressemblent-ils pas souvent à cela ? Des moments finalement ordinaires, devenus extraordinaires grâce aux personnes qui les partageaient avec nous.

Une bande-son au cœur de l’expérience

Impossible évidemment de parler de Mixtape sans évoquer sa musique, véritable colonne vertébrale de l’expérience. Tout, dans le jeu, rappelle que la musique en est l’essence même, à commencer par son titre.

Même les menus participent à cette identité visuelle avec une interface pensée comme une boîte de CD, où les différentes options apparaissent sous forme d’autocollants collés sur le boîtier.

La bande-son sous licence colle parfaitement à l’univers des personnages avec une sélection punk, rock et alternative regroupant plusieurs grands noms des années 70 jusqu’aux années 90. On y retrouve notamment des morceaux de DEVO, Roxy Music, Lush, The Smashing Pumpkins, Iggy Pop, Siouxsie and the Banshees, Joy Division ou encore The Cure.

Enfin, l’OST composée spécialement pour le jeu accompagne avec beaucoup de justesse cette ambiance mélancolique et nostalgique propre aux souvenirs d’adolescence.

Une direction artistique entre nostalgie et rêve éveillé

Visuellement, Mixtape séduit immédiatement grâce à sa direction artistique particulièrement chaleureuse et mélancolique. Le jeu adopte une esthétique très cinématographique avec des couleurs saturées, des lumières orangées et une utilisation constante du flou de mouvement qui donne presque l’impression de feuilleter de vieux souvenirs d’adolescence.

Les environnements naturels, notamment les routes bordées d’arbres rouges et orangés ou les paysages montagneux baignés par la lumière du coucher de soleil, participent énormément à cette sensation de nostalgie permanente. Chaque décor semble pensé comme une carte postale des années 90 idéalisées. Certaines séquences en skate rappellent même des clips musicaux tant la mise en scène mise sur la vitesse, la lumière et les sensations plutôt que sur le réalisme pur.

Des personnages expressifs malgré un style stylisé

Le style graphique choisi par Beethoven & Dinosaur repose sur des personnages très stylisés, presque caricaturaux par moments, avec des visages anguleux et des expressions faciales volontairement accentuées. Pourtant, malgré cette approche presque cartoon, les émotions passent extrêmement bien.

Les regards, les silences et les petites expressions faciales suffisent souvent à raconter ce que les personnages n’osent pas dire. Stacey, Cassandra et Slater dégagent une vraie authenticité, notamment dans les scènes plus intimistes comme celles dans les chambres ou les discussions nocturnes.

On ressent également une forte inspiration du cinéma indépendant américain dans la composition des plans. Certaines images, comme la silhouette des personnages face au coucher de soleil rose ou les séquences dans la cabine photo, ressemblent presque à des pochettes d’albums indie rock.

Une mise en scène qui transforme les souvenirs en fantasmes

L’un des aspects les plus réussis visuellement reste la manière dont le jeu transforme des souvenirs ordinaires en moments presque irréels. Lorsque les personnages roulent en skate sur une route baignée de lumière automnale ou s’envolent littéralement dans les airs durant certaines séquences plus oniriques, Mixtape abandonne complètement le réalisme pour plonger dans quelque chose de plus sensoriel et émotionnel.

Le jeu cherche moins à représenter la réalité qu’à retranscrire la façon dont on se souvient de cette période de notre vie : floue, intense, belle et parfois complètement surréaliste. Cette approche fonctionne particulièrement bien grâce aux effets de lumière, à la profondeur de champ très marquée et aux transitions fluides entre gameplay et souvenirs.

Une identité visuelle cohérente jusque dans les détails

Même l’interface du jeu participe à cette identité rétro. Les cassettes audio, les autocollants, les chambres remplies d’objets personnels, les vieux lecteurs CD ou encore les photos accrochées aux murs renforcent constamment cette ambiance « coming-of-age » des années 90.

Chaque environnement raconte quelque chose sur les personnages. Les chambres sont désordonnées, pleines de souvenirs, de musique et de passions adolescentes. Ce souci du détail donne beaucoup de crédibilité au monde du jeu et participe énormément à l’attachement que l’on développe pour cette bande d’ami·es.

