Un Peter Parker plus seul que jamais

Après les événements de No Way Home, Doctor Strange avait lancé un sort pour que plus personne ne se souvienne de l’identité secrète de Spider-Man — y compris les personnes les plus proches de Peter. Ce dernier, qui avait déjà perdu sa tante dans un affrontement tragique, perd alors ce qui lui restait de plus cher : ses amis, mais aussi ses collègues super-héros.

C’est un Peter Parker solitaire que nous retrouvons dans Brand New Day. Il vit sous les combles d’un immeuble, où il a installé son laboratoire. C’est là qu’il développe de nouveaux gadgets et prépare ses missions pour combattre le crime dans les quartiers de New York. Seul, il passe son temps à arrêter les méchants ; son unique contact avec le monde extérieur reste la détective Jean DeWolff, avec qui il échange régulièrement sur les affaires criminelles en cours.

Alors qu’il tente d’empêcher une attaque contre une prison de haute sécurité où sont détenus de grands criminels comme Scorpion, il fait la rencontre d’un ennemi bien particulier. Ce dernier agit dans l’ombre et est capable de contrôler les esprits à distance — un pouvoir redoutable qui met le tisseur à rude épreuve, jusqu’à ce que son adversaire mette la main sur son identité secrète. Les proches de Spidey se retrouvent alors de nouveau en danger.

Ébranlé par cette révélation, par la solitude et par cet acharnement contre le crime qu’il mène sans relâche, Peter voit son ADN muter. Sa santé mentale et son isolement finissent par avoir un impact sur son physique, ses pouvoirs et sa vie tout entière. Spider-Man devra alors mener l’enquête et trouver une réponse à cette mutation soudaine, afin de sauver New York — et de ne pas sombrer lui-même dans les ténèbres.

Un scénario prenant, mais quelques longueurs dans la résolution

On retrouve ici un scénario qui nous tient en haleine : la première partie du film est clairement l’une des meilleures adaptations de comics book de ces dernières années. Le réalisateur ne prend pas les spectateurs et spectatrices par la main, et l’on comprend que Spider-Man a vécu toute une vie entre-temps, à travers quelques scénettes et discussions avec d’autres personnages. On pense notamment au Punisher, qu’il a sauvé par le passé et avec qui il va tenter de faire équipe. L’alchimie fonctionne très bien entre les deux : une affiliation presque paternelle se dégage, même si Frank Castle préférerait envoyer tout le monde six pieds sous terre plutôt que de les arrêter. Cela donne lieu à des scènes touchantes et drôles, sans jamais tomber dans le surplus d’humour comme certaines productions MCU de ces dernières années — coucou Thor: Love and Thunder.

En revanche, certaines parties du scénario sont un peu trop expéditives et auraient mérité davantage de temps à l’écran. Je pense notamment à la résolution des mutations de Peter, ou encore à la résolution finale de l’intrigue.

Ce qui me dérange également, c’est la scène finale : Peter entre dans un commerce et se retrouve face à Ned (qu’il avait déjà croisé plus tôt dans le film, avec et sans son costume). Il vient le saluer, se présente sous le nom de Peter, lui serre la main et amorce leur check habituel. Ned s’en souvient presque naturellement, le regarde dans les yeux et dit : « Peter. » Comme s’il se souvenait de qui il était. J’espère que cette réaction fait simplement écho à une autre scène du film, où Ned apprend que le prénom de Spider-Man est Peter — plutôt que de suggérer qu’il se souvient complètement de Peter Parker. Car tout au long du film, aucune résolution magique n’est apportée à ce sort lancé des années auparavant. Cela donne d’ailleurs lieu à des scènes assez dures, où Peter se confie à MJ sur leur relation passée : il lui avoue qu’il l’aime, mais elle ne se souvient de rien — elle n’a aucun souvenir, il est un parfait inconnu pour la jeune femme. Je trouve que cette toute dernière scène vient un peu gâcher ce choix scénaristique.

Une réalisation qui redonne ses lettres de noblesse à Spider-Man

Le point fort de ce film, c’est indéniablement sa réalisation. Depuis l’arrivée de Tom Holland dans le rôle de Spider-Man, je n’avais pas été pleinement comblé par les productions du tisseur. J’adore Tom Holland, mais je trouvais que les films n’étaient pas à la hauteur. Avec cette dernière production, j’ai retrouvé une partie de ce que j’avais ressenti en découvrant The Amazing Spider-Man au cinéma.

Les plans de voltige sont sublimes, et c’est précisément ce qui fait l’âme d’un film Spider-Man : on chute, on vole, on virevolte aux côtés de Tom Holland. Les plans sont magnifiques ; on passe du plan large au plan serré, puis à la caméra embarquée, pour un résultat ultra immersif. On le ressent dès les premières minutes : l’un des tout premiers plans montre Spider-Man installé à l’envers sur une poutre, mais filmé comme s’il était assis normalement — c’est New York, en arrière-plan, qui apparaît à l’envers. Juste incroyable.

Les scènes de combat sont elles aussi très intenses, et la réalisation se fait à nouveau grandiose, avec des plans magnifiques qui rappellent parfois les doubles planches des comics. Ceci dit, on peut relever quelques faiblesses : si certains effets spéciaux sont dignes d’un blockbuster récent, d’autres paraissent légèrement datés.

On peut également mentionner deux autres points forts : un Hulk vraiment impressionnant, ce qui fait particulièrement plaisir au vu du traitement infligé au personnage ces dernières années dans le MCU. Le combat final, bien qu’il n’affronte pas de méchant digne de ce nom, reste sympathique et surtout visuellement très réussi.

Un casting solide entre valeurs sûres et nouvelles recrues

Côté casting, on est bien servis. On retrouve la bande de Spider-Man habituelle, avec Zendaya en MJ et Jacob Batalon en Ned. D’autres personnages venus d’autres productions viennent agrémenter le scénario : Jon Bernthal, excellent comme à son habitude, campe à nouveau le Punisher. Mark Ruffalo revient sous les traits du docteur Banner pour aider Spider-Man à comprendre la mutation de son ADN — et sous ceux d’un Hulk particulièrement enragé ! Florence Pugh, quant à elle, apporte sa dose d’humour et de nonchalance pour aider le tisseur à enquêter sur les attaques visant le Damage Control.

On retrouve également de nouvelles têtes. Liza Colón-Zayas incarne la détective avec qui Spider-Man entretient un lien assez proche, qui s’apparente parfois davantage à une relation mère-fils qu’à une simple collaboration. Et enfin, Sadie Sink en Jean Grey : quand la révélation a eu lieu, des cris ont retenti dans la salle. Bien évidemment, si vous aviez suivi l’actualité ou si vous êtes fin connaisseurs et connaisseuses de l’univers Marvel, rien d’étonnant à cela. C’est bien elle, l’ennemie capable de contrôler les esprits à distance, que doit affronter Spider-Man dans ce nouvel opus.

Bien évidemment, Jean Grey n’est pas ici un personnage foncièrement méchant : elle est en quête de vengeance et tente de retrouver sa sœur. Ce sera d’ailleurs l’un des retournements du film — Peter comprendra alors que des organisations comme le Damage Control ne sont pas là uniquement pour le bien. Il s’agit de l’un des personnages les plus puissants de l’univers Marvel, et j’ai vraiment hâte de voir ce que cela va donner dans les futures productions du MCU.

