L’histoire démarre après un atterrissage forcé sur le mystérieux archipel Spirhalite. Le joueur ou la joueuse, dans la peau de Mécano, fait équipe avec l’intrépide trio musical des Tridenfer pour trouver le moyen de quitter l’archipel, résoudre son mystère… et surtout s’en mettre plein les poches. Des plages tropicales aux montagnes volcaniques, en passant par des donjons souterrains truffés de Salmonoïdes, les environnements traversés laissent planer le doute sur une possible civilisation salmonoïde antique ayant jadis peuplé ces lieux.

Les Salmonoïdes, une menace à chaque recoin

Chaque zone de l’archipel semble peuplée de ces créatures dangereuses. Aux spécimens communs s’ajoutent de puissants Salmonoboss, chacun avec son propre pattern de défi, et il faut rester sur ses gardes en creusant à la recherche de butin : l’opération peut attirer l’attention de Salmonoïdes d’exception encore plus coriaces.

Trois réservoirs, des gadgets sur-mesure

La progression repose sur trois types de réservoirs d’encre — orientés puissance, mobilité ou tactique — chacun accompagné de sa propre palette de gadgets à fabriquer et de pouvoirs de reliques à obtenir. Parmi les exemples cités par Nintendo : la splashette du réservoir puissant pour tailler les Salmonoïdes en pièces, la botte kaboum du réservoir rapide pour fuir le danger d’un bond, ou encore la marmitourelle du réservoir tactique pour liquider les ennemis en rafale. En montant de niveau, des points d’aptitude permettent d’améliorer ses réservoirs et d’étendre leurs possibilités de personnalisation.

Plus de 100 armes à débloquer

Pour affronter les Salmonoïdes, le jeu propose 11 types d’armes différents, dont le niveau détermine la puissance, avec des variantes offrant des bonus comme une meilleure portée ou une consommation d’encre réduite. Au total, plus de 100 armes différentes sont annoncées à découvrir au fil des expéditions.

Le titre se joue en solo ou jusqu’à quatre, en local sans fil ou en ligne, avec la possibilité de proposer son aide ou de faire appel à d’autres joueuses et joueurs en ligne avant de partir à la chasse au butin.

Fiche technique

• Développeur / Éditeur : Nintendo
• Genre : Action
• Plateforme : Switch 2 (exclusivité)
• Joueurs : 1 à 4
• Prix : 49,99 €
• Date de sortie : 23 juillet 2026

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Une dernière nuit avant le grand saut

Vous incarnez Stacey Rockford, une jeune femme qui vient tout juste de terminer ses études. Qui dit fin des cours dit aussi dernière soirée avant le grand départ. Alors qu’une immense fête se prépare sur la plage, Stacey et ses deux ami·es, Cassandra et Slater, comptent bien profiter de cette ultime nuit ensemble avant que chacun·e ne parte réaliser ses rêves.

Des souvenirs qui donnent vie aux personnages

Durant les trois à quatre heures que compte l’aventure, vous préparez cette fameuse soirée en explorant les maisons des différents protagonistes à la recherche de quoi s’amuser. Les chambres d’adolescent·es regorgent de souvenirs, et chaque objet devient le point de départ d’un flashback venant enrichir le passé des personnages.

À travers ces moments plus intimes, Mixtape développe progressivement ses héros et héroïnes. Malgré la courte durée de l’expérience, on finit rapidement par s’attacher à cette bande de jeunes adultes en plein tournant de leur vie.

Une ode à la musique et aux années 90

Stacey et son groupe sont des rebelles métalleux passionné·es de skate. La jeune femme rêve de devenir coordinatrice musicale, et la musique représente une part essentielle de son identité. C’est d’ailleurs au travers d’une vingtaine de morceaux soigneusement sélectionnés que Mixtape aborde ce passage complexe entre adolescence et âge adulte.

À plusieurs reprises, Stacey brise le quatrième mur pour s’adresser directement à nous et expliquer pourquoi tel ou tel morceau a marqué un moment précis de sa vie. Une approche particulièrement intéressante, car elle donne finalement l’impression d’être le ou la quatrième membre de la bande.

Entre skate, contemplation et mini-jeux

Le titre alterne entre des séquences de skate où l’on enchaîne les ollies et les bêtises de jeunesse sur la route, et des moments beaucoup plus calmes dans les chambres des personnages. Ici, pas d’action frénétique ni de game over : le jeu préfère laisser défiler les souvenirs au rythme des discussions et des musiques.

Quelques mini-jeux viennent ponctuer l’aventure afin de varier le gameplay et de débloquer des succès. Rien de particulièrement difficile d’ailleurs, puisque Mixtape se révèle assez simple à terminer à 100 %.

Un gameplay contemplatif qui mise avant tout sur l’ambiance

Le gameplay de Mixtape n’est clairement pas son principal point fort. L’expérience se révèle assez lente et contemplative, dans une approche qui rappelle par moments Life is Strange, mais sans les phases d’action, de tension ou de véritables choix à conséquences.

C’est d’ailleurs probablement la principale faiblesse du titre : tout y est volontairement très léger. Que ce soit dans son rythme, sa narration ou sa mise en scène, le jeu préfère constamment la douceur à l’intensité dramatique.

Une adolescence racontée avec douceur

Le ton adopté reste lui aussi relativement léger. Je m’attendais personnellement à une aventure plus bouleversante émotionnellement, même si le final m’a tout de même arraché une petite larme.

Sans jamais être mauvais, Mixtape évoque avec justesse les sujets liés à l’adolescence : les bêtises entre ami·es, les premiers amours, les premières fois, les disputes avec les parents, les coups de mou ou encore les peines de cœur. En très peu de temps, le titre parvient à aborder tous ces thèmes avec une certaine simplicité qui, au fond, rappelle parfaitement cette période de la vie où tout semble à la fois intense et éphémère.

Quand le réalisme laisse place au rêve

Si le jeu cherche souvent à proposer une représentation réaliste du passage à l’âge adulte, il lui arrive aussi de basculer dans un registre plus loufoque et surréaliste. Je pense notamment à cette séquence sur la plage où toutes les voitures s’envolent dans le ciel pendant un feu d’artifice.

C’est absurde, magique et presque irréel. Mais après tout, nos plus beaux souvenirs d’adolescence ne ressemblent-ils pas souvent à cela ? Des moments finalement ordinaires, devenus extraordinaires grâce aux personnes qui les partageaient avec nous.

Une bande-son au cœur de l’expérience

Impossible évidemment de parler de Mixtape sans évoquer sa musique, véritable colonne vertébrale de l’expérience. Tout, dans le jeu, rappelle que la musique en est l’essence même, à commencer par son titre.

Même les menus participent à cette identité visuelle avec une interface pensée comme une boîte de CD, où les différentes options apparaissent sous forme d’autocollants collés sur le boîtier.