Une aventure imparfaite mais profondément sincère

Avec Mixtape, Beethoven & Dinosaur signe une aventure courte mais profondément sincère, portée par une direction artistique sublime et une bande-son exceptionnelle. Plus qu’un véritable jeu à gameplay, le titre se rapproche presque d’un voyage sensoriel et nostalgique sur cette période étrange qu’est la fin de l’adolescence.

Certes, son rythme très contemplatif et son écriture volontairement légère pourront frustrer celles et ceux qui attendaient une expérience plus intense ou plus marquante émotionnellement. Pourtant, c’est justement dans cette douceur et cette simplicité que Mixtape trouve toute sa personnalité. Le jeu ne cherche jamais à dramatiser à outrance : il préfère capturer ces petits instants suspendus qui finissent par devenir nos plus précieux souvenirs.

Grâce à ses personnages attachants, sa mise en scène onirique et son amour évident pour la musique et la culture des années 90, Mixtape réussit à créer une bulle mélancolique dans laquelle il est particulièrement agréable de se perdre pendant quelques heures. Une expérience imparfaite, mais profondément humaine, qui parlera probablement à toutes celles et ceux ayant déjà eu peur de voir une belle époque toucher à sa fin. 

L’article Mixtape : notre test du nouveau voyage nostalgique signé Annapurna est apparu en premier sur LaRevueD'Geek.

Une quête familiale touchante

Vous incarnez Boris, un jeune marcassin brutalement séparé de sa famille après qu’un incendie a ravagé la forêt où ils vivaient. Désormais seul au milieu de cette nature dévastée, le petit sanglier ne tarde toutefois pas à retrouver sa mère grâce à son groin et à son odorat particulièrement développés. Malheureusement, cette dernière se retrouve enfermée dans une vieille cabane abandonnée. Trop jeune et encore trop faible pour défoncer la porte seul, Boris va devoir chercher de l’aide.

Explorer un monde sauvage à hauteur de marcassin

Votre objectif sera donc de retrouver les six autres marcassins de la portée — les frères et sœurs de Boris — afin d’unir leurs forces pour libérer leur mère. Répartis dans le petit monde ouvert imaginé par Wild Sheep Studio, ces compagnons se cachent dans différents environnements qu’il faudra explorer avec attention. Pour les retrouver, le jeu mise régulièrement sur l’utilisation de l’odorat, une mécanique simple mais cohérente avec l’univers proposé. Vous traverserez ainsi plaines, forêts, montagnes et même l’ancienne forêt familiale transformée en terre désolée après le passage des flammes.

Une aventure contemplative avant tout

Avec Adorable Adventures, inutile de s’attendre à de l’action frénétique ou à des affrontements spectaculaires. Ici, tout repose sur une approche résolument cosy et contemplative : pas d’armes, pas de combats, simplement de l’exploration, de la découverte et l’envie de profiter du voyage. Le jeu invite constamment à ralentir le rythme pour admirer les paysages et observer la nature qui nous entoure à hauteur de marcassin.

Le flair de Boris au cœur du gameplay

Le principal atout de Boris reste son flair, véritable pilier du gameplay. Grâce à son odorat particulièrement développé, le jeune marcassin peut retrouver les membres de sa famille, mais aussi analyser l’environnement qui l’entoure. Dans la nature, de nombreuses senteurs se mélangent et masquent parfois les traces laissées par les autres marcassins. Le jeu pousse ainsi naturellement à explorer les environs pour identifier les différentes odeurs disséminées dans le décor.

Plantes sauvages, excréments d’animaux ou encore objets abandonnés par les humains : presque chaque élément possède sa propre signature olfactive. Grâce au “sentomètre”, il est possible d’isoler certaines odeurs afin de mieux se concentrer sur une piste précise. Chaque élément dispose également d’un nombre d’identifications spécifique à compléter. Par exemple, pour enregistrer totalement la ciboulette sauvage dans votre encyclopédie, il faudra l’identifier à plusieurs reprises au fil de l’aventure. Une fois suffisamment reconnue, son odeur peut être masquée dans le sentomètre afin de faciliter la recherche de nouvelles senteurs.