Déjà convaincante dans la série Stranger Things, Sadie Sink reste fidèle à elle-même en incarnant une jeune femme en proie aux doutes, à la peur, et prête à tout pour retrouver l’être auquel elle tient le plus. C’est d’ailleurs sur ce point que la résolution finale pèche un peu : un simple discours dans l’esprit de Peter, porté par les paroles de sa tante May, finit par la convaincre de ne pas basculer du côté obscur.

Solitude, santé mentale et acceptation de soi

Une nouvelle fois, on retrouve un film qui aborde des sujets importants, se rapprochant un peu de Thunderbolts, qui traitait déjà de la santé mentale. Ici aussi, c’est un sujet récurrent : la solitude, le fait de s’épuiser à la tâche, de ne pas prendre de temps pour soi. Tout cela se manifeste à travers un Peter qui plonge dans le chaos, ce qui se répercute directement sur sa mutation.

C’est assez intéressant d’aborder le sujet de cette manière, ce qui amène ainsi vers d’autres thématiques : l’acceptation de soi, le fait de s’écouter et de se comprendre. Tom Holland incarne à la perfection ce Peter en transition, qui tente de sortir la tête de l’eau après les épreuves qu’il a traversées.

Une bande-son en retrait, le vrai point faible du film

Pour ma part, le gros point faible du film, hormis certains choix scénaristiques cités plus haut, c’est son OST. Rien de marquant ici, et c’est clairement dommage ! Cette dernière s’efface dans la production et se fait assez en retrait, ce qui inflige un léger manque d’émotion dans certaines scènes. J’ai pourtant tendu l’oreille pendant tout le film, mais aucun thème ne m’a marqué, que ce soit dans les scènes de combat ou dans les moments un peu plus émouvants.

Spider-Man : Brand New Day signe un retour en grande forme pour le tisseur incarné par Tom Holland. Destin Daniel Cretton livre une réalisation inspirée, portée par des plans de voltige à couper le souffle et une mise en scène qui rend enfin justice à l’âme du personnage. Le casting, entre valeurs sûres et nouvelles recrues comme Sadie Sink, tire brillamment son épingle du jeu, tandis que le film n’hésite pas à aborder des thématiques fortes comme la solitude et la santé mentale, en écho à d’autres productions récentes du MCU. La production n’est pas exempte de défauts : quelques raccourcis dans la résolution de l’intrigue et une bande-son trop discrète viennent ternir légèrement le tableau. Mais ces réserves ne suffisent pas à occulter l’essentiel : il s’agit sans doute du meilleur film Spider-Man de l’ère Tom Holland, et l’un des Marvel les plus réussis de ces dernières années. Reste maintenant à savoir comment Jean Grey et les enjeux soulevés par le Damage Control seront exploités dans la suite du MCU — une question qui, à elle seule, donne déjà envie de retourner en salles.

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Assassin’s Creed IV: Black Flag (2013) Une révolution dans la saga

Sorti en octobre 2013, Assassin’s Creed IV: Black Flag marque un tournant décisif pour la franchise d’Ubisoft. Après le triptyque consacré à Ezio Auditore et la conclusion en demi-teinte de la trilogie Desmond Miles, la série avait besoin de se réinventer. Ubisoft Montréal fait alors le pari audacieux de quitter le conflit ancestral entre Assassins et Templiers pour plonger le·la joueur·euse dans l’âge d’or de la piraterie, au début du XVIIIe siècle, dans les Caraïbes.

Le·la joueur·euse y incarne Edward Kenway, jeune gallois devenu pirate par appât du gain, bien avant de devenir malgré lui le grand-père de Connor Kenway. Là réside l’une des grandes forces du jeu : Edward n’est ni un Assassin convaincu ni un Templier acquis à une cause, mais un aventurier motivé par la richesse et la liberté, ce qui lui confère une ambiguïté morale rare pour l’époque et une écriture saluée comme l’une des meilleures de la saga.

Le gameplay opère une refonte en profondeur qui redéfinit durablement l’identité de la série. Le combat naval devient un pilier central : navigation à bord du Jackdaw, abordages spectaculaires, exploration d’un archipel caribéen riche de plus de cinquante lieux. La direction artistique, portée par les chants de marins et une lumière tropicale superbe, renforce une immersion rarement égalée.

Le jeu n’échappe pas à certaines critiques. La trame contemporaine, désormais centrée sur un employé anonyme d’Abstergo, est jugée faible et casse le rythme du récit. Le lien entre l’intrigue Assassins-Templiers et l’aventure de piraterie paraît parfois artificiel, et la répétitivité de certaines activités annexes commence à se faire sentir.

Malgré ces réserves, l’accueil est très favorable : beaucoup considèrent Black Flag comme l’un des meilleurs épisodes de la saga, salué pour avoir renouvelé la formule sans trahir l’identité de la licence.

Son héritage est considérable. La navigation dans Origins, Odyssey ou Valhalla doit beaucoup aux mécaniques posées ici, tout comme le glissement vers des mondes ouverts plus vastes qui préfigure le virage RPG de la série. Le spin-off Assassin’s Creed Rogue (2014) prolonge directement son univers. Plus largement, Black Flag a prouvé qu’un Assassin’s Creed pouvait s’éloigner du folklore traditionnel sans perdre son public, ouvrant la voie à des cadres historiques toujours plus variés.

L’annonce de Black Flag Resynced : le secret le plus mal
gardé du jeu vidéo

L’existence d’un remake de Black Flag n’a jamais vraiment été un mystère pour qui suivait l’actualité d’Ubisoft. Les rumeurs sur un possible projet avaient commencé à circuler dès juin 2023, bien avant que le studio ne confirme quoi que ce soit officiellement. Le titre a ensuite fuité une première fois en décembre, via une liste d’un organisme de classification, alimentant des mois de spéculation. Ubisoft a fini par entrouvrir la porte en mars 2026, sans donner de nom précis, en glissant malicieusement une référence au dicton culte de la saga pour laisser entendre que quelque chose se préparait bel et bien.

La suite a viré au running gag. En avril, l’éditeur annonce enfin une présentation dédiée pour le 23 du mois, en assumant pleinement le fiasco : le message qui accompagne l’annonce s’intitule sobrement « On sait que vous savez, alors autant vous en dire un peu plus maintenant », une manière assez rare pour un éditeur de reconnaître publiquement que son secret est éventé depuis longtemps. Comme pour prouver le point jusqu’au bout, la bande-annonce elle-même fuite quelques jours avant la présentation officielle, via un compte anonyme sur X qui publie dix secondes de séquences avant de s’arrêter là. Plutôt que de sévir, Ubisoft choisit de jouer le jeu et même de plaisanter sur ses propres fuites, un choix d’autant plus notable que le studio avait, par le passé, menacé de poursuivre des acteurs pour des indiscrétions similaires.

Le contexte de cette annonce n’est pas anodin. Elle intervient après la sortie d’Assassin’s Creed Shadows en 2025, un épisode qui a permis à la licence de renouer avec un certain enthousiasme critique tout en continuant d’explorer la formule RPG initiée par Origins. L’annonce d’un retour à Black Flag, considéré par une large partie du public comme le meilleur des quatorze épisodes principaux de la saga, ravive alors un espoir précis chez les fans : celui de voir la série renouer avec une expérience plus resserrée, plus incarnée, après plusieurs opus tentaculaires. Ubisoft insiste d’ailleurs sur ce point en présentant Resynced comme un jeu d’action-aventure éloigné des mécaniques de rôle, un retour assumé à une expérience solo et centrée sur le personnage d’Edward Kenway plutôt que sur l’accumulation de systèmes annexes.