La bande-son sous licence colle parfaitement à l’univers des personnages avec une sélection punk, rock et alternative regroupant plusieurs grands noms des années 70 jusqu’aux années 90. On y retrouve notamment des morceaux de DEVO, Roxy Music, Lush, The Smashing Pumpkins, Iggy Pop, Siouxsie and the Banshees, Joy Division ou encore The Cure.

Enfin, l’OST composée spécialement pour le jeu accompagne avec beaucoup de justesse cette ambiance mélancolique et nostalgique propre aux souvenirs d’adolescence.

Une direction artistique entre nostalgie et rêve éveillé

Visuellement, Mixtape séduit immédiatement grâce à sa direction artistique particulièrement chaleureuse et mélancolique. Le jeu adopte une esthétique très cinématographique avec des couleurs saturées, des lumières orangées et une utilisation constante du flou de mouvement qui donne presque l’impression de feuilleter de vieux souvenirs d’adolescence.

Les environnements naturels, notamment les routes bordées d’arbres rouges et orangés ou les paysages montagneux baignés par la lumière du coucher de soleil, participent énormément à cette sensation de nostalgie permanente. Chaque décor semble pensé comme une carte postale des années 90 idéalisées. Certaines séquences en skate rappellent même des clips musicaux tant la mise en scène mise sur la vitesse, la lumière et les sensations plutôt que sur le réalisme pur.

Des personnages expressifs malgré un style stylisé

Le style graphique choisi par Beethoven & Dinosaur repose sur des personnages très stylisés, presque caricaturaux par moments, avec des visages anguleux et des expressions faciales volontairement accentuées. Pourtant, malgré cette approche presque cartoon, les émotions passent extrêmement bien.

Les regards, les silences et les petites expressions faciales suffisent souvent à raconter ce que les personnages n’osent pas dire. Stacey, Cassandra et Slater dégagent une vraie authenticité, notamment dans les scènes plus intimistes comme celles dans les chambres ou les discussions nocturnes.

On ressent également une forte inspiration du cinéma indépendant américain dans la composition des plans. Certaines images, comme la silhouette des personnages face au coucher de soleil rose ou les séquences dans la cabine photo, ressemblent presque à des pochettes d’albums indie rock.

Une mise en scène qui transforme les souvenirs en fantasmes

L’un des aspects les plus réussis visuellement reste la manière dont le jeu transforme des souvenirs ordinaires en moments presque irréels. Lorsque les personnages roulent en skate sur une route baignée de lumière automnale ou s’envolent littéralement dans les airs durant certaines séquences plus oniriques, Mixtape abandonne complètement le réalisme pour plonger dans quelque chose de plus sensoriel et émotionnel.

Le jeu cherche moins à représenter la réalité qu’à retranscrire la façon dont on se souvient de cette période de notre vie : floue, intense, belle et parfois complètement surréaliste. Cette approche fonctionne particulièrement bien grâce aux effets de lumière, à la profondeur de champ très marquée et aux transitions fluides entre gameplay et souvenirs.

Une identité visuelle cohérente jusque dans les détails

Même l’interface du jeu participe à cette identité rétro. Les cassettes audio, les autocollants, les chambres remplies d’objets personnels, les vieux lecteurs CD ou encore les photos accrochées aux murs renforcent constamment cette ambiance « coming-of-age » des années 90.

Chaque environnement raconte quelque chose sur les personnages. Les chambres sont désordonnées, pleines de souvenirs, de musique et de passions adolescentes. Ce souci du détail donne beaucoup de crédibilité au monde du jeu et participe énormément à l’attachement que l’on développe pour cette bande d’ami·es.

Une aventure imparfaite mais profondément sincère

Avec Mixtape, Beethoven & Dinosaur signe une aventure courte mais profondément sincère, portée par une direction artistique sublime et une bande-son exceptionnelle. Plus qu’un véritable jeu à gameplay, le titre se rapproche presque d’un voyage sensoriel et nostalgique sur cette période étrange qu’est la fin de l’adolescence.

Certes, son rythme très contemplatif et son écriture volontairement légère pourront frustrer celles et ceux qui attendaient une expérience plus intense ou plus marquante émotionnellement. Pourtant, c’est justement dans cette douceur et cette simplicité que Mixtape trouve toute sa personnalité. Le jeu ne cherche jamais à dramatiser à outrance : il préfère capturer ces petits instants suspendus qui finissent par devenir nos plus précieux souvenirs.

Grâce à ses personnages attachants, sa mise en scène onirique et son amour évident pour la musique et la culture des années 90, Mixtape réussit à créer une bulle mélancolique dans laquelle il est particulièrement agréable de se perdre pendant quelques heures. Une expérience imparfaite, mais profondément humaine, qui parlera probablement à toutes celles et ceux ayant déjà eu peur de voir une belle époque toucher à sa fin. 

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Starters, Points de Victoire, recrutement, classement, Méga-Évolution… Tout ce qu’il faut savoir pour poser les bonnes bases dès le premier jour, sans gaspiller ses ressources dans Pokémon Champions.

1. Comprendre le concept : ce que Champions n’est pas

Avant même de lancer le jeu, il y a une chose essentielle à intégrer : Pokémon Champions n’est pas un RPG classique. Pas de région à explorer, pas de Pokédex à compléter, pas d’arènes à enchaîner. Dès le premier écran, le jeu vous jette directement dans l’arène. Concrètement, Champions est un jeu de combat pur, dans la lignée des anciens Pokémon Stadium — mais pensé pour le compétitif en ligne de 2026.

Deux formats sont disponibles : les combats Solo (3 contre 3) et les combats Duo (4 contre 4, format VGC). Chacun dispose de son propre mode classé, ses propres récompenses et sa propre courbe de progression. Si vous n’avez jamais touché au VGC de votre vie, commencez donc impérativement par le Solo pour apprivoiser les mécaniques sans la complexité du format à deux.

2. Bien choisir son starter — le choix le plus important du jeu

Ici, Champions casse complètement les codes. Plutôt que de vous proposer trois Pokémon de base à faire évoluer, le jeu vous soumet une liste de 10 Pokémon entièrement évolués. Et surtout — c’est le point crucial — le Pokémon que vous choisissez détermine toute votre équipe de départ : vous obtenez le Pokémon sélectionné plus cinq coéquipiers présélectionnés pour compléter sa stratégie.