Une exploration qui sensibilise aussi à la nature

Ce système encourage constamment la curiosité et la découverte. En complétant progressivement le sentomètre, le joueur débloque une véritable encyclopédie dédiée à la faune et à la flore issues des Cévennes. Une manière intelligente d’ajouter une dimension éducative discrète à l’aventure. Les développeur·euse·s en profitent également pour glisser un message écologique subtil, notamment à travers les nombreux déchets laissés par les humains au détour des chemins, rappelant les conséquences bien réelles de notre passage dans la nature.

Une aventure courte mais généreuse en exploration

Adorable Adventures propose une aventure principale relativement courte : comptez environ deux heures pour venir à bout de l’histoire de Boris et de sa famille. Une durée modeste qui correspond finalement assez bien à l’approche cosy et contemplative du titre. Pourtant, derrière cette trame principale concise, le petit monde ouvert imaginé par Wild Sheep Studio cache bien plus de contenu qu’il n’y paraît.

Un monde rempli de secrets et d’activités annexes

Le jeu encourage constamment l’exploration grâce à un journal de bord permettant de suivre sa progression et le taux de complétion des différentes activités. En fouillant chaque recoin de la carte, il est possible de découvrir de nouveaux mystères, des plantes rares ou encore plusieurs défis secondaires disséminés dans les environnements.

Certaines découvertes servent simplement à enrichir l’univers et à renforcer l’immersion, tandis que d’autres introduisent de véritables mécaniques annexes. C’est notamment le cas de la truffe noire, qui débloque des courses contre la montre sur différents parcours. Le jeu propose également plusieurs collectibles, comme les cairns à détruire, venant compléter cette boucle d’exploration déjà bien présente au cœur de l’aventure.

Une complétion accessible aux chasseurs de succès

Pour les joueuses et joueurs souhaitant atteindre les 100 %, il faut compter environ trois heures supplémentaires afin de tout découvrir et compléter. Une durée raisonnable qui évite toute sensation de remplissage artificiel. Le titre reste également assez accessible dans sa structure et dans ses objectifs, ce qui rend l’obtention de l’ensemble des succès particulièrement abordable. Une excellente nouvelle pour les chasseurs et chasseuses de trophées qui aiment compléter leurs jeux sans frustration excessive.

Une direction artistique pleine de charme

Visuellement, Adorable Adventures mise avant tout sur une direction artistique chaleureuse et contemplative plutôt que sur une démonstration technique brute. Les environnements naturels affichent une vraie richesse de détails : les reliefs rocheux, la végétation dense et les jeux de lumière donnent régulièrement naissance à des panoramas très réussis, presque féeriques par moments. Les différentes ambiances climatiques — des zones verdoyantes baignées de soleil aux paysages désertiques noyés dans une tempête de sable — participent fortement à l’immersion et renforcent le sentiment de voyage.

Le rendu des marcassins constitue également l’un des points forts du jeu : leurs animations, leurs attitudes et leurs petites interactions dégagent une vraie personnalité, ce qui rend l’aventure immédiatement attachante. Certaines séquences profitent même d’une mise en scène étonnamment soignée, avec une profondeur de champ discrète et une lumière naturelle qui rappellent parfois les productions indépendantes orientées “cinematic experience”.

Des limites techniques visibles

En revanche, le jeu montre aussi plusieurs limites techniques assez visibles. Les textures restent inégales selon les zones, avec des éléments de décor parfois trop simples ou répétitifs lorsque l’on s’attarde sur l’environnement. Quelques surfaces rocheuses manquent de finesse et certains effets de végétation paraissent figés, ce qui casse légèrement l’illusion d’un monde vivant.