Cette annonce s’accompagne également d’un changement de ton en interne. Jean Guesdon, directeur créatif historique de la franchise revenu spécialement pour l’occasion, évoque un jeu tourné vers la lumière et l’évasion, en rupture avec les récits plus sombres des dernières années. Les intrigues contemporaines centrées sur Abstergo, jugées être l’un des points faibles du jeu original, sont retravaillées, tout comme certains arcs secondaires consacrés à des figures comme Barbe Noire ou Stede Bonnet. De quoi nourrir, chez une partie du public lassée par la surenchère des mondes ouverts, l’espoir que ce retour aux sources marque un nouveau chapitre plus maîtrisé pour la saga, à l’approche de son vingtième anniversaire.

Le corps-à-corps : Edward change de tempo

C’est sans doute le chantier le plus casse-gueule de tout Resynced, et paradoxalement celui où Ubisoft Singapore a pris le plus de risques. Le combat au sabre de Black Flag original, on s’en souvient tous : un système de contre-attaques en chaîne, ultra permissif, où il suffisait de guetter l’icône rouge au-dessus de la tête d’un garde pour appuyer sur un bouton et enchaîner les exécutions. Confortable, spectaculaire à l’écran, mais franchement peu exigeant. Ubisoft a choisi de tout reconstruire autour d’un système à base de hitbox, avec des parades chronométrées et des ruptures de garde à provoquer chez l’adversaire. Edward se déplace plus vite, réagit plus nerveusement, et les ennemis ne se contentent plus d’attendre sagement leur tour : ils encaissent, ils feintent, ils s’adaptent si on répète toujours la même parade. Concrètement, ça donne un combat où la garde adverse doit être cassée avant de pouvoir porter le coup fatal, où la fenêtre de parade parfaite est volontairement resserrée, et où les finish moves spectaculaires ne s’obtiennent qu’en le méritant plutôt qu’en spammant un bouton.

La lame secrète, elle, change de statut : impossible désormais de l’utiliser à la volée en plein duel comme au bon vieux temps, elle est réservée aux éliminations furtives et à quelques prompts d’exécution contextuels. Un choix qui fera grincer des dents les puristes attachés à la sensation de toute-puissance du Kenway période 2013, mais qui rapproche clairement Resynced de la grammaire de jeux plus récents comme Mirage ou Shadows.

L’infiltration profite du même chantier. La position accroupie, purement contextuelle dans l’original, dispose enfin d’un bouton dédié, ce qui change beaucoup de choses dans la lecture des zones ennemies. Le cycle jour-nuit influe désormais directement sur la visibilité d’Edward, l’obscurité devenant un vrai allié tactique et non plus un simple habillage esthétique. Le parkour, lui, emprunte largement aux épisodes récents avec des sauts libres et de nouvelles options d’éjection le long des murs, ce qui rend la traversée des villes plus fluide, presque désinvolte comparée à la raideur d’origine. Les missions de filature et d’écoute, souvent citées parmi les points faibles du jeu de 2013, ont également été retravaillées en profondeur pour éviter la sanction immédiate au moindre écart.

Le combat naval et la flotte du Jackdaw

Impossible de parler de Black Flag sans s’attarder longuement sur ce qui a toujours constitué son âme : la mer, et le Jackdaw. Sur ce point précis, Ubisoft n’a pas triché, la refonte est considérable et c’est là, à mon sens, que Resynced impressionne le plus.

Le bateau reste fondamentalement le même dans son âme, mais tout ce qui l’entoure a été retravaillé pour gommer les frictions de l’époque. Le monde est désormais entièrement raccord : plus aucun écran de chargement entre la navigation en haute mer et l’entrée dans les grandes villes comme La Havane ou Nassau, ce qui change littéralement la façon dont on habite ce monde. On passe du pont du navire aux quais d’un port sans la moindre coupure, et cette continuité fait une différence de perception plus grande qu’on ne l’imagine sur le papier.

Le système d’armement a lui aussi gagné en profondeur. Les tirs latéraux du Jackdaw restent directionnels comme dans l’original, mais les tirs lourds, les mortiers et les barils de poudre disposent désormais de modes alternatifs qui offrent davantage de nuances tactiques selon le type d’adversaire affronté. Trois vitesses de navigation demeurent disponibles, de la voile réduite à la pleine voile en passant par la vitesse de croisière, et le système de niveau de recherche évolue sur quatre paliers : les deux premiers se contentent d’envoyer une frégate isolée à vos trousses, tandis que les niveaux trois et quatre déclenchent carrément un convoi entier de chasseurs de pirates. Vaincre ces poursuivants ne fait d’ailleurs pas baisser la jauge, seul un pot-de-vin ou l’abordage ciblé de certains navires marchands permet de retrouver une relative tranquillité.

Chaque région des Caraïbes abrite désormais un fort qu’il est possible d’assaillir frontalement, un affrontement généralement corsé qui alerte au passage les navires ennemis alentour. Une fois la bataille navale remportée, il faut encore débarquer avec son équipage pour affronter les renforts à terre et faire chuter le moral de la garnison jusqu’à pouvoir affronter le commandant du fort en duel et s’emparer du lieu. C’est un vrai ajout structurel, qui transforme la prise de fort en petite mission en soi plutôt qu’en simple échange de bordées.

La gestion de la flotte progresse également sur plusieurs fronts. On peut désormais recruter des officiers pour renforcer l’équipage du Jackdaw, personnaliser son apparence bien au-delà des simples teintures de coque disponibles à l’époque, et améliorer le navire par paliers pour espérer un jour affronter les vaisseaux légendaires qui patrouillent les eaux caribéennes, de loin les adversaires les plus coriaces du jeu. Priorité logique en début de partie : les canons latéraux, la coque et les munitions lourdes, sans quoi la première rencontre avec une frégate ou un brick un peu trop ambitieux se soldera par un naufrage éclair. Petit ajout d’ambiance qui n’a l’air de rien mais qui personnalise beaucoup l’expérience : une roue dédiée permet désormais de choisir précisément le chant de marin que l’on souhaite entendre, ou de couper purement et simplement les chansons pour ne garder que le bruit des vagues, quand l’original imposait sa bande-son sans qu’on ait notre mot à dire.

Ce qui disparaît, ce qui s’ajoute

Tout n’est pas que gain dans cette refonte, et c’est bien normal. Le multijoueur, qui faisait pourtant partie de l’ADN de Black Flag à sa sortie, ne fait pas le voyage jusqu’à Resynced, une absence que certains vétérans regretteront sûrement. La personnalité d’Edward, plus posée et plus introspective que dans mon souvenir de 2013, ne fera probablement pas non plus l’unanimité chez les puristes les plus attachés à la version originale du personnage.

En contrepartie, le jeu s’enrichit d’environ six heures de contenu inédit, avec de nouvelles îles, de nouvelles activités annexes et des arcs secondaires étoffés autour de figures comme Barbe Noire ou Stede Bonnet. La plongée sous-marine devient enfin libre sur l’ensemble de la carte, permettant de dénicher des épaves et des secrets immergés qui n’existaient tout simplement pas dans l’original. Nouveauté plus surprenante, des Rifts optionnels permettent d’explorer de courtes scènes alternatives, des « et si » mettant en scène Edward et d’autres personnages du récit, une façon assez maligne de recréer une forme de séquence contemporaine sans réintroduire lourdement le liseré Animus qui plombait le rythme du jeu de 2013.