Autrement dit, si vous choisissez Gardevoir, vous héritez d’une équipe pensée autour de son style offensif spécial. Si vous choisissez Tyranocif, vous démarrez avec une composition centrée sur la météo. Ce choix initial n’est pas irréversible — vous pourrez recruter d’autres Pokémon par la suite — mais il conditionne vos premières dizaines d’heures de jeu. Voici les quatre starters les plus recommandés selon la méta actuelle :

Le top pick compétitif est Tyranocif. Il est le seul starter qui invoque une météo dès le tour 1 grâce à son talent Tempête de Sable, qui s’active lorsque le Pokémon méga-évolue. Ses coéquipiers sont : Arcanin, Fragroin, Draïeul, Galeking, Nymphali. Équipe idéale pour les joueurs et joueuses qui veulent une stratégie agressive et structurée. Essayez de prioriser le recrutement d’un Minotaupe pour du combat duo. Minotaupe, sous la tempête de sable, est l’un des Pokémon les plus rapides du jeu, dépassé seulement par Méga Lockpin, qui est peu joué pour le moment, et Farfurex et Paragruel avec l’objet Mouchoir Choix, dont il faut vraiment se méfier.

Le meilleur pour débutant(es) est Gardevoir.

Avec son double type Psy / Fée, Gardevoir a une couverture offensive massive. Très rapide, elle attaque presque toujours en premier. Ses coéquipiers sont : Scarhino, Draïeul, Azumarill, Corvaillus, Blizzaroi (grêle automatique à l’entrée). Le Vent Arrière de Corvaillus permet de rendre Méga Gardevoir quasi inarrêtable. Sa rapidité et son attaque spéciale en feront baver vos adversaires. Des attaques comme Éclat Magique ou Psyko vous assurent de gros dégâts sur 3/4 des 186 Pokémon présents dans cette première saison de Pokémon Champions.

Un pick sous-estimé mais que je recommande personnellement : Pikachu.
Ne sous-estimez pas la mascotte du PokéVerse. Son talent Statik paralyse automatiquement tout attaquant physique, perturbant un grand nombre de stratégies courantes. Équipe très équilibrée, composée de Scalpereur / Carchacrok / Azumarill / Léviator et Ectoplasma, elle est idéale pour apprendre les types sans dépendre d’une niche.

Attention
Les Pokémon recrutés dans Champions ne peuvent pas être retransférés vers d’autres jeux. C’est une porte à sens unique. En revanche, vos Pokémon importés depuis Pokémon HOME peuvent être utilisés librement — et ce transfert vous évite de payer le coût de recrutement en PdV.

3. Maîtriser les Points de Victoire (PdV)

Les Points de Victoire sont la monnaie centrale du jeu. Ils servent à recruter des Pokémon, modifier leurs capacités, changer leur talent, ou acheter des objets de combat. Et contrairement à ce qu’on pourrait craindre dans un free-to-play, les PdV ne sont pas achetables avec de l’argent réel — chaque point doit être gagné en jouant.

La bonne nouvelle, c’est que les débutants démarrent avec une avance confortable : 10 000 PdV à la création du compte, 10 000 supplémentaires en terminant le tutoriel de combat, et encore 10 000 via les missions de départ — soit 30 000 PdV disponibles dès les premières heures.

Sur le long terme, la source la plus fiable reste sans conteste les missions hebdomadaires — jusqu’à 9 000 PdV par semaine — combinées aux combats classés. Notez qu’une session perdante génère quand même des PdV (environ 120 par défaite), ce qui signifie qu’il n’y a aucune raison de ne pas jouer, même quand la forme n’est pas au rendez-vous.

4. Le recrutement : essai gratuit vs recrutement permanent

Champions introduit un système de recrutement en deux temps, et c’est l’une des meilleures idées du jeu pour les débutants. Concrètement, vous pouvez tester n’importe quel Pokémon gratuitement pendant 7 jours avant de vous engager. Durant cette période d’essai, vous pouvez l’utiliser en combat pour évaluer sa synergie avec votre équipe.

En revanche, il y a un bémol important à connaître : vous ne pouvez pas entraîner un Pokémon en période d’essai. Vous le testez tel quel, avec ses stats et capacités par défaut. Si le Pokémon vous convainc, le recrutement permanent coûte 2 500 PdV. C’est à ce moment-là seulement que vous pouvez commencer à l’optimiser. Par ailleurs, le Ranch de Recrutement renouvelle sa sélection toutes les 22 heures gratuitement — consultez-le chaque jour pour ne pas rater un Pokémon que vous cherchez.

5. Entraîner ses Pokémon : stats, capacités, talents

C’est là que Champions marque une vraie rupture avec les jeux classiques. Les IV — ces valeurs cachées qui forçaient les joueurs et joueuses à reproduire des Pokémon pendant des heures — ont tout simplement disparu. À la place : un système de 66 Stats Points à répartir librement sur les différentes statistiques de votre Pokémon. Plus clair, plus rapide, plus accessible.

Chaque modification d’entraînement a un coût en PdV. Voici les tarifs à connaître pour budgétiser vos optimisations :

Si vous manquez de PdV pour entraîner un Pokémon, sachez qu’il existe des Tickets d’Entraînement obtenables en jeu, qui permettent de réduire à zéro le coût d’une modification. Gardez-les précieusement pour les ajustements les plus coûteux, comme un changement de talent ou de nature.

6. La Méga-Évolution et l’Omni-Anneau

Dès la première saison classée, la Méga-Évolution est autorisée — et elle change radicalement la dynamique des combats. Pour en profiter, il vous faut trois choses : l’Omni-Anneau (obtenu en suivant le tutoriel de Méga-Évolution), le Pokémon concerné dans votre roster, et la Méga-Gemme correspondante.

Les Méga-Gemmes s’obtiennent à la boutique contre des PdV (environ 2 000 PdV chacune), via certains événements, ou dans le Pass de Combat Premium. Une fois en combat, il suffit d’appuyer sur R puis de sélectionner votre attaque pour déclencher la Méga-Évolution. La transformation booste les statistiques du Pokémon et peut même lui conférer un nouveau talent — parfois exclusif à Champions, comme Méga-Soleil pour Méga-Méganium, qui simule la météo Soleil en permanence.

7. Comprendre le classement et les saisons

Le mode classé de Champions est plus structuré que ce à quoi la plupart des joueurs et joueuses Pokémon sont habitués. Il est organisé en six rangs, tous nommés d’après des Poké Balls :

Chaque rang (sauf Débutant et Champion) est divisé en quatre niveaux numérotés de 4 à 1. Chaque victoire remplit votre jauge d’un quart ; chaque défaite la vide d’autant. Ce qui signifie que pour gravir un rang entier sans perdre une seule fois, il vous faut au minimum 16 victoires nettes. Mais voici le détail qui change tout : au-delà de deux victoires consécutives, le Bonus de Série de Victoires s’active et double la progression par victoire. Une série soutenue peut donc diviser par deux le temps nécessaire pour monter de rang.

Autre point rassurant : une fois un rang atteint, vous ne pouvez plus redescendre en dessous de son plancher, même en perdant plusieurs fois d’affilée. Vous pouvez chuter en niveau au sein du rang, mais le rang lui-même est acquis. La saison M-1 se déroule jusqu’au 13 mai 2026 — après quoi le classement repart à zéro pour la M-2.