L’interface, très minimaliste, manque aussi parfois d’intégration visuelle et certains effets lumineux ou particules semblent un peu datés. Enfin, malgré une direction artistique cohérente, l’ensemble souffre d’un léger manque de finition technique : aliasing visible, animations parfois rigides et sensation globale de “petite production” empêchent le titre d’atteindre le niveau visuel des références du genre. Cela n’empêche toutefois pas Adorable Adventures de dégager un charme sincère grâce à son identité visuelle douce et à son univers naturel particulièrement apaisant.

Quelques bugs qui viennent ternir l’expérience

S’il dégage énormément de charme, Adorable Adventures souffre malheureusement de plusieurs bugs techniques parfois assez gênants. Rien de totalement catastrophique, mais certains problèmes obligent régulièrement à relancer une partie ou à utiliser l’option de réapparition proposée dans le menu. Un système pratique sur le papier, mais qui montre vite ses limites : en cas de problème, Boris réapparaît systématiquement au tout premier point de départ du jeu, tout en conservant heureusement sa progression.

Même si le monde ouvert reste de taille modeste, refaire plusieurs fois le trajet devient rapidement frustrant.

Des soucis de collision et quelques freezes

La plupart des bugs rencontrés semblent liés aux collisions et aux textures. Boris peut occasionnellement rester coincé dans des rochers, passer à travers certains éléments du décor ou se retrouver bloqué dans l’environnement sans possibilité de bouger. Des problèmes assez classiques dans les productions indépendantes, mais suffisamment fréquents pour impacter le confort de jeu.

Lors de notre test sur Xbox Series, le jeu a également subi quelques freezes nécessitant un redémarrage complet à deux reprises. Heureusement, ces soucis techniques ne rendent jamais l’aventure injouable, mais ils viennent malgré tout casser la douceur et la fluidité d’une expérience pourtant particulièrement attachante. Un petit accroc qui empêche malheureusement le titre de Wild Sheep Studio d’atteindre l’excellence qu’il frôle pourtant régulièrement.

Une bande-son organique et immersive

L’ambiance sonore fait clairement partie des grandes réussites d’Adorable Adventures. Lors d’une interview, Céline Tellier — directrice de Wild Sheep Studio et directrice artistique du jeu — expliquait que l’équipe souhaitait retranscrire l’âme même des Cévennes à travers le son. Pour cela, le studio s’est entouré de Christophe Héral, compositeur bien connu des joueuses et joueurs pour son travail sur Rayman Origins, Rayman Legends ou encore Beyond Good & Evil.

Le résultat se ressent immédiatement en jeu. La musique reste volontairement discrète afin de préserver l’atmosphère contemplative de l’aventure, mais intervient toujours au bon moment pour accompagner une émotion importante : retrouver un frère blessé, partager un instant de calme avec la famille ou simplement contempler la nature environnante.

Le sound design pousse également très loin la recherche d’authenticité. Les sons ont été enregistrés directement dans la nature plutôt que récupérés dans des bibliothèques audio génériques, ce qui renforce énormément l’immersion. Avec un casque sur les oreilles, le bruissement du vent, les chants d’oiseaux ou les pas de Boris dans les feuillages donnent réellement l’impression de se promener au cœur des Cévennes. Une approche organique et presque artisanale du son qui participe pleinement au charme et à la personnalité du titre.

Une parenthèse cosy malgré quelques épines techniques

Avec Adorable Adventures, Wild Sheep Studio signe une petite aventure pleine de douceur qui parvient à toucher juste grâce à son ambiance contemplative, sa direction artistique chaleureuse et son approche écologique discrète mais sincère. Derrière ses airs de simple jeu cosy se cache une expérience étonnamment immersive, portée par un travail sonore remarquable et un gameplay d’exploration intelligent centré sur l’odorat de Boris.

Même si l’aventure reste courte, le monde ouvert regorge de petits secrets et d’activités annexes qui donnent envie de prendre son temps et de profiter du voyage.