Quel avenir pour Resynced ?

Sur le papier, tout ce que j’ai décrit plus haut dessine un remake ambitieux, plus proche du remake pur que du simple remaster malgré l’étiquette marketing choisie par Ubisoft. Dans les faits, l’accueil critique reste partagé depuis la sortie début juillet : une partie de la presse salue une modernisation réussie qui ne trahit pas l’identité du jeu original, quand une autre salue une simulation d’eau et une direction artistique éblouissantes, contrebalancées par des plantages récurrents et une intelligence artificielle qui accuse parfois son âge malgré la refonte. Ce grand écart résume assez bien ce qu’est devenu Ubisoft ces dernières années : un studio capable du meilleur sur le plan technique et artistique, mais qui peine encore à livrer une expérience irréprochable sur le plan de la stabilité.

Pour l’avenir, deux pistes se dessinent. La première concerne le jeu lui-même : les développeurs ont laissé entendre qu’ils disposaient déjà de pistes de contenu additionnel, sans toutefois confirmer le retour de Freedom Cry, l’extension consacrée à Adéwalé qui avait marqué les esprits en 2013. Ce serait pourtant une suite logique tant l’histoire d’Adéwalé, ancien esclave devenu capitaine, résonnerait fort dans le climat actuel de la licence, plus attentive qu’auparavant à la diversité de ses récits historiques. La seconde piste dépasse largement Resynced : Ubisoft a profité de la période pour évoquer la suite de sa feuille de route, entre l’amélioration technique de titres plus anciens comme Unity et des allusions à d’autres retours possibles dans le catalogue. Difficile de ne pas y voir une stratégie assumée de la part de l’éditeur, qui semble vouloir capitaliser sur son patrimoine à l’approche du vingtième anniversaire de la saga plutôt que de multiplier les prises de risques créatives sur de nouveaux épisodes.

Reste la question qui fâche, celle que je posais en ouverture. Resynced est-il un cadeau aux joueurs·euses ou une opération comptable habillée en hommage ? Je crois, au terme de cette traversée, que le jeu échappe à ce dilemme trop binaire. Le travail effectué sur le combat, la navigation et la gestion du Jackdaw témoigne d’un vrai souci de faire mieux, pas seulement de faire pareil en plus beau. Mais l’absence de prise de risque narrative, le silence prudent sur Freedom Cry et la persistance de bugs qui n’auraient pas dû survivre à la certification laissent un goût d’inachevé. Ubisoft a démontré qu’il savait encore honorer ses classiques. Il lui reste à prouver qu’il sait aussi les accompagner jusqu’au bout, sans laisser la nostalgie faire le travail à sa place.

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Un cycle onirique organisé autour de Randolph Carter

Cette édition rassemble seize textes composant le cycle des Contrées du rêve : parmi eux, La Quête d’Iranon, Polaris, La Malédiction qui s’abattit sur Sarnath, Hypnos, Le Bateau blanc, Celephaïs, Les Chats d’Ulthar, Les Autres Dieux, ou encore La Clé d’argent. L’ensemble converge vers son texte central, la novella La Quête onirique de Kadath l’inconnue, dans laquelle Randolph Carter part à la recherche des dieux qui résident à Kadath, bien décidé à leur arracher le droit d’atteindre la cité de ses rêves.

Cette édition se distingue par son appareil critique fourni : traduction unifiée, essais, correspondances, poésies, cartes en couleurs et nombreuses notes rédigées par des spécialistes de l’œuvre lovecraftienne — de quoi accompagner efficacement la lecture d’un cycle aussi dense que foisonnant.

Une plongée fascinante, parfois répétitive

À travers ces nouvelles, Lovecraft met en scène des rêveurs malmenés par le monde réel, souvent nostalgiques d’une enfance perdue ou d’une époque plus paisible, qui trouvent refuge dans un monde né de leur propre imagination. Randolph Carter, auquel quatre textes sont consacrés, incarne cette figure : même après avoir un temps perdu l’accès à ce monde intérieur, il finit toujours par le retrouver.

Le style de Lovecraft, chargé et richement descriptif, installe une atmosphère qui n’est pas sans évoquer une Antiquité grecque cauchemardée, entre pierres précieuses, soieries et architectures démesurées. Cette abondance descriptive a toutefois un revers : certaines des cités rêvées finissent par se ressembler d’un texte à l’autre, entre déclinaisons de marbre et de jardins à fontaines, ce qui peut générer un sentiment de répétition sur la longueur du recueil. Certains passages n’en demeurent pas moins particulièrement marquants, portés par cette célébration constante du pouvoir de l’imagination, capable de faire renaître l’émerveillement propre à l’enfance.

H.P. Lovecraft, l’architecte de l’horreur cosmique

Né le 20 août 1890 à Providence, dans le Rhode Island, et mort dans la même ville le 15 mars 1937, Howard Phillips Lovecraft demeure l’un des écrivains les plus influents de la littérature fantastique et d’horreur du XXe siècle. Son œuvre repose sur un concept qui lui est propre : l’horreur cosmique, cette idée selon laquelle l’être humain n’occupe qu’une place insignifiante dans un cosmos qui lui est fondamentalement étranger et indifférent.

Peu lu de son vivant, Lovecraft a vu sa réputation grandir considérablement après sa mort, au point d’être aujourd’hui considéré, aux côtés d’Edgar Allan Poe, comme l’une des figures fondatrices de la littérature d’horreur moderne. Stephen King lui-même le désignait comme le plus grand artisan du récit d’horreur classique du siècle dernier. Si le mythe de Cthulhu reste son apport le plus célèbre, Les Contrées du rêve dévoilent une facette différente de son œuvre, plus intérieure, où l’angoisse cosmique laisse place à une quête presque mélancolique de beauté et d’évasion.

Une œuvre à replacer dans son contexte

Comme une partie de l’œuvre de Lovecraft, ce recueil ne fait pas l’impasse sur les préjugés raciaux de son auteur. L’un des textes met notamment en scène, à travers un vocabulaire aujourd’hui daté et offensant envers les peuples inuits, sami et yupiks, un peuple présenté comme monstrueux et menaçant. Un passage révélateur des idées de son époque, qu’il convient de resituer dans son contexte sans en minimiser le caractère problématique pour un lectorat contemporain.

Kadath, sommet de l’œuvre onirique de Lovecraft

Si l’ensemble du recueil vaut le détour, La Quête onirique de Kadath l’inconnue en constitue incontestablement le cœur battant. Cette longue épopée, qui emprunte autant aux Mille et Une Nuits qu’à L’Odyssée d’Homère, voit Randolph Carter traverser mille contrées, combattre, s’allier et ruser sans jamais perdre le contrôle de son propre destin — jusqu’à un dénouement qui, comme pour Ulysse, le ramène finalement chez lui.

Ce texte cristallise ce qui fait la singularité des Contrées du rêve : un Lovecraft plus personnel, qui parle moins de ses croyances cosmiques que de son propre rapport à la beauté et à la création. Les rêveurs qu’il met en scène ne sont pas de simples spectateurs de leur monde intérieur : ils en sont les véritables créateurs, à l’image du poète capable de façonner des univers uniques, aussi sublimes que terrifiants.