8. Les erreurs à ne pas faire en début de partie

Pour finir, voici les pièges classiques dans lesquels tombent la plupart des nouveaux joueurs et joueuses — et comment les éviter.

Ne gaspillez pas vos 30 000 PdV de départ. La tentation est forte de recruter un maximum de Pokémon dès les premières heures, mais il vaut mieux concentrer ces ressources sur une équipe de six bien entraînée plutôt que sur un roster large et mal optimisé. Une équipe solide bat presque toujours une équipe nombreuse mais bancale.

Ne choisissez pas votre starter uniquement pour l’aesthetic. Le Pokémon en tête d’affiche compte moins que les cinq coéquipiers qui l’accompagnent. Lisez la composition complète avant de valider votre choix — c’est elle qui déterminera votre style de jeu pour les premières heures.

Utilisez le recrutement à l’essai avant chaque recrutement permanent. 7 jours gratuits, c’est largement suffisant pour savoir si un Pokémon s’intègre bien à votre équipe. Ne dépensez jamais 2 500 PdV sur un Pokémon que vous n’avez pas testé en combat réel.

Ne négligez pas les missions hebdomadaires. Jusqu’à 9 000 PdV par semaine — c’est la meilleure source de revenus passive du jeu. Connectez-vous régulièrement, complétez ces missions en priorité, et votre économie de PdV se portera nettement mieux que si vous comptez uniquement sur les victoires classées.

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Le 27 février 2025, lors d’un Pokémon Day qui avait déjà mis la communauté en ébullition, The Pokémon Company lâchait une annonce qui allait redistribuer toutes les cartes : un jeu entièrement dédié aux combats, sans aventure principale, sans Pokédex à compléter, sans région à traverser. Juste des batailles. Juste du pur gameplay compétitif. Pokémon Champions venait de naître, et avec lui, une question brûlante : la franchise avait-elle enfin le courage de s’attaquer sérieusement à son propre jeu compétitif ?

Quatorze mois d’attente, trois trailers, une communauté VGC qui retenait son souffle — et le 8 avril dernier, le jeu sortait enfin sur Nintendo Switch et Switch 2. Deux semaines après le lancement, il est temps de tirer un premier bilan, sans langue de bois.

Stadium est de retour, et c’est tant mieux

Pour comprendre Pokémon Champions, il faut remonter à une époque que les trentenaires nostalgiques connaissent bien : celle de Pokémon Stadium sur Nintendo 64, puis de Battle Revolution sur Wii. Des jeux d’arène pensés uniquement pour les affrontements, où la qualité graphique et la profondeur stratégique primaient sur tout le reste. Champions renoue avec cet héritage, et l’assume pleinement.

Le moteur de combat est excellent. Les mécaniques au tour par tour sont fluides, la gestion des types et des talents respecte à la lettre les standards compétitifs, et la Méga-Évolution via l’Omni-Anneau — un objet inédit — confère aux affrontements une dimension tactique immédiate que les fans de la VGC apprécieront. Le jeu propose des combats solo et duo, dans trois formats : classé, amical et privé. De quoi couvrir aussi bien le joueur casual que le compétiteur acharné.

La grande nouveauté : fini le breeding, bonjour aux Stats Points

L’une des réformes les plus audacieuses du jeu concerne la construction d’équipe. Les IV disparaissent — ces valeurs individuelles cachées qui forçaient les joueurs et joueuses à passer des dizaines d’heures à faire se reproduire leurs Pokémon dans l’espoir d’obtenir un spécimen « parfait ». À leur place, un système de Stats Points bien plus lisible et accessible. Une décision applaudie à l’unanimité, y compris par des vétérans du circuit comme WolfeyVGC, champion du monde 2016, qui faisait partie des testeurs pré-lancement.

Autre point fort : la liberté de personnalisation. Chaque dresseur peut choisir librement les capacités de ses Pokémon, construire son équipe selon sa vision stratégique, sans être limité par les contraintes des jeux de la série principale. Pour les nouveaux venus au format VGC, c’est une porte d’entrée enfin digne de ce nom.

La connexion avec Pokémon HOME permet par ailleurs de transférer ses anciens favoris depuis les jeux précédents et même depuis Pokémon GO. Une fonctionnalité attendue depuis longtemps, qui transforme des années d’investissement en capital de jeu réel. Et pour ceux qui veulent tester une stratégie sans s’engager, le « recrutement à l’essai » permet d’emprunter un Pokémon pour une durée limitée, une fois par jour, sans dépenser de Points de Victoire.

Le scandale des 186 : un roster qui fait débat

On ne va pas tourner autour du pot : c’est le point noir du lancement. En moins de 24 heures après la sortie, la communauté s’est enflammée sur les réseaux. Voir un jeu de 2026, présenté comme la plateforme compétitive de référence, offrir un roster inférieur à un titre de 1999, c’est difficile à avaler. Surtout quand on sait que des mécaniques pourtant populaires comme les Z-Moves, le Dynamax ou la Téracristallisation sont absentes au lancement.

La réponse de The Pokémon Company ? Champions est pensé comme un jeu-service, avec des saisons régulières et des ajouts de contenu prévus tout au long de l’année. La Téracristallisation et le Dynamax arriveront dans de futures mises à jour. Un argument recevable sur le fond — mais qui ne satisfait pas ceux qui auraient voulu un catalogue complet dès le day one, surtout à l’approche des premiers tournois officiels fixés à Indianapolis, fin mai.

Un modèle économique à surveiller

Pokémon Champions est annoncé comme « free-to-start » — une formulation délibérément floue qui mérite attention. Le jeu est téléchargeable gratuitement, mais une version numérique payante existe également, avec des avantages supplémentaires. Les Pokémon se récupèrent en dépensant des Points de Victoire, obtenables via les matchs classés. Un système qui récompense le temps de jeu plutôt que le portefeuille — pour l’instant. À surveiller de très près sur la durée.

La version mobile n’a toujours pas de date précise, au-delà d’une fenêtre vague autour de juin 2026. Un retard qui interroge, surtout alors que le crossplay entre toutes les plateformes a été confirmé et que les compétitions officielles commencent dans quelques semaines.

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À l’occasion du Pokémon Day, Tsuneka Ishihara PDG de la compagnie Pokémon, a présenté une vidéo Pokémon Presents spéciael.

Il y annonce notamment le retour de Pokémon Rouge Feu et Pokémon Vert Feuille. La région de Kanto et ses 151 premiers Pokémon sont d’ores et déjà disponibles sur Switch pour le plus grand plaisir des joueurs qui les ont découverts sur Gameboy Advance il y a 20 ans.

Certaines cartes emblématiques du Jeu de Cartes à Collectionner Pokémon ont fait leur apparition dans une courte séquence, offrant un avant-goût des prochains produits à venir, dont une possible extension spéciale pour les 30 ans courant 2026.