Tout n’est cependant pas parfait. Les nombreux bugs techniques, les soucis de collision et quelques freezes viennent régulièrement casser la fluidité de l’expérience, empêchant parfois le titre d’atteindre pleinement le niveau d’excellence qu’il laisse entrevoir. Malgré cela, difficile de ne pas tomber sous le charme de cette aventure attachante à hauteur de marcassin, tant elle dégage une vraie personnalité et une sincérité rare dans son propos comme dans son ambiance. Si vous aimez les jeux contemplatifs, les expériences cosy et les aventures courtes mais marquantes, Adorable Adventures mérite clairement votre attention. D’autant plus qu’au moment de la publication de ce test, le jeu profite encore pendant 24 heures d’une promotion de lancement sur Steam avec une réduction de 20 %, faisant passer son prix de 19,99 € à 15,99 €. Une belle occasion de découvrir cette parenthèse vidéoludique aussi calme qu’attachante.

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Une prise en main accessible, mais rapidement déroutante

Le but d’Overthrown est de créer une ville en partant de rien. On débarque dans un monde généré aléatoirement, qui évoque immédiatement Minecraft, mais avec des textures plus douces et un rendu moins cubique. Le jeu propose trois niveaux de difficulté. 

Le mode Paisible s’adresse aux joueuses et joueurs qui souhaitent découvrir l’expérience sans pression : les ennemis ne ripostent pas, ne cherchent pas à voler la couronne, et le personnage est plus résistant avec une récupération d’endurance accélérée. 

Le mode Détente introduit un peu plus de tension tout en restant accessible : les ennemis sont plus faibles et n’organisent pas de raids, mais peuvent se défendre et tenter de voler la couronne. 

Enfin, le mode Défi propose une expérience nettement plus exigeante, avec des ennemis plus nombreux et dangereux, ainsi que des raids saisonniers menés par des hors-la-loi, demandant une gestion plus rigoureuse.

Le jeu permet également de choisir la taille de la carte, avec plusieurs archipels allant de petits territoires à des zones beaucoup plus vastes, offrant une liberté d’approche appréciable dès le départ. Une fois la partie lancée, un court didacticiel permet de comprendre les bases des déplacements et de la construction. Mais très vite, le jeu laisse le joueur ou la joueuse livré·e à lui-même, avec peu d’indications sur la suite, ce qui peut rapidement devenir frustrant, surtout lors des premières heures.

Une gestion de ville classique, mais frustrante sur certains aspects

Après avoir construit votre hôtel de ville, de nouveaux villageois arrivent à intervalles réguliers. À vous ensuite de développer votre cité en plaçant vos bâtiments de manière stratégique : une scierie à proximité des forêts, un extracteur près des gisements de minerai, et ainsi de suite. Cette logique de placement fonctionne bien et donne une vraie dimension organisationnelle à la progression. Pour débloquer de nouvelles structures, il faut passer par un système de recherche accessible depuis un menu dédié. En échange de ressources, vous lancez des recherches qui nécessitent quelques secondes ou minutes pour être complétées, débloquant progressivement de nouveaux bâtiments et options de développement.

Au fil de votre progression, votre ville gagne en ampleur jusqu’à permettre la construction de bateaux et même de dirigeables. Le jeu propose ainsi plusieurs branches d’artisanat, allant de la nourriture aux vêtements, en passant par la fabrication d’armures. Sur le papier, l’ensemble est plutôt riche, mais dans les faits, un problème se pose rapidement : ces systèmes profitent uniquement aux habitant·e·s, et très peu au joueur ou à la joueuse. Il n’existe pas de véritable système de craft pour améliorer son équipement ou changer d’armes et d’armures. À la place, ces éléments sont débloqués via la recherche, ce qui enlève une part d’implication et de satisfaction dans la progression personnelle.

Une gestion trop limitée pour vraiment convaincre

Ce qui s’avère assez dommage, c’est le manque global de profondeur dans la gestion. Sur le papier, le jeu demande de veiller à ce que chaque bâtiment dispose des ressources nécessaires pour fonctionner, tout en s’assurant que les habitant·e·s aient un toit et suffisamment de provisions pour subvenir aux besoins de la communauté. Une base solide, qui laisse entrevoir une vraie dimension stratégique.