Une couverture Art déco, entre cosmos et rêverie

La couverture adopte une esthétique Art déco particulièrement soignée, cohérente avec l’époque d’écriture de Lovecraft. Un large motif géométrique doré, composé de rayons et d’éventails symétriques, encadre un médaillon circulaire où se déploie un nuage cosmique dans des teintes violettes et pourpres — une manière élégante d’évoquer à la fois l’imaginaire onirique du recueil et la dimension cosmique chère à l’auteur, sans recourir à une imagerie horrifique frontale.

Au centre de ce médaillon, le nom de l’auteur se détache en lettres capitales dorées, « H.P. LOVECRAFT », précédé de la mention du traducteur, David Camus, en blanc. Le titre, « Les Contrées du Rêve », est traité dans une typographie blanche à empattements, plus discrète, qui vient clore la composition sans jamais concurrencer visuellement le nom de l’auteur. L’ensemble, tout en ornements symétriques et en dégradés de violet sur fond sombre, installe une atmosphère à la fois précieuse et mystérieuse, fidèle à l’esprit du recueil : moins tournée vers l’épouvante que vers l’émerveillement et l’exploration d’un ailleurs onirique.

Les Contrées du rêve offre une porte d’entrée précieuse vers la part la plus intime de l’œuvre de Lovecraft, loin des codes plus attendus du mythe de Cthulhu. Un recueil exigeant, parfois répétitif dans ses descriptions, mais porté par une ambition littéraire rare et un appareil critique particulièrement soigné — à réserver toutefois à un lectorat averti, conscient des biais de son époque.

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Une intrigue qui reprend dans l’urgence

Les Reines Sœurs sont tombées, laissant Ascarlia démunie face à la tempête. Après s’être emparés de la capitale, les Nihlvars poursuivent leur conquête et se rapprochent désormais de la riche cité portuaire d’Olversahl. Mais tout n’est peut-être pas encore perdu.

Au cœur même de la conspiration, Elvine est retenue prisonnière : son rôle au sein du nouveau gouvernement lui permet de tenir, tiraillée entre une loyauté affichée et une résistance menée dans l’ombre — la moindre erreur pourrait lui être fatale. De l’autre côté de l’océan, Felnir s’engage sur un chemin sanglant qui doit le conduire jusqu’au trône, tandis qu’au nord, Ruhlin tente d’échapper au royaume tyrannique imposé par Nihlvar.

Thera, de son côté, a réussi à sauver les Îles Extérieures, mais les forces loyalistes restent trop peu nombreuses pour espérer l’emporter. Elle doit désormais trouver de nouveaux alliés pour espérer écraser la menace nihlvare — son plus grand défi restant, avant tout, de vaincre ses propres doutes pour devenir la cheffe de guerre qu’elle est appelée à incarner.

Une suite qui tient toutes ses promesses

Ce deuxième tome confirme tout le talent d’Anthony Ryan pour bâtir une fantasy à la fois épique, brutale et profondément humaine. La grande réussite du roman tient dans la maîtrise avec laquelle l’auteur fait évoluer chacun de ses personnages : leurs trajectoires, bien que distinctes, finissent par s’entrelacer avec une grande cohérence. Aucun protagoniste n’est épargné ni figé dans un rôle prédéfini — les victoires ont un coût, les erreurs entraînent de réelles conséquences, ce qui confère à chaque décision un poids dramatique bienvenu.

L’univers, déjà installé dans le premier tome, continue de gagner en profondeur. Les inspirations nordiques et vikings s’affirment davantage, entre paysages sauvages, rivalités politiques complexes et une atmosphère où la menace et la violence de la guerre planent en permanence. La tension narrative, maintenue de bout en bout, participe grandement à l’efficacité du roman : plus les enjeux grandissent, plus l’envie de tourner les pages se fait pressante, jusqu’à un sentiment de basculement imminent qui referme le roman sur une note haletante.

Seul bémol relevé : la multiplicité des points de vue, déjà présente dans le premier tome, demande toujours une attention soutenue pour ne perdre aucun fil narratif. Un exercice qui demande de la concentration, mais qui ne remet pas en cause la réussite d’ensemble du roman.

Une couverture en forme de marteau de guerre

La couverture de Né d’une tempête de fer frappe par son originalité graphique. La composition tout entière dessine, en négatif, la silhouette d’un marteau de guerre : la tête de l’arme est figurée par un large panneau doré, dans lequel se détache une armée en marche et la silhouette d’un guerrier solitaire, debout, lance et bouclier en main, face à ses rangs. Le manche, quant à lui, prend la forme d’une fine bande dorée qui traverse verticalement le bas de la couverture, encadrée par des montagnes sombres et déchiquetées.

Ce jeu de formes n’est évidemment pas anodin : il fait directement écho au titre, entre la tempête suggérée par le ciel bleu nuit strié de pluie et le fer évoqué par la teinte cuivrée du marteau. Le titre, en larges lettres blanches à l’esthétique légèrement runique, s’inscrit dans la continuité graphique du tome précédent tout en marquant une identité propre grâce à cette symbolique de l’arme. Un visuel efficace, qui traduit visuellement l’escalade de violence annoncée par le récit sans avoir besoin de représenter frontalement une scène de bataille.

Anthony Ryan, un rythme de publication qui ne faiblit pas

Anthony Ryan signe avec ce deuxième tome une nouvelle démonstration de sa capacité à tenir la cadence sur une saga au long cours. Écrivain écossais né en 1970, installé à Londres après une carrière dans la haute fonction publique britannique, il vit de sa plume depuis 2012, année où le succès international de Blood Song l’a définitivement installé parmi les grands noms de la fantasy contemporaine.

Ce qui frappe avec L’Âge de la Fureur, c’est la rapidité avec laquelle l’auteur enchaîne les publications : à peine plus d’un an sépare la sortie d’Une marée d’acier noir de celle de Né d’une tempête de fer. Un rythme soutenu que l’on retrouvait déjà sur ses précédentes séries, comme L’Alliance de Fer, bouclée en trois tomes entre 2022 et 2024. Une régularité qui n’a, semble-t-il, jusqu’ici jamais nui à la qualité de son écriture, toujours portée par ses obsessions habituelles : la trahison, la violence des rapports de pouvoir et la dimension profondément humaine de ses personnages.

Né d’une tempête de fer confirme les promesses de Une marée d’acier noir et pousse plus loin l’intensité dramatique de la saga. Personnages approfondis, univers plus immersif que jamais, tension narrative constante : ce deuxième tome s’annonce comme une étape clé de L’Âge de la Fureur, à condition d’accepter de naviguer entre plusieurs points de vue simultanés.

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Ascarlia sous la menace : le pitch de L’Âge de la Fureur

Le royaume d’Ascarlia, terre de sagas épiques et d’acier trempé dans le sang, vit depuis des générations sous l’autorité incontestée des Reines Sœurs. Un ordre séculaire que personne n’avait jamais osé remettre en question — jusqu’à l’apparition de rumeurs inquiétantes : des drakkars chargés de guerriers tatoués, voguant sous la bannière d’un culte assassin que l’on croyait pourtant éteint depuis longtemps. Une marée d’acier noir menace de tout emporter sur son passage.