Rendez-vous à San Francisco !

Chris Brown, directeur mondial de l’e-sport et des événements Pokémon, a confirmé que Pokémon Champions accueillera les Championnats du Monde du Jeu Vidéo. En parallèle, les autres concurrents s’affronteront dans Pokémon GO, Pokémon UNITE et le JCC Pokémon.

Les 3 000 compétiteurs.rices prêts à relever le défi se sont donné rendez-vous à San Francisco en août prochain pour décrocher le titre tant convoité.

Du côté des finales, il faut s’attendre à du grand spectacle au Chase Center, un stade trois fois plus grand que celui des Mondiaux de 2025.

En simultané, le Moscone Center accueillera aussi la première édition de Pokémon XP, où nombre d’activités sont rassemblées pour tous les visiteurs : cosplay, conférences, expositions ainsi qu’un Centre Pokémon éphémère.

La nouvelle génération : Pokémon Vagues & Pokémon Vents.

Les fans l’attendaient, la 10ème génération est là !

Allez à la rencontre de Broussatif, le Pokémon de type plante, Caloulou le Pokémon de type feu et Ogéko le Pokémon de type eau. Les nouveaux starters de Pokémon Vagues & Pokémon Vents.

Prévu pour l’année 2027, le trailer donne un premier aperçu du monde ouvert qui nous attend dans ces nouveaux opus.

En plus des personnages principaux, on découvre aussi un duo de Pikachu aux allures de Fashion Week, avec des tenues uniques.

Du nouveau pour Pokopia et Légendes Z-A.

Qui dit anniversaire dit cadeaux et gros gâteau : Pokémon dévoile un calendrier chargé en mises à jour, récompenses et pas que pour l’ensemble de ces licences.

En commençant par Pokémon Pokopia, disponible le 5 mars prochain. Vous incarnez un métamorph à forme humaine qui décide de reconstruire le village d’une île perdue.

Dans cette simulation de vie, chaque rencontre avec un autre Pokémon vous permet d’acquérir une nouvelle compétence dans le but de créer un lieu idyllique pour vous et les autres habitants.

Les nouvelles images du jeu nous emmènent à la rencontre d’un Motisma DJ et d’un Rongrigou cuisinier !

Cette exclusivité Switch 2 présente aussi son mode multijoueur, qui vous permet de rendre visite à vos amis pour vous balader, construire ou encore jouer à cache-cache.

Quant à Légendes Pokémon Z-A, c’est son extension « Méga-Dimension » qui accueille une toute nouvelle méga-évolution celle de Carchacrok.

Des cadeaux à gogo !

Pokémon GO, Pokémon UNITE, Pokémon Sleep, Pokémon Café ReMix et Pokémon Masters EX ont eux aussi eu le droit à leur lot de missions et de récompenses anniversaire.

Mention spéciale au Jeu de Cartes à Collectionner Pokémon Pocket qui démarre 30 jours de cadeaux pour les 30 ans de la licence.

Il suffit de vous connecter sur l’application entre le 27 février et le 27 juin pour récupérer vos avantages.

Voici un récapitulatif des différentes annonces :

En résumé, ce Pokémon Presents spécial Pokémon Day n’a pas seulement joué la carte de la nostalgie : il a dessiné l’avenir. Entre le retour à Kanto, l’arrivée d’une 10e génération ambitieuse et une avalanche d’événements compétitifs et festifs, la licence prouve qu’elle sait parler à toutes les générations de joueuses et joueurs. Des premières captures sur Game Boy Advance aux méga-évolutions inédites de Légendes Pokémon Z-A, la franchise continue d’évoluer sans renier son ADN. Une chose est sûre : que l’on soit stratège du JCC, dresseur·euse compétitif·ve ou explorateur·rice en monde ouvert, l’année à venir s’annonce chargée… et ce n’est visiblement que le début des célébrations.

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Une vie qui se déroule sous nos yeux

Dans Dear Me, I Was…, nous incarnons une femme depuis son plus jeune âge jusqu’à ses années les plus avancées, au fil de dix chapitres qui retracent les grandes étapes de son existence. Passionnée par le dessin, elle voit sa sensibilité artistique l’accompagner tout au long de sa vie, comme un fil conducteur discret mais essentiel. Nous suivons ainsi son parcours du début à la fin, sans détour, dans une narration qui assume pleinement sa simplicité.

Une heure pour raconter toute une existence

Entre drames familiaux, rencontres amicales et histoires d’amour, c’est une vie entière qui défile sous nos yeux en un peu plus d’une heure. Une seule vie, ordinaire en apparence, mais profondément universelle. Le titre adopte une approche introspective qui nous pousse à réfléchir aux notions de bonheur, aux choix que nous faisons et à l’impact qu’ils peuvent avoir sur le reste de notre existence.

Chaque chapitre nous plonge dans une journée clé d’une période différente de sa vie. Ce choix narratif donne au récit une dimension presque fragmentée, comme si nous feuilletions un album de souvenirs. L’efficacité du propos repose justement sur cette économie : quelques scènes, quelques instants, mais toujours porteurs de sens.

Une émotion sans artifices

Dear Me, I Was… est un jeu poétique, émotionnellement marquant, qui submerge par la sincérité de son scénario, pourtant d’une simplicité désarmante. Sans aucun casting vocal, Arc System Works parvient malgré tout à nous happer. L’attachement aux personnages se construit naturellement, même lorsqu’ils n’apparaissent que le temps d’un chapitre. Certains croisent notre route brièvement, d’autres laissent une empreinte plus durable, mais tous participent à cette sensation de vie authentique.

C’est dans cette retenue — dans cette absence d’effets spectaculaires — que le jeu trouve sa force. Il ne cherche pas à impressionner, mais à raconter. Et parfois, cela suffit amplement.

Un gameplay minimaliste, presque en retrait

C’est sans doute le point le plus fragile du titre. À vrai dire, les développeur·euse·s n’ont jamais réellement misé sur cet aspect. Comme évoqué plus haut, Dear Me, I Was… se présente avant tout comme une expérience, une atmosphère, plutôt qu’un jeu à mécanique poussée. Mais impossible de faire l’impasse sur le gameplay dans un test.

Dans les faits, l’ensemble se rapproche d’un point & click très simplifié, flirtant avec le film interactif. Nous interagissons avec certains objets, manipulons des aliments ou cliquons sur des éléments du décor afin de faire progresser la scène. Ces interactions restent basiques et servent essentiellement à rythmer la narration plutôt qu’à proposer un véritable défi ou une quelconque complexité ludique.

Le dessin, élément central dans la vie de l’héroïne, donne lieu à quelques séquences spécifiques. En maintenant le clic gauche de la souris et en balayant le curseur sur la feuille, nous esquissons les traits qui composent l’illustration. L’idée est cohérente avec le propos du jeu, mais l’exécution laisse un léger goût d’inachevé. On aurait aimé un ressenti un peu plus satisfaisant, une interaction plus précise ou plus engageante, histoire de renforcer l’implication du joueur ou de la joueuse dans cet acte créatif.