Mais dans les faits, tout cela reste assez superficiel. Il est par exemple impossible de gérer les villageois individuellement. Un menu permet bien de consulter l’ensemble des citoyen·ne·s, mais il se limite essentiellement à modifier leurs prénoms, ce qui paraît très anecdotique. Cette absence de contrôle devient rapidement problématique : même en construisant de nombreux bâtiments, il est difficile d’optimiser la répartition de la population, ce qui peut mener à un taux de chômage étonnamment élevé. On aurait aimé pouvoir attribuer des rôles précis ou donner des ordres pour orienter les habitant·e·s vers certains postes.

Le constat est similaire du côté des bâtiments, qui manquent eux aussi d’options de gestion avancées. Ce manque de finesse rend l’ensemble parfois frustrant, surtout pour un jeu qui repose en grande partie sur ces mécaniques. À noter que ce ressenti concerne une expérience en solo : le titre propose également un mode multijoueur jusqu’à six personnes, qui peut rendre l’aventure plus dynamique et conviviale, sans pour autant corriger ce déficit de gestion.

Un monde ouvert, mais cruellement vide

Sur le papier, Overthrown propose des cartes plus ou moins vastes, laissant espérer un terrain de jeu riche et varié. Mais une fois en jeu, le constat est assez rude : il n’y a finalement pas grand-chose à faire. L’expérience se résume rapidement à une boucle très répétitive — construire des bâtiments, récolter des ressources, affronter quelques monstres — sans véritable renouvellement. L’absence de donjons, de grottes ou de véritables points d’intérêt se fait particulièrement sentir. La carte donne souvent l’impression d’être vide, se limitant à quelques nids de créatures et des gisements de ressources disséminés ici et là.

Le constat n’est guère plus enthousiasmant du côté du bestiaire. On croise essentiellement des poissons carnivores, des sangliers et des moutons, chacun décliné en version « mutante » plus imposante et plus puissante. Une idée qui aurait pu apporter un peu de variété, mais qui peine à compenser le manque global de diversité. Résultat : malgré un terrain de jeu ouvert, l’exploration manque cruellement de surprises et peine à maintenir l’intérêt sur la durée.

Une direction artistique séduisante

Visuellement, le jeu mise clairement sur une direction artistique colorée et stylisée, presque proche d’un rendu cartoon, qui fonctionne immédiatement grâce à ses palettes chaleureuses et ses environnements lisibles. Les forêts aux teintes automnales, les reliefs en blocs et les bâtiments au design simple donnent un charme indéniable à l’ensemble, avec une lisibilité très appréciable en jeu, notamment dans les phases de gestion ou d’exploration. Cela dit, dès qu’on s’attarde un peu, les limites techniques apparaissent assez vite : les textures restent sommaires, les modèles manquent de détails et certains éléments du décor peuvent sembler répétitifs, voire un peu vides. L’éclairage et les effets, notamment sur l’eau ou les cycles jour/nuit, apportent un vrai cachet, mais ne suffisent pas toujours à masquer une certaine rigidité globale. En somme, un style visuel efficace et agréable à l’œil, mais qui repose davantage sur sa direction artistique que sur une véritable claque technique.

Une déception qui laisse entrevoir un potentiel

Au terme de cette expérience, Overthrown apparaît comme un jeu aux ambitions intéressantes, mais encore loin d’être pleinement abouti. Entre une gestion trop limitée, un monde qui manque cruellement de vie et des mécaniques qui peinent à se renouveler, difficile de rester accroché sur la durée malgré de bonnes idées de départ. Le titre donne souvent l’impression de poser des bases solides sans jamais aller au bout de ses promesses.

C’est d’autant plus frustrant que certains éléments fonctionnent réellement bien, notamment sa direction artistique chaleureuse et accessible. Et il faut aussi souligner un point souvent sous-estimé : la bande-son, particulièrement réussie, qui accompagne agréablement les sessions de jeu et contribue à créer une atmosphère apaisante, presque contemplative par moments.

En l’état, Overthrown ressemble davantage à un jeu en devenir qu’à une expérience totalement aboutie. Reste à voir si les développeur·euse·s sauront enrichir la formule à l’avenir pour exploiter pleinement son potentiel.

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