Face à ce péril, Thera Lance Noire, représentante respectée des Reines Sœurs, est envoyée vers le nord pour évaluer la menace. Pendant ce temps, son frère honni Felnir se voit confier une autre mission : retrouver les Cryptes des Altvars, où serait dissimulé le trésor des dieux — une occasion inespérée pour lui de regagner l’estime perdue de sa famille et de laver son honneur. Autour d’eux gravitent une jeune scribe aussi talentueuse que déterminée, ainsi qu’un prisonnier doté d’un pouvoir aussi fascinant que terrifiant. Ensemble, ils vont se retrouver au cœur de la tempête qui s’annonce.

Quatre voix, un monde qui se referme lentement

Une marée d’acier noir adopte une structure à quatre points de vue alternés, une construction qui n’est pas sans rappeler Game of Thrones ou Throne of Glass. Ce choix narratif installe un rythme particulier : les premiers chapitres, très descriptifs et contemplatifs, misent davantage sur l’installation de l’univers que sur les dialogues, ce qui peut donner une entrée en matière plus lente que prévu.

Le pari reste néanmoins payant sur la durée. L’écriture d’Anthony Ryan, fluide et entraînante, finit par happer le lectorat au fil des chapitres, à mesure que les personnages gagnent en épaisseur. Un récapitulatif des protagonistes en ouverture de roman facilite d’ailleurs la prise en main d’un casting fourni, aux noms parfois complexes à retenir pour qui découvre l’univers d’Ascarlia. Ce premier tome fonctionne clairement comme une porte d’entrée : le lore y est dense, les enjeux politiques se mettent lentement en place, mais la dernière partie du roman accélère nettement le rythme, avec son lot de batailles, de révélations et de rebondissements jusqu’à une fin qui ne laisse clairement pas indifférent.

Une couverture qui hisse les voiles de la menace

La couverture française, publiée chez Bragelonne, installe d’emblée une ambiance sombre et maritime. Au centre de la composition, une flotte de drakkars aux voiles rouge sang, frappées d’un symbole runique évoquant un culte ancien, fend une mer démontée sous un ciel chargé de nuages. La proue du navire principal, sculptée en forme de crâne animal luminescent, aux orbites vides éclairées d’une lueur verdâtre, installe immédiatement une atmosphère inquiétante — un écho visuel direct à la menace du « culte assassin » évoqué dans le résumé.

Le traitement typographique reste sobre : le nom de l’auteur, en lettres corail, domine le haut de la couverture, suivi du titre en larges capitales blanches qui tranchent nettement sur le fond gris-bleuté de la tempête. La mention « L’Âge de la Fureur — Tome 1 » confirme d’emblée l’ancrage dans une saga au long cours. L’ensemble joue la carte du minimalisme évocateur : pas de personnage visible, seulement des navires et une mer déchaînée, pour mieux suggérer l’ampleur du danger collectif qui plane sur Ascarlia plutôt que de se focaliser sur un protagoniste en particulier. Un choix qui tranche avec les couvertures plus héroïques et centrées sur des personnages, habituelles dans la fantasy contemporaine, et qui installe d’entrée de jeu une tonalité plus sombre et maritime.

Une galerie de personnages entre coups de cœur et frustrations

Le worldbuilding d’Ascarlia s’appuie sur une distribution résolument équilibrée entre personnages masculins et féminins. Thera et Felnir, frère et sœur que tout semble opposer, s’imposent rapidement comme les figures les plus attachantes du roman, portés par leur loyauté envers leur équipage et leur détermination à se lancer corps et âme dans chaque bataille.

Le personnage de Ruhlin, jeune homme réduit en esclavage, suscite des retours contrastés : son courage, son intelligence et la ruse qu’il déploie pour tenter d’échapper à sa condition marquent les esprits, même si son évolution ne fait pas toujours l’unanimité au fil du récit. Elvine, de son côté, peine davantage à convaincre, certain·es lecteur·rices la trouvant trop en retrait des événements qui l’entourent. Quant à Colvyn, difficile de ne pas voir venir certains développements le concernant — Anthony Ryan restant fidèle à ses obsessions habituelles : trahisons, instabilité mentale et tragédies amoureuses infusent l’ensemble du récit.

Anthony Ryan, une plume écossaise taillée pour la fantasy épique

Né en 1970 en Écosse et installé depuis l’âge adulte à Londres, Anthony Ryan n’est pas un nouveau venu dans le genre. Après des études en histoire médiévale et une carrière dans la haute fonction publique britannique, il se consacre entièrement à l’écriture à partir de 2012, porté par le succès international de sa trilogie Blood Song, initialement publiée à compte d’auteur avant d’être reprise par Penguin Books.

Depuis, l’auteur a bâti une œuvre cohérente et prolifique : la saga Blood Song et sa suite Raven Blade, la trilogie steampunk Dragon Blood, ou plus récemment L’Alliance de Fer, achevée en 2024. Anthony Ryan revendique volontiers l’influence de Lloyd Alexander et de David Gemmell, deux références qui transparaissent dans son goût pour les récits de formation portés par des personnages marqués par la violence et la trahison. Avec L’Âge de la Fureur, il inaugure un nouvel univers, résolument tourné vers l’imaginaire viking, qu’il compte poursuivre avec un deuxième tome, Né d’une tempête de fer, déjà publié en France début 2026.

Une marée d’acier noir pose les fondations solides d’une nouvelle saga nordique, portée par une écriture immersive et un worldbuilding ambitieux. Le prix à payer pour cette richesse : une entrée en matière exigeante, qui demande un peu de patience avant que l’intrigue ne prenne réellement son envol. Un pari qui semble payant pour qui cherche une fantasy portée par des personnages complexes, loin des raccourcis habituels du genre.

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Christie Golden, une plume qui façonne le lore Warcraft depuis vingt ans

Née le 21 novembre 1963 à Atlanta, aux États-Unis, Christie Golden s’impose dès 1991 comme une autrice de référence dans l’imaginaire fantastique avec Le Vampire des brumes, premier tome de sa série Ravenloft, qui popularise l’archétype du vampire elfe. Depuis, sa bibliographie s’est considérablement étoffée, entre incursions dans l’univers StarCraft — notamment avec La Saga du templier noir — et contributions à la saga Star Wars, aux côtés d’Aaron Allston et Troy Denning sur la série Le Destin des Jedi.

C’est toutefois dans l’univers de Warcraft qu’elle a bâti sa réputation auprès des joueuses et joueurs. Autrice prolifique et joueuse assumée de World of Warcraft, elle signe depuis plus de deux décennies certains des romans les plus marquants de la licence : Arthas : L’Ascension du Roi-Liche, Jaina Portvaillant : Le Déferlement, Crimes de guerre ou encore Sylvanas, publié en 2024 chez Bragelonne. Une légitimité qui pèse lourd au moment d’aborder un sujet aussi sensible que l’intimité familiale d’Alleria et Turalyon, deux figures que Christie Golden connaît intimement pour les avoir accompagnées à travers plusieurs extensions.

Une famille recomposée par la guerre

Le postulat de départ tient en une image forte : un bébé confié à l’héritage de deux héros, qui grandit seul avant de retrouver des parents transformés par mille ans de conflit contre la Légion ardente. Si l’absence d’Alleria et Turalyon n’a duré que quelques décennies sur Azeroth, elle a représenté un millénaire entier pour eux, passé à repousser une armée démoniaque déterminée à anéantir tous les mondes.