Cela dit, la simplicité du gameplay s’inscrit dans la philosophie globale du projet. Arc System Works ne cherche pas à nous mettre à l’épreuve, mais à nous accompagner dans un récit. L’interactivité agit davantage comme un liant, une façon de nous maintenir impliqué·e, plutôt que comme un véritable moteur ludique.

En somme, le gameplay ne brille pas, mais il ne trahit jamais l’intention de l’œuvre : ici, c’est l’émotion qui prime sur la performance.

Une esthétique aquarelle tout en douceur

Le premier élément qui frappe dans Dear Me, I Was…, c’est ce trait fin, presque fragile, qui épouse un rendu évoquant l’aquarelle traditionnelle. Les arrière-plans semblent peints à la main, avec des textures diffuses, des contours estompés et des couleurs pastel qui se fondent délicatement les unes dans les autres. Les aplats laissent apparaître un effet de papier légèrement grainé, tandis que les personnages se détachent avec des lignes souples et vivantes. La palette privilégie les tons lavande, vert tendre, bleu brume ou rose poudré, installant d’emblée une atmosphère feutrée.

Ce choix visuel n’a rien d’anodin : il installe une sensation de souvenir. On n’est pas dans un réalisme frontal, mais dans une mémoire recomposée, imparfaite et sensible. L’image semble parfois prête à s’effacer, comme si chaque scène était un fragment fragile d’un passé que l’on tente de retenir.

Des personnages comme découpés dans la mémoire

Un détail particulièrement marquant réside dans ce léger halo blanc qui entoure les personnages. Ils apparaissent presque comme des silhouettes découpées puis posées sur le décor, à la manière de photographies collées dans un album. Ce procédé visuel permet d’abord de guider naturellement le regard, essentiel dans une expérience narrative interactive. Mais il possède aussi une portée symbolique forte.

Ces instants semblent isolés du monde, suspendus hors du temps. Les scènes de cuisine, les moments d’enfance au parc, l’adolescence à l’école d’art ou encore les instants partagés en couple prennent ainsi l’allure de fragments soigneusement conservés. Le jeu ne montre pas une vie dans sa continuité brute, mais dans sa dimension émotionnelle, comme si chaque tableau était un souvenir choisi, retenu, presque sacralisé.

Une évolution graphique au rythme de la vie

L’une des grandes réussites artistiques du titre tient dans sa progression visuelle subtile. L’enfance se pare de couleurs plus lumineuses et chaleureuses, avec des expressions ouvertes et des cadrages rassurants. L’adolescence adopte des teintes plus neutres, une ambiance scolaire plus introspective, où la mise en scène devient légèrement plus distante. À l’âge adulte, la lumière se fait plus froide, les décors plus épurés, parfois urbains, traduisant une forme de maturité — mais aussi de complexité.

Les moments dramatiques, eux, basculent vers des palettes désaturées et des atmosphères brumeuses. La scène à l’hôpital, notamment, exploite des bleus et des verts pâles qui traduisent la fragilité et la gravité de l’instant sans jamais sombrer dans le pathos appuyé. À l’inverse, les séquences de voyage — qu’il s’agisse de paysages enneigés ou d’un aquarium baigné de lumière — s’ouvrent sur des horizons plus vastes, presque symboliques, comme des respirations visuelles face aux épreuves.

Une lumière pensée comme un langage émotionnel

Bien que le rendu reste illustratif, le travail sur la lumière révèle une approche presque cinématographique. Dans les scènes aquatiques, un halo solaire diffus traverse l’image et crée une impression d’émerveillement silencieux. En montagne, la lumière hivernale accentue la pureté du décor tout en soulignant la rudesse du froid. Les intérieurs, eux, sont souvent baignés d’une clarté latérale douce, qui enveloppe les personnages et renforce l’intimité des moments.

Chaque décor semble conçu pour refléter l’état intérieur de l’héroïne. La lumière n’éclaire pas seulement l’espace : elle traduit une émotion, un souvenir, une transition.

Une cohérence totale entre fond et forme

Dear Me, I Was… ne cherche jamais la démonstration technique ni l’hyperréalisme. Son ambition est ailleurs : raconter une vie à travers l’image. Le style graphique facilite l’identification en évitant les détails trop spécifiques, universalise les émotions et met l’accent sur les gestes simples — un sourire esquissé, une main tenue, un regard échangé.

Cette esthétique évoque certains visual novels indépendants ou des films d’animation contemplatifs, mais elle conserve une signature propre, plus intime que spectaculaire. Le jeu ne cherche pas à impressionner, il cherche à toucher.

Une fragilité qui fait toute sa force

Ce qui ressort au final, c’est une cohérence remarquable. Les graphismes ne sont jamais là pour épater la galerie, mais pour accompagner le propos. Ils évoquent la nostalgie, la transmission, ces souvenirs que l’on garde malgré le temps qui passe. À première vue, le style pourrait sembler simple. Pourtant, il repose sur un travail précis des couleurs, des textures et de la composition.

Dear Me, I Was… fait ainsi le pari de la sensibilité visuelle. Et c’est précisément dans cette fragilité assumée que réside sa plus grande force artistique.

Une bande-son tout en délicatesse, au service de l’émotion

Si la direction artistique de Dear Me, I Was… frappe par sa douceur visuelle, sa bande-son prolonge cette sensibilité avec une justesse remarquable. Ici, pas de thèmes grandiloquents ni de compositions envahissantes : la musique adopte une approche minimaliste, presque pudique, qui accompagne les scènes sans jamais les dominer.

Les morceaux reposent majoritairement sur des instruments aux sonorités organiques — piano, cordes légères, nappes discrètes — qui installent une atmosphère intime. Le piano, en particulier, joue un rôle central. Quelques notes suffisent à suggérer la mélancolie, la tendresse ou l’hésitation. Les thèmes ne cherchent pas à imposer une émotion ; ils la suggèrent, la laissent émerger doucement, en cohérence avec le rythme contemplatif du jeu.

Le silence comme véritable outil narratif

L’un des aspects les plus réussis de la bande-son tient justement dans sa gestion du silence. Certaines scènes laissent respirer l’ambiance, ne conservant que des bruits d’environnement subtils : un souffle de vent, une ambiance feutrée d’intérieur, un léger écho aquatique. Ce choix renforce l’impression d’être plongé·e dans un souvenir. Le silence devient alors un espace d’introspection, presque un vide que le joueur ou la joueuse vient combler avec sa propre sensibilité.

Dans les moments plus difficiles — notamment les scènes à l’hôpital — la musique se fait encore plus retenue, parfois réduite à quelques accords suspendus. Cette économie de moyens évite tout pathos appuyé. L’émotion naît de la retenue, pas de la surenchère.

Une évolution sonore au fil des âges

Comme les graphismes, la bande-son évolue subtilement au fil des périodes de vie évoquées. L’enfance se pare de thèmes plus lumineux, presque naïfs dans leur simplicité mélodique. L’adolescence introduit des harmonies plus hésitantes, parfois teintées d’une douce mélancolie. À l’âge adulte, les compositions gagnent en profondeur, avec des arrangements un peu plus amples, mais toujours mesurés.

Lors des séquences d’évasion — voyage en montagne, aquarium — la musique s’ouvre davantage. Les nappes s’élargissent, les mélodies prennent un souffle plus ample, traduisant cette sensation d’horizon et de possible. À l’inverse, les scènes plus intimes privilégient la proximité sonore, comme si l’on était au plus près des pensées de l’héroïne.

Une cohérence émotionnelle totale

Ce qui marque surtout, c’est la cohérence entre l’image et le son. La bande originale ne cherche jamais à briller indépendamment du reste ; elle s’inscrit dans une logique d’accompagnement émotionnel. Chaque thème semble pensé comme un prolongement naturel des couleurs pastel et des contours flous du jeu.

Dear Me, I Was… confirme ainsi une chose essentielle : dans une œuvre introspective, la musique n’est pas un simple habillage. Elle devient un vecteur de mémoire. Elle relie les fragments de vie, souligne les transitions et donne une continuité sensible à ces tableaux épars.

En choisissant la retenue plutôt que l’emphase, la bande-son participe pleinement à l’identité fragile et précieuse du jeu. Elle ne cherche pas à faire pleurer — elle invite simplement à ressentir.

Une parenthèse douce et universelle

Avec Dear Me, I Was…, Arc System Works propose une œuvre à contre-courant. Loin des productions spectaculaires ou des mécaniques complexes, le studio livre une expérience intime, presque silencieuse, qui mise tout sur la sincérité de son propos. En à peine plus d’une heure, le jeu parvient à raconter une vie entière — avec ses joies simples, ses blessures discrètes, ses rencontres déterminantes et ses choix irréversibles.

Certes, le gameplay reste minimaliste et pourra laisser certain·e·s joueuses et joueurs sur leur faim. Mais ce serait passer à côté de l’essentiel que de réduire le titre à cette dimension. Car la véritable force de Dear Me, I Was… réside dans sa cohérence artistique : une direction visuelle en aquarelle d’une grande délicatesse, une bande-son pudique et émotive, une narration fragmentée qui évoque les souvenirs que l’on feuillette plutôt que les événements que l’on subit.

Le jeu ne cherche jamais à impressionner. Il ne force pas l’émotion. Il la laisse naître, doucement, au détour d’un regard, d’un dessin, d’un instant suspendu. Et dans un paysage vidéoludique souvent rythmé par la performance et la surenchère, cette retenue fait du bien. Dear Me, I Was… est une expérience courte, simple, mais profondément humaine. Une parenthèse poétique qui nous rappelle que les vies ordinaires sont souvent les plus universelles.

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Retour sur les fondations du musée

Avant de plonger dans les nouveautés de ce DLC, petit retour sur Two Point Museum, le dernier né des studios Two Point. Après Two Point Hospital et Two Point Campus, le jeu nous propulsait cette fois à la tête d’un musée à reconstruire, gérer et faire prospérer à travers différentes époques. Avec son gameplay accessible, sa direction artistique pleine de charme et son savant mélange entre gestion stratégique et créativité, le titre avait su séduire les amateurs et amatrices de jeux de gestion cosy.

Pour en savoir plus sur le jeu de base, vous pouvez retrouver notre test complet ici : [Two Point Museum : Un jeu de gestion agréable]

Muzoo : un deuxième DLC qui mêle muséum et zoo

Ce nouveau DLC apporte son petit lot de nouveautés et vient enrichir un titre qui proposait déjà un contenu conséquent. En plus du jeu de base, qui comprend trois musées aux thématiques distinctes à développer jusqu’au plus haut niveau, un premier DLC, Découvertes fantastiques, sorti en juillet dernier, avait déjà étoffé l’expérience avec des créatures mythologiques à exposer.

En ce mois de décembre, le deuxième contenu additionnel débarque avec Muzoo, une extension qui mêle musée et zoo, pour une nouvelle aventure de gestion aussi originale que rafraîchissante.

Des animaux farfelus à exposer dans un musée-zoo

On retrouve dans ce DLC Muzoo le gameplay bien rodé de Two Point Museum, avec pour objectif principal de décrocher les fameuses étoiles pour faire progresser son musée. Le système d’expédition est toujours de la partie, mais cette fois, vos experts animaliers partiront à la recherche de spécimens exotiques à ramener et à exposer.

Pour accueillir vos nouvelles créatures, vous devrez concevoir des terrariums et des habitats, chacun adapté à un biome spécifique en fonction des espèces que vous souhaitez héberger. Ces enclos peuvent être personnalisés et décorés, afin d’améliorer les conditions de vie de vos petites (ou grandes) bêtes.

Mais attention, tous les animaux ne sont pas en pleine forme à leur arrivée : il faudra parfois les soigner en utilisant une machine tout droit sortie de l’imagination délirante du studio, la « réanimalation ». Oui, Two Point Studios continue de cultiver son humour absurde et attachant, avec ses jeux de mots savoureux et ses créatures improbables.

Parmi les nouvelles espèces, vous pourrez faire connaissance avec le carnivautour, la girafe télescopique ou encore l’hamst-en-ciel. Une trentaine d’animaux viennent enrichir ce nouveau bestiaire, entre reptiles, mammifères, oiseaux et insectes, tous plus loufoques les uns que les autres.

Enfin, tout ce que vous pouviez déjà appliquer dans les autres musées — activités pédagogiques, décorations, panneaux informatifs, etc. — est désormais déclinable dans l’univers Muzoo, avec un style visuel propre à ce nouveau thème. Une extension qui pousse encore plus loin le concept de musée vivant et interactif.

Avec Muzoo, Two Point Studios signe un DLC à la hauteur des attentes : cohérent, amusant, et parfaitement intégré au jeu de base. La mécanique d’expédition se renouvelle avec l’arrivée des animaux, les habitats apportent un vent de fraîcheur dans la conception des expositions, et l’humour toujours aussi absurde fait mouche. Le studio prouve une fois de plus sa capacité à enrichir ses jeux sans les alourdir, en proposant un contenu accessible, modulable et plein de charme, qui saura séduire autant les passionné·es de gestion que les amoureux et amoureuses de la licence. Une extension recommandée pour celles et ceux qui veulent redonner un petit coup de fouet à leur musée… ou simplement adopter un hamst-en-ciel.