À leur retour, Arator n’est plus l’enfant qu’ils ont laissé : il est devenu adulte, paladin accompli, membre du même ordre que ses parents. Le roman s’ouvre alors sur les récents événements de Khaz Algar, où Arator enquête sur une lueur suspecte émanant des ruines d’une ancienne forteresse de la Légion. Turalyon et Alleria se joignent naturellement à l’enquête, bien décidés à empêcher toute résurgence de leur ennemi historique.

Mais Les Liens du sang ne se contente pas d’une intrigue d’aventure classique. Le vrai sujet du roman, c’est la reconstruction — ou plutôt la difficile réconciliation — d’une cellule familiale que mille ans de séparation ont profondément abîmée. Arator se retrouve à la croisée de deux héritages contradictoires : l’éthique rigide et inflexible de son père, l’intelligence et l’obsession de sa mère pour la traque du Vide et de Xal’atath. Le récit prend une tournure plus personnelle encore lorsque la menace démoniaque révèle son véritable visage : un ancien lieutenant de la Légion, bien décidé à utiliser Azeroth comme tremplin pour une nouvelle campagne de destruction.

Alleria, Turalyon, Arator : l’anatomie d’une famille en tension

C’est là que Les Liens du sang trouve sa vraie matière. Le roman explore avant tout la dynamique familiale entre les trois personnages, davantage que l’intrigue démoniaque qui sert de fil conducteur. On y découvre une Alleria toujours marquée par sa connexion au Vide — même si elle est parvenue à faire taire les murmures qui l’habitaient, elle demeure incapable de percevoir correctement les carillons naaru dans son esprit — et un Turalyon dont la fidélité inébranlable envers la Lumière continue de le définir, parfois au détriment de sa proximité avec les siens.

Entre les deux, Arator incarne un point d’équilibre fragile : ni tout à fait son père, ni tout à fait sa mère, mais un individu façonné par une enfance passée loin d’eux — élevé d’abord par sa tante Vereesa Coursevent, puis, après la chute de Quel’thalas, par Lor’themar et Liadrin, qui l’ont formé aux méthodes des Pérégrins. Cette trajectoire personnelle donne au personnage une épaisseur que l’on retrouve rarement dans les figures secondaires de l’univers Warcraft, généralement cantonnées à leur simple filiation.

Christie Golden en profite également pour glisser une multitude de détails qui ravira les lecteur·rices attaché·es à la cohérence du lore : le couple Alleria-Turalyon, malgré son histoire millénaire, ne s’est jamais officiellement marié ; les deux héros détestent leurs propres statues à Hurlevent — Turalyon en particulier ne supportant pas la représentation de son nez ; et l’amitié entre Arator et Kayn Solfurie, forgée durant la bataille de l’Exodar, offre un éclairage inattendu sur les rapports entre paladins et chasseurs de démons.

Un roman-lore avant tout, pas un tournant narratif indispensable

Faut-il pour autant se précipiter sur Les Liens du sang avant la sortie de Midnight ? Pas nécessairement. Comme c’est souvent le cas avec les romans qui accompagnent les extensions de World of Warcraft, ce texte n’est pas indispensable pour suivre l’histoire à venir. Certains événements qui s’y déroulent ne trouveront d’ailleurs probablement pas d’écho direct dans le jeu lui-même.

En revanche, pour les personnes qui apprécient particulièrement le développement des personnages et l’approfondissement psychologique des figures historiques de la saga, la lecture s’avère gratifiante. Le roman multiplie les informations annexes sur l’état du monde post-Légion : la reconstruction progressive d’Auchindoun par les Auchenai, la persistance du Sanctuaire des Démonistes à Lune-d’Argent malgré l’abandon officiel de la magie gangrenée, ou encore l’installation de Thalyssra au Palais Sacrenuit. Autant d’éléments qui nourrissent la toile de fond d’Azeroth sans jamais alourdir le rythme du récit principal.

Le point faible du roman tient justement à cet équilibre : centré sur l’intime, il avance parfois au détriment de l’enjeu démoniaque censé structurer l’intrigue. Les personnes en quête d’un affrontement spectaculaire contre la Légion pourraient rester sur leur faim. Mais pour qui cherche avant tout une plongée dans les coulisses émotionnelles d’une famille de héros, Les Liens du sang remplit pleinement son contrat.

Entre héraldique et menace démoniaque : l’analyse de la couverture

La couverture, signée pour l’édition française de Bragelonne, reprend les codes visuels désormais familiers des romans World of Warcraft : une composition verticale dense, saturée de symboles, pensée pour parler autant aux joueuses et joueurs qu’aux collectionneur·euses de la licence.

Au premier plan trône Arator, armure dorée frappée de motifs draconiques, les yeux luisant d’une lueur ambrée caractéristique des paladins investis par la Lumière. Sa posture, épée levée et regard tourné vers l’horizon, l’installe comme le véritable centre de gravité de l’illustration — une manière habile de rappeler que, malgré la présence de ses parents légendaires, ce roman lui appartient avant tout.

En arrière-plan, la composition organise une hiérarchie visuelle limpide : Turalyon, à droite, domine la scène par sa stature et son armure sacrée, son épée enveloppée de volutes de lumière dorée qui évoquent directement son pouvoir de Sancteforge. À gauche, Alleria se détache dans des teintes plus froides, armure blanche et violette, arc à la main — un choix chromatique qui la distingue immédiatement de son mari et souligne visuellement son lien trouble avec le Vide. Une petite créature ailée, esquissée dans la pénombre du coin supérieur gauche, ajoute une touche de menace latente sans jamais voler la vedette au trio principal.

La palette générale — violet nocturne, vert corrompu au sol, éclats dorés — installe une atmosphère typique des zones marquées par la Légion ardente, en cohérence directe avec le cadre de l’intrigue. Le titre, traité en lettres capitales blanches et dorées, s’inscrit dans la continuité graphique du logo World of WarCraft Midnight, positionné en ouverture de la composition comme un totem rassurant pour la communauté. L’ensemble fonctionne comme une promesse claire : celle d’un récit familial, sous tension, mais toujours ancré dans l’imagerie héroïque propre à la licence.

Les Liens du sang ne cherche pas à révolutionner le roman Warcraft : il s’inscrit dans la lignée de ses prédécesseurs, entre approfondissement du lore et développement de personnages secondaires devenus, au fil des extensions, des figures à part entière. Christie Golden livre un texte resserré sur l’intime, porté par une famille aussi légendaire que dysfonctionnelle, et pose quelques jalons discrets pour Midnight sans jamais trahir le mystère de l’extension à venir. Reste à voir combien de ces fils narratifs seront réellement tirés une fois le jeu disponible.

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Le concept tient en une mission simple : travailler ensemble pour protéger un œuf fragile à travers une série d’obstacles imprévisibles, en pilotant des oies dont la maladresse fait partie intégrante du jeu. Chaque impact rend l’œuf plus instable, plus rebondissant et plus imprévisible, transformant la moindre manipulation hasardeuse en désastre potentiellement glorieux.

Fissures et chaos progressif

Chaque coup encaissé affaiblit un peu plus l’œuf et complique son contrôle, ce qui fait des fissures un véritable système de difficulté progressive plutôt qu’un simple habillage cosmétique. Bonne nouvelle pour les nerfs des joueuses et joueurs : si l’œuf s’envole, il reste toujours récupérable dans son nid — fragile, fissuré, mais jamais vraiment perdu.