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Benoît Sokal, un artiste à l’origine d’un univers inoubliable

Benoît Sokal était un visionnaire du jeu narratif, un artiste venu de la bande dessinée — notamment grâce à sa série L’inspecteur Canardo — qui a su transposer son talent graphique et narratif dans le monde vidéoludique. Il signe L’Amerzone en 1999, avant de créer en 2002 Syberia, où il assure le scénario, la direction artistique et le design graphique.

Son univers mêle mélancolie, décors d’inspiration est-européenne et onirisme mécanique, une signature visuelle et émotionnelle unique qui a marqué une génération de joueuses et joueurs. Jusqu’à sa disparition, Sokal est resté fidèle à sa vision d’un jeu d’auteur, en construisant des mondes riches, profonds, et porteurs de sens.

Une intrigue mystérieuse portée par une héroïne marquante

Dans Syberia, vous incarnez Kate Walker, une avocate new-yorkaise envoyée à Valadilène, un petit village des Alpes françaises. Elle y représente les intérêts de l’entreprise Universal Toy Company, qui souhaite acquérir la manufacture d’automates Voralberg.

À son arrivée, Kate découvre que la propriétaire, Anna Voralberg, vient de mourir. L’affaire semblait simple, mais elle se complique rapidement : un héritier inconnu, Hans Voralberg, frère d’Anna que l’on croyait décédé, serait toujours en vie.

S’ensuit alors une aventure aux allures de road-trip, où Kate va enquêter dans plusieurs lieux énigmatiques, sur les traces de Hans, tout en découvrant ses secrets, son passé, et surtout, sa vision du monde.

Une ambiance unique, entre ruines industrielles et rêve mécanique

Syberia est un point and click agréable à prendre en main, qui vous fait explorer une variété de lieux, du village alpin isolé à une station balnéaire russe à l’abandon. L’univers imaginé par Benoît Sokal est bizarre, décalé, presque post-apocalyptique.

Le créateur a voulu bâtir un monde crépusculaire et mélancolique, où les vestiges du passé industriel cohabitent avec une modernité fragile. Cette dégradation visuelle porte un message : le temps qui passe, l’oubli, et le déclin des civilisations.

Le jeu s’ancre dans une Europe de l’Est imaginaire, comme figée dans une époque indéterminée entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe. Les usines rouillées, les automates délaissés, et les villes désertées symbolisent un âge d’or oublié, où la technologie représentait une promesse désormais éteinte.

Dans Syberia, chaque lieu est chargé de mémoire, chaque décor devient un personnage à part entière. La ruine n’est pas seulement un choix esthétique : elle est au cœur de la narration, porteuse de récits enfouis et de nostalgie.

Des énigmes bien intégrées à l’histoire

Comme dans la majorité des jeux d’aventure en point and click, Syberia propose des énigmes basées sur l’observation et l’écoute attentive des dialogues. Les personnages secondaires vous donneront souvent des indices, mais il faudra aussi analyser les décors avec attention.

L’approche de Sokal est subtile : le décor devient l’énigme. Un élément en apparence anodin peut en réalité être la clé de la progression. Contrairement à certains jeux du genre, Syberia ne cherche pas à piéger la joueuse ou le joueur. Les énigmes sont logiques et intégrées à la narration. Elles ne cassent pas le rythme, mais l’enrichissent, en maintenant une expérience fluide.

Un remaster graphique respectueux, mais inégal

Comparé à la version originale de 2002, Syberia Remastered offre une mise à jour graphique discrète mais appréciable. Les cinématiques bénéficient d’une meilleure netteté, d’une fluidité accrue et de contrastes rehaussés, mais les modèles 3D et les animations restent proches de l’époque.

Certains éléments sont modernisés : textures plus propres, lumières plus douces, effets météorologiques mieux gérés. Kate Walker, notamment, est plus détaillée, avec un manteau et des cheveux mieux définis.

Mais des limites persistent : animations rigides, visages peu expressifs, et automates au rendu low-poly. Le remaster ne révolutionne pas l’expérience visuelle, mais propose une version plus agréable à l’œil sur nos écrans actuels.

C’est surtout lorsqu’on quitte les cinématiques pour passer au jeu en temps réel que le remaster prend tout son sens. Les environnements sont alors nettement plus beaux, et on aurait aimé que le même soin soit apporté aux cinématiques.

L’absence d’une option pour basculer entre les graphismes d’époque et ceux du remaster, comme dans le remake de Halo: Combat Evolved, est un réel manque.

Une bande-son envoûtante et restaurée avec soin

La bande-son originale, composée par Nick Varley et Dimitri Bodiansky, est de retour, fidèlement restaurée. Elle s’inscrit parfaitement dans l’univers imaginé par Sokal : subtile, élégante et mélancolique.

Pas de grandes orchestrations ici, mais des nappes synthétiques douces, des touches de piano épurées et des ambiances sonores immersives. Elle accompagne le voyage de Kate avec beaucoup de délicatesse, soulignant la solitude des lieux et l’étrangeté du monde visité.

Le sound design, comme dans L’Amerzone, est excellent. Il permet une immersion totale dans l’univers. Mention spéciale pour l’université, à la fois visuellement magnifique et parfaitement servie par son ambiance sonore.

Des voix françaises d’origine soigneusement remasterisées

Le remaster conserve les voix françaises d’origine, avec un mixage modernisé pour plus de clarté. On retrouve Françoise Cadol dans le rôle de Kate Walker — célèbre pour avoir doublé Lara Croft — qui donne ici une interprétation sensible et nuancée.

Oscar, l’automate élégant, est incarné par Luc Gentil, avec une diction volontairement rigide, qui renforce son charme mécanique.

Le reste du casting est tout aussi solide : Céline Monsarrat (Olivia), Cédric Dumond (Dan), Marie Vincent, Claire Guyot, Jean-Louis Faure, Danièle Hazan… Un casting vocal remarquable, qui renforce l’immersion dans l’univers mystérieux et mélancolique du jeu.

Le travail de remastérisation respecte les performances originales tout en leur donnant un coup de jeune bienvenu.

Syberia – Remastered est avant tout un hommage sincère à une œuvre culte. Grâce à une ambiance toujours aussi forte, une bande-son subtilement restaurée, un doublage soigné et un respect de la direction artistique d’origine, le jeu peut être redécouvert dans de bonnes conditions, notamment par une nouvelle génération de joueuses et joueurs. Cependant, le manque de retravail sur les cinématiques face à la beauté des phases in-game crée un déséquilibre visuel. On aurait aimé un remaster plus homogène, voire plus ambitieux. Un mode permettant de switcher entre ancien et nouveau aurait été une vraie valeur ajoutée. Malgré ces défauts, Syberia – Remastered reste un magnifique témoignage de l’univers unique de Benoît Sokal. Une œuvre pleine de poésie, d’élégance et de nostalgie, qui mérite encore aujourd’hui d’être (re)découverte.

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