Une coopération volontairement bancale

Le titre assume pleinement son ton comique, misant sur le travail d’équipe autant que sur la petite trahison entre partenaires : soulever un·e coéquipier·ère maladroit·e, le ou la remettre sur le chemin, ou au contraire profiter du chaos ambiant pour saboter discrètement sa progression — tout en faisant semblant de ne pas l’avoir fait exprès. Le studio revendique une physique comique reposant sur des contrôles volontairement maladroits et une bonne dose d’énergie « oie », pensée pour générer des moments hilarants plutôt que des parties parfaitement maîtrisées.

BBear Studio présente également son jeu comme un véritable test de patience, où il s’agit de râler, rire et célébrer chaque centimètre parcouru — une promesse qui situe clairement le titre du côté des expériences coopératives locales pensées pour faire rire davantage que pour être maîtrisées à la perfection. Reste à voir, manette en main, si la formule tient sur la durée au-delà de l’effet de surprise initial.

Fiche technique

• Développeur : BBear Studio
• Éditeur : Devotion Interactive
• Genre : Aventure coopérative
• Plateforme : PC
• Joueurs : 2 à 4
• Date de sortie : 24 juillet 2026

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L’histoire démarre après un atterrissage forcé sur le mystérieux archipel Spirhalite. Le joueur ou la joueuse, dans la peau de Mécano, fait équipe avec l’intrépide trio musical des Tridenfer pour trouver le moyen de quitter l’archipel, résoudre son mystère… et surtout s’en mettre plein les poches. Des plages tropicales aux montagnes volcaniques, en passant par des donjons souterrains truffés de Salmonoïdes, les environnements traversés laissent planer le doute sur une possible civilisation salmonoïde antique ayant jadis peuplé ces lieux.

Les Salmonoïdes, une menace à chaque recoin

Chaque zone de l’archipel semble peuplée de ces créatures dangereuses. Aux spécimens communs s’ajoutent de puissants Salmonoboss, chacun avec son propre pattern de défi, et il faut rester sur ses gardes en creusant à la recherche de butin : l’opération peut attirer l’attention de Salmonoïdes d’exception encore plus coriaces.

Trois réservoirs, des gadgets sur-mesure

La progression repose sur trois types de réservoirs d’encre — orientés puissance, mobilité ou tactique — chacun accompagné de sa propre palette de gadgets à fabriquer et de pouvoirs de reliques à obtenir. Parmi les exemples cités par Nintendo : la splashette du réservoir puissant pour tailler les Salmonoïdes en pièces, la botte kaboum du réservoir rapide pour fuir le danger d’un bond, ou encore la marmitourelle du réservoir tactique pour liquider les ennemis en rafale. En montant de niveau, des points d’aptitude permettent d’améliorer ses réservoirs et d’étendre leurs possibilités de personnalisation.

Plus de 100 armes à débloquer

Pour affronter les Salmonoïdes, le jeu propose 11 types d’armes différents, dont le niveau détermine la puissance, avec des variantes offrant des bonus comme une meilleure portée ou une consommation d’encre réduite. Au total, plus de 100 armes différentes sont annoncées à découvrir au fil des expéditions.

Le titre se joue en solo ou jusqu’à quatre, en local sans fil ou en ligne, avec la possibilité de proposer son aide ou de faire appel à d’autres joueuses et joueurs en ligne avant de partir à la chasse au butin.

Fiche technique

• Développeur / Éditeur : Nintendo
• Genre : Action
• Plateforme : Switch 2 (exclusivité)
• Joueurs : 1 à 4
• Prix : 49,99 €
• Date de sortie : 23 juillet 2026

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Le joueur ou la joueuse y incarne un jeune Spinosaure maniant une gigantesque épée forgée d’un pouvoir ancien, engagé dans un combat désespéré pour empêcher une extinction imminente. Sur sa route : des dinosaures rivaux, certains eux-mêmes armés de leurs propres armes brutales, qui rendent chaque affrontement potentiellement mortel.

Des biomes dominés par des Alpha

Le titre promet un monde vaste et varié, des canyons arides aux jungles denses noyées de brume. Chaque région traversée est dominée par un Alpha féroce, présenté comme un prédateur ultime gardant la voie à suivre : les vaincre est la seule façon de progresser, sous peine d’être soi-même dévoré.

Une montée en puissance par les combos et les armes légendaires

Chaque victoire permet de progresser : maîtriser de nouvelles compétences, libérer des capacités dévastatrices et forger son propre style de combat. Le système annoncé mêle enchaînement de combos, esquives, roulades et parades au bon moment, avec des armes légendaires disséminées à travers le monde à découvrir en explorant.

Un mystère au cœur du monde sauvage

Le scénario évoque un mystère central capable de sauver l’espèce du héros ou de la condamner à jamais, sans que le dossier de presse n’en révèle davantage à ce stade. Selon les informations disponibles, aucun détail n’a par ailleurs été communiqué sur la durée de vie du titre ni sur l’éventuelle présence d’un mode coopératif — des éléments qui restent à vérifier lors des premiers essais.

Fiche technique

• Développeur / Éditeur : Team Spino
• Genre : RPG d’action
• Plateforme : PC
• Joueurs : 1
• Date de sortie : 23 juillet 2026

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Le roster de lancement compte 12 personnages jouables, chacun animé en 2D dessinée à la main pour coller au plus près de l’identité visuelle des deux séries. Le jeu propose un éventail de modes conséquent : Versus hors ligne et en ligne, Arcade, Entraînement, Spectateur, ainsi qu’une galerie d’art dédiée à l’histoire de la licence, présentant pour la première fois des illustrations originales de personnages et de scènes.

Un mode Histoire et un mode Arcade distincts

Le mode Histoire principal permet de façonner le destin du temps et de l’espace de l’univers Avatar, tandis que le mode Arcade propose des scénarios uniques à chaque personnage jouable, une structure classique du genre qui permet d’explorer les motivations propres à chaque combattant·e.

Des contrôles accessibles, un système technique en profondeur

Les développeurs annoncent des contrôles intuitifs pensés pour les matchs rapides entre ami·es ou en famille, tout en promettant un système de combat plus élaboré sous la surface, valorisant les prouesses techniques et la créativité. Le mode Entraînement, particulièrement complet, met à disposition des outils avancés : hitboxes (boîtes de collision), frame data (données de trame) et save states (états de sauvegarde), de quoi satisfaire les joueuses et joueurs les plus exigeants en matière d’apprentissage.

Une offre compétitive avec rollback netcode

Côté compétitif, le jeu s’appuie sur un rollback netcode et le crossplay entre toutes les plateformes modernes et le PC, avec matchs et salons classés ou amicaux, mode spectateur et système de replays.

Édition Deluxe et bonus de précommande

Une édition Deluxe est également proposée, incluant le jeu complet accompagné d’un artbook numérique consacré au style dessiné main du titre, du Pass Année 1 offrant cinq personnages jouables supplémentaires dès leur sortie, ainsi que la bande-son originale complète. Les précommandes donnent quant à elles accès à une apparence exclusive baptisée Samurai Appa, à des coloris exclusifs pour Aang, Korra, Zuko, Katara, Toph et Sokka, ainsi qu’à un vote permettant de choisir l’un des personnages du Pass Année 1.

Fiche technique

• Développeur : Gameplay Group International
• Éditeur : PM Studios
• Genre : Combat
• Plateformes : PlayStation 5, Xbox Series X/S, PC (23 juillet 2026) ; Switch 2 et Switch (date à préciser)
• Joueurs : 1 à 2
• Prix : 28,99 €